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Die alptraumhaften Bilder und blutigen Grand-Guignol-Einfälle des Genres sind dabei das eine. Doch was wäre all das ohne den passenden Soundtrack? Ein Schatten an der Wand ist zunächst einmal nur ein Schatten. Erst ein kaum wahrnehmbares Dröhnen, ein verstimmtes Kinderlied oder ein dissonanter Streichercluster machen daraus jenen Moment, in dem man sich unwillkürlich etwas tiefer in den Sessel drückt.
Alfred Hitchcock soll den Anteil von Bernard Herrmanns Musik an der Wirkung des ersten „Psycho“ einmal ziemlich konkret beziffert haben: „Thirty-three percent of the effect of Psycho was due to the music.“ Ausgerechnet die berühmte Duschszene hatte der Regisseur ursprünglich ohne Musik vorgesehen, ehe Herrmann ihn überzeugen konnte. Eine Entscheidung, für die nicht nur Generationen von Filmkomponisten dankbar sein dürften. Man stelle sich umgekehrt John Carpenters „Halloween“ ohne die drohende Präsenz der Synthesizer vor. Die Vorstadt wäre vermutlich immer noch kein besonders sicherer Ort. Aber sie würde deutlich weniger nach unmittelbar bevorstehendem Unheil aussehen. Oder vielmehr: klingen.
Kaum ein anderes
Filmgenre versteht es also so meisterhaft, mit unseren Erwartungen, Urängsten
und vor allem unserer Fantasie zu spielen. Und die Musik ist dabei weit mehr
als bloß atmosphärisches Beiwerk. Sie kündigt Unheil an, lange bevor es
sichtbar wird, lässt vermeintlich harmlose Situationen bedrohlich erscheinen
und sorgt mitunter dafür, dass uns selbst bei ausgeschaltetem Fernseher noch
ein kalter Schauer über den Rücken läuft.
Moderne Scores haben für dieses Unbehagen ein beträchtliches Vokabular entwickelt. Zu Nackenhaar aufstellenden Themen, Dissonanzen und Crescendi kommen Texturen, fragile Übergänge und hybride Klangwelten, die sich während des Hörens verändern. Für Komponisten werden damit auch Instrumente interessant, deren Material bereits Bewegung, Instabilität und innere Unruhe mitbringt. Für Filmkomponisten ist das ein ebenso reizvolles wie anspruchsvolles Betätigungsfeld, denn hier darf die Musik auch einmal sämtliche Konventionen über Bord werfen. Und wer sich auf die Suche nach den passenden Klängen begibt, findet mittlerweile eine ganze Reihe von Sample Libraries, die eigens dafür geschaffen wurden, das Fürchten zu vertonen.
Ein paar der besten und unheimlichsten in diesem Segment kommen aus Deutschland, genauer gesagt von Orchestral Tools, die mit ebenso ungewöhnlichen wie vielfältigen Libraries quasi die ganze Klaviatur des Entsetzens bespielen.
Natürlich bietet keine
dieser Libraries „Cheap Thrills“. Wir sitzen hier schließlich nicht in
der günstigsten Mitternachtsvorstellung eines heruntergekommenen
Grindhouse-Kinos, sondern im gediegenen Arthouse-Theater bei der exklusiven
Galapremiere eines A24-Streifens. Entsprechend tief muss man für diese
Premium-Libraries in die Tasche greifen. Spannender als die Frage nach dem
Eintrittspreis ist allerdings, wie viel Angst und Schrecken sich mit ihnen
tatsächlich verbreiten lässt – und dies sei ganz ohne Spoiler schon jetzt
verraten: Auf der klinischen Hamilton-Angstskala bewegen sich alle im eher
ungesunden Bereich, was in Sachen Horror-Scoring mehr als erstrebenswert ist.
HEDDAL – Wenn der Wald zurückflüstert
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| Credit Bild:© Orchestral Tools |
Als gedanklicher
Hintergrund für eine Library mit nordischer Klangidentität funktioniert diese
Sage jedenfalls ausgezeichnet. Zum Instrumentarium gehören nordische Exoten wie anderem Nyckelharpa,
Tagelharpa und Hardangerfiedel, außerdem Kantele, Langeleik, Seljefløyte
und Bukkehorn. Solistische Farben treffen auf ungewöhnlich zusammengestellte
Ensembles; zu den Spielweisen zählen unregelmäßige Tremoli,
Biegungen, flüsternde und aleatorische Texturen. Eine zusätzliche
Sounddesign-Ebene verarbeitet das Ausgangsmaterial etwa durch Umkehrung, Tape-
beziehungsweise Cassette-Bearbeitung, Synthese und Resonatoren.
Schon diese Auswahl
eröffnet einen ganz anderen Zugang als eine klassische Horror-Streicher-Library.
Hier führt der Weg ins Unheimliche über eine musikalische Landschaft, in der
etwas Altes und nur halb Vertrautes gegenwärtig bleibt. Holz, SYnth-Sounds und gestrichene
Saiten können zunächst enorme Nähe herstellen – und genau dadurch irritieren,
sobald ihre Bewegungen plötzlich nicht mehr ganz natürlich erscheinen.
Gedanklich ist man
schnell beim Folk Horror à la Robert Eggers oder bei der trügerischen
Helligkeit von Midsommar, wo das Grauen bekanntlich keinen finsteren
Keller benötigt. Manchmal reichen ein sonniger Tag, ein freundliches Lächeln
und das unterschwellige Gefühl, dass alle anderen längst etwas wissen, was
einem selbst noch niemand erklärt hat.
Heddals Konzept wirft
entsprechend interessante Fragen auf: Wie lässt sich eine Landschaft
musikalisch beleben? Wie bekommt eine Tradition einen bedrohlichen Unterton?
Und wann kippt ein zunächst schöner Klang ins Befremdliche?
Die Vorstellung von
Schwärmen, Moornebel und einem verwunschenen Norden passt hier wesentlich
besser als der nächste möglichst gigantische Braaam. Für solche Bilder braucht
es keineswegs zwingend plakative Sounds. Eine unstete musikalische Textur kann
dem Zuhörer durchaus einreden, dass sich zwischen den Bäumen etwas bewegt –
obwohl auf der Leinwand noch kein einziges Monster zu sehen ist.
Heddal verspricht
deshalb vor allem dort interessante Möglichkeiten, wo Schönheit und
Bedrohung miteinander verbunden werden sollen. Ein einzelnes fragiles Motiv
kann dabei mehr leisten als das komplette Ensemble im Dauerbetrieb.
Und dann besitzt diese
Library tatsächlich Sounds, wie ich sie in dieser Form noch in keiner anderen VI-Collection gehört habe: Orchestral Tools hat hier allen Ernstes Geräusche
des Moors spielbar gemacht. Was zunächst fast nach einem Gag klingt, fügt
sich erstaunlich schlüssig in das Konzept. Denn gerade diese diffuse Mischung
aus Naturgeräusch, Textur und musikalischem Material verwischt die Grenze
zwischen Score und Sounddesign auf eine Weise, die für Horror enorm ergiebig
ist. Wenn man irgendwann nicht mehr sicher sagen kann, ob das gerade ein
Instrument, Wind, Wasser oder etwas Lebendiges war, hat die Library ihre
Aufgabe bereits ziemlich gut erfüllt.
KORVEN – Angstmaschine ohne Ausschaltknopf
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| Credit Bild:© Orchestral Tools |
Seine gemeinsam mit
Orchestral Tools entwickelte Signature-Collection zählt entsprechend zu den
stärksten und unheimlichsten Libraries dieses Feldes. 622 spielbare
Instrumente und Patches stehen zur Verfügung, darunter zahlreiche
geschichtete und aufwendig bearbeitete Klanggebilde. Eine zentrale Rolle spielt
Korvens eigene Apprehension Engine – jenes akustische Spezialinstrument, dessen
Name bereits ziemlich unmissverständlich erklärt, wofür es gebaut wurde.
Korvens Filmmusik interessiert sich häufig für das Unbehagen, das entsteht, wenn Klang seine vertraute Funktion verliert. Etwas wird gestrichen, angeregt, gekratzt oder in Schwingung versetzt – aber die akustische Ursache bleibt für den Zuhörer undeutlich.Für Horror ist das eine ziemlich ergiebige Ausgangslage. Ein sauber identifizierbarer Synthesizer-Sound lässt sich mental rasch einsortieren. Ein Geräusch, das irgendwo zwischen Instrument, Tierlaut, Insektenschwarm und beschädigter Mechanik liegt, beschäftigt das Ohr wesentlich länger. Gerade diese fehlende Zuordenbarkeit erzeugt Unruhe: Der Klang ist hörbar real, aber seine Ursache bleibt außerhalb des Bildes.
Besonders interessant
ist in diesem Zusammenhang die Kategorie Orchestral Metamorphosis. Hier
lassen sich Klangschichten per Modulationsrad ineinander überblenden. Korven
empfiehlt zudem ausdrücklich einen erkundenden Umgang mit dem Material; ein
erheblicher Teil der Patches ist überhaupt nicht dafür gedacht, auf klassische
Weise Melodien abzuspielen.
Alptraumhafte Noises oder von Verwesung zeugende Insekten-Sounds betreten auch im VI-bereich durchaus Neuland. Wer also eine traditionelle Orchester-Library mit Sound-Effekten erwartet, in der jede Artikulation einer klar umrissenen musikalischen Aufgabe dient, muss umdenken. Hier geht es oft um kontrolliertes Chaos. Ein langer, eigenwilliger Klangverlauf ist hier bereits ein kleines dramaturgisches Ereignis. Seine Entwicklung muss zur Szene passen – und darf möglicherweise auch einmal ganz bewusst gegen sie arbeiten.
Dabei kann gerade ein zurückhaltend eingesetztes Detail besonders wirkungsvoll sein. Ein Kratzen am Rand der Wahrnehmung. Ein fast organisch wirkendes Schwirren wie ein unsichtbarer Insektenschwarm. Ein Übergang, bei dem ein vertrauter Klang allmählich durch etwas Fremdes ersetzt wird. Eine Bewegung, deren Ende man nicht vorhersehen kann.
Korven ist ein
ausgesprochen eigenständiges Werkzeug für alle, die das Fürchten vertonen
möchten. Der Reiz liegt dabei in den dramaturgischen Möglichkeiten: Ein Klang
kann zunächst nur leise am vermeintlichen Frieden einer Szene kratzen, sich
allmählich in den Vordergrund drängen und schließlich das gesamte Geschehen
bestimmen. Gerade für diese Entwicklung von unterschwelligem Unbehagen zu
handfester Bedrohung liefert die Library ein charaktervolles Instrumentarium,
das zu eigenen musikalischen Ideen einlädt.
Damit ist Korven eine
reizvolle Bereicherung für den Scoring-Alltag – besonders dort, wo Musik und
Sounddesign gemeinsam eine Atmosphäre schaffen sollen, die den Zuschauer auch
nach dem Abspann noch beschäftigt. Wenn der nächste Horrorfilm bereits vor
seinem ersten sichtbaren Schrecken unter die Haut gehen soll, ist dieses
Instrument eine ausgesprochen gute Besetzung.
Diese Library eignet sich besonders für Musiker, die das Unberechenbare selbst komponieren wollen. Und deshalb gehört sie für mich auch ganz klar zu meinen liebsten Libraries in diesem Bereich.
DRONES – Der Schrecken bleibt einfach stehen
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| Credit Bild:© Orchestral Tools |
Die Collection bietet
lange, überwiegend chromatisch spielbare Drones in unterschiedlichen
Intensitäten. Zu den Ausgangs-Sounds gehören unter anderem
Gitarren mit E-Bow beziehungsweise Feedback, Synthesizer, tiefe Streicher,
Posaunen, Männerchor, Drehleier, Tanpura und E-Bow-Piano. Neben ausgearbeiteten
Klanggebilden stehen auch einzelne Bausteine zur Verfügung, die sich für eigene
Kombinationen nutzen lassen. Mit Arkanum kam zudem eine Erweiterung mit
33 von Hacke selbst gestalteten Sounds hinzu.
Der Name Drones
könnte zunächst eine etwas undankbare Erwartung wecken: Taste drücken, düsterer
Dauerton, fertig ist das Suspense-Underscore. Drone vermag dies beipsilhaft - kann jedoch noch mehr.
Das wäre dramaturgisch allerdings ziemlich kurz gedacht. Ein anhaltender Ton verändert die Wahrnehmung der Zeit. Er kann einer Szene einen Boden geben, unter dem etwas weiterarbeitet, während die Figuren scheinbar vollkommen gewöhnliche Dinge tun. Sobald dieser Boden instabil wird, verändert sich auch das Bild darüber.David Lynchs Eraserhead ist für diese Denkweise ein naheliegender filmischer Bezugspunkt. Dort gehört das akustische Unbehagen zur Welt selbst. Man wartet nicht nur auf ein Ereignis; bereits die Umgebung scheint sich permanent in einem Zustand zu befinden, in dem etwas grundsätzlich nicht stimmt.
Fürs Scoring ergibt
sich daraus eine reizvolle Aufgabe: Wie viel Bewegung braucht ein scheinbar
stehender Klang? Ein kleiner Wechsel der Gewichtung kann bereits genügen. Ein
zweiter Ton kann aus einer neutralen Fläche plötzlich eine Reibung machen. Und
das Ende einer Drone kann mindestens so bedeutungsvoll sein wie ihr Beginn.
Ein dichter, lang
gehaltener Klang beansprucht allerdings Platz – musikalisch ebenso wie im Mix.
Unter Dialog, Geräuschen und weiteren Instrumenten kann aus bedrohlicher
Präsenz schnell eine permanente akustische Überfüllung werden. Dann bleibt dem
Zuhörer kaum noch Gelegenheit, einzelne Veränderungen überhaupt als bedeutsam
wahrzunehmen.
Die Möglichkeit, eigene Schichten zusammenzustellen, ist hier deshalb konzeptionell besonders wertvoll. Sie erlaubt wesentlich gezieltere Entscheidungen über Register, Dichte und Funktion, als es eine ausschließlich fertig arrangierte Atmosphäre tun würde.Drones eignet sich damit ideal für jene Szenen, in denen man die Gefahr noch nicht zeigen möchte, ihre Anwesenheit aber bereits spürbar machen will. Der Komponist muss dabei nur den Mut behalten, den Klang irgendwann auch wieder zurückzunehmen.
Und von allen hier
vorgestellten Libraries ist Drones vielleicht jene, die am wenigsten
ausschließlich an Horror gebunden bleibt. Dieselben Flächen und Texturen, die
unter einem verstörenden Film funktionieren, können ebenso in zeitgenössischer
Pop-, Rock-, Industrial- oder Ambient-Produktion ihren Platz finden.
Gitarrenfeedback, E-Bows, Stimmen und organische Schichten besitzen schließlich
eine musikalische Existenz weit jenseits des nächsten Exorzismus.
Das macht die
Collection besonders interessant: Sie ist im Horror zuhause, aber keineswegs
darin gefangen.
GRIMM – Es war einmal....
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| Credit Bild:© Orchestral Tools |
Die Brüder Grimm sind beliebt, berühmt – und je nach Märchen auch ein klein wenig berüchtigt. Wer sich nur an die weichgespülten Versionen mancher Kinderbuchausgabe erinnert, vergisst leicht, wie finster, brutal und stellenweise erstaunlich wenig jugendfrei die ursprünglichen Geschichten sein konnten. Für den einen oder anderen Klassiker hätte man bei konsequenter Umsetzung vermutlich durchaus über eine FSK 16 diskutieren können.Das Genre Grimdark wiederum ist im modernen Bücherregal längst eine feste Größe. Dark Fantasy, Königreiche sind korrumpiert, Helden moralisch zumindest diskussionswürdig und der Wald ist grundsätzlich kein Ort, an dem man unbeaufsichtigt spazieren gehen sollte.
Genau in beide Richtungen schielt die Orchestral-Tools-Library Grimm. Sie kann sich in einem Game of Thrones-artigen Fantasy-Universum ebenso zuhause fühlen wie in einem modernen, progressiven Horrormärchen, bei dem man der vermeintlich guten Fee besser nicht sofort vertrauen sollte.
Mit Grimm
wenden sich Orchestral Tools und das Komponistenkollektiv Bleeding Fingers
Music einer Klangwelt zu, die historische Instrumente mit zeitgenössischem
Scoring verbindet. Die Collection setzt auf sechs kleine, jeweils dreiköpfige
Ensembles. Zum Instrumentarium gehören unter anderem Tagelharpa, Lauten,
Drehleier, historische Posaunen, Flöten und Streicher; melodische, texturale
und aleatorische Spielweisen werden durch bearbeitete Klänge ergänzt.
Im offiziellen
Entstehungsbericht wird deutlich, dass das historische Material bewusst
ziemlich unhistorisch behandelt wurde. Bei einzelnen Flötenaufnahmen entfernte
man beispielsweise die Mundstücke, um andere Luft- und Geräuschanteile
hervorzubringen. Auch die Verbindung alter Instrumente mit einer raueren,
teilweise vom Rock beeinflussten Ästhetik gehörte zum Konzept.
Für einen Gitarristen wie mich ist das ein ausgesprochen sympathischer Ansatz. Historische Klangquellen müssen
schließlich nicht automatisch höfisch korrekt und mit ehrfürchtig gesenktem
Blick präsentiert werden. Auch eine Drehleier darf etwas zu sagen haben, das
sich nicht für das nächste Burgfest eignet.
Die kleinen Ensembles
sind dabei eine besonders interessante Entscheidung. Ein riesiger orchestraler
Apparat kann Bedrohung monumental machen. Eine überschaubare Gruppe von
Spielern vermittelt dagegen viel eher den Eindruck, dass hier tatsächlich
Menschen gemeinsam etwas ausführen. Die Musik wirkt dadurch näher,
unmittelbarer – und mitunter eben auch unangenehm nah.
Die Verbindung zu Heddal
ist naheliegend. Beide Collections arbeiten mit Instrumenten, deren
kulturelle beziehungsweise historische Herkunft unsere Wahrnehmung entscheidend
beeinflusst. Heddal zeichnet stärker eine nordische Landschaft; Grimm öffnet
dagegen eine breitere, historisch inspirierte Fantasiewelt die dreckig und richtig unheimlich klingen kann.
Als dramaturgische Farbe bleibt Grimm ausgesprochen reizvoll: für düstere Märchen, beschädigte Königreiche, heidnische unheimliche Rituale und Geschichten, in denen hinter dem vermeintlich Vertrauten etwas wesentlich Älteres lauert.Also hört gut zu, ihr lieben Kinder, es war einmal. Ob man danach noch ruhig schläft, ist eine andere Frage.
SPLINTER – Wenn die Idylle Risse bekommt
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| Credit Bild:© Orchestral Tools |
Genau aus dieser Reibung zieht Splinter einen beträchtlichen Teil seines Reizes. Vertrautes trifft auf Fremdes, akustische Instrumente geraten aus ihrer vorgesehenen Rolle und ein scheinbar normales Kammerensemble entwickelt langsam Eigenschaften, bei denen man lieber nicht mehr allzu genau nachfragen möchte. Willkommen in der Kammer der peculiar sounds.
Auch daraus lässt sich ausgesprochen eigenwilliger Horror bauen. Man denke nur an jene moderne Arthouse-Horror-Schule, für die Studios wie A24 in den vergangenen Jahren beinahe zum Synonym geworden sind: weniger Geisterbahn, mehr latentes Unbehagen; weniger Monster im Türrahmen, mehr die Frage, warum der Raum plötzlich so merkwürdig klingt.Genau dafür ist Splinter hervorragend geeignet.
Streicher mit
prononciert aggressivem Sustain kippen über das Modwheel allmählich in beinahe
synthetische Klangwelten. Brutales, fast Neil-Young-artiges Gitarrenfeedback
trifft auf Violas, während bewusst lo-fi gehaltene Spielzeugtrommeln Geräusche
produzieren, die irgendwo zwischen Kinderzimmer und sehr schlechter Vorahnung
liegen.
Ein Streicherklang,
dessen Tonhöhe langsam aus der Spur gerät, kann einem scheinbar harmlosen Bild
jede Sicherheit nehmen. Gerade die Zwischenräume und eine unsichere Intonation
bekommen dabei eine beinahe körperliche Präsenz. Eine interessante gedankliche
Nachbarschaft für Splinter, mit dem Orchestral Tools das Kammerensemble auf
ausgesprochen eigenwillige Abwege schickt.
Diese Sample Library versammelt jeweils zwei Violinen, Bratschen und
Celli sowie einen Kontrabass. Dazu kommen Ondes Martenot, ein verstimmtes
Pianino, E-Gitarre, Bass und Banjo, ein Drumkit sowie allerlei Percussion bis
hin zu Spielzeug und Schrottplatz-Fundstücken. Schon diese Besetzung lässt
erahnen, dass hier ein Ensemble mit durchaus ungewöhnlichen musikalischen
Umgangsformen zusammenfindet.
Besonders reizvoll ist
der Umgang mit den Instrumenten: Gitarren werden gestrichen, Streicher mit dem
Plektrum bearbeitet; Nebengeräusche und Unregelmäßigkeiten gehören ausdrücklich
zum Material. Hinzu kommen über das Modwheel steuerbare Glissandi und Cluster.
Gerade ein kontrollierbares Gleiten zwischen Tonhöhen bietet für Suspense
wesentlich mehr als einen hübschen Spezialeffekt. Man kann einen zunächst
stabilen Klang schrittweise aus dem Gleichgewicht bringen, während sich im Bild
noch überhaupt nichts verändert. Der Zuschauer hört bereits, dass etwas nicht
stimmt. Die Figur im Film weiß davon selbstverständlich noch nichts.
Auch die Ondes
Martenot, ein frühes elektronisches Musikinstrument, passen bestens in diese Gesellschaft. Unterschiedliche
Legato-Varianten, Effektklänge und ein zusätzlicher resonierender
Lautsprecherkanal erweitern ihre Ausdrucksmöglichkeiten; 50 mehrschichtige
Sounddesign-Patches ergänzen das Ensemble. Aufgenommen wurde im Saal 3 des
Funkhauses Berlin, mit bis zu elf Mikrofonpositionen und einem separat
regelbaren Hallkammerkanal. Für die musikalische Erzählung eröffnet diese
räumliche Kontrolle einen interessanten Spielraum: Ein Geräusch unmittelbar vor
dem Hörer wirkt vollkommen anders als derselbe Laut aus einer kaum bestimmbaren
Entfernung. Gerade im Horrorfilm ist die Frage, wo etwas lauert,
schließlich oft mindestens so unangenehm wie die Frage, was da
eigentlich lauert.
Allerdings verlangt
ein solches Instrumentarium nach Fingerspitzengefühl. Wer jede Phrase mit einer
weiteren Merkwürdigkeit versieht, riskiert, dass sich das Ohr schnell an den
Ausnahmezustand gewöhnt. Die stärkere Idee besteht häufig darin, einzelnen Klängen
Platz zu lassen und ihre Eigenheiten gezielt gegen eine vergleichsweise
schlichte musikalische Umgebung zu setzen.
Ein verstimmtes
Klavier muss schließlich nicht automatisch nach Spukhaus klingen. Es kann
ebenso Erinnerung, Verlust oder eine brüchige Form von Vertrautheit vermitteln.
Genau deshalb funktioniert Splinter nicht nur dann, wenn im Bild bereits Blut
von der Wand tropft. Vielleicht ist die Library sogar noch interessanter in
jenem Moment davor, in dem eigentlich alles normal aussieht und man trotzdem
spürt, dass irgendetwas aus dem Lot geraten ist.
Darin liegt für mich
das eigentliche dramaturgische Potenzial dieses Konzepts. Splinter bietet
Material für jene Zwischenzone, in der Melancholie langsam in Unbehagen
übergeht, Schönheit einen Riss bekommt und vertraute Klänge ihre Unschuld
verlieren.
Für den nächsten
Horror-Score ist das eine ausgesprochen interessante Farbe – besonders für jene
Szene, in der noch alle glauben, sie seien in Sicherheit bevor der Schrecken bzw. die Dissonanz einsetzt.
Fazit
Gemeinsam ist allen fünf Libraries damit vor allem eines: Sie verstehen Horror nicht bloß als Sammlung spektakulärer Schockeffekte .Und genau darin liegt ihre Stärke. Sie liefern auf höchstem Sampling-Niveau fünf Wege ins akustische Unbehagen
Bei Heddal ist es die Landschaft. Ein Instrument klingt nicht nur nach Holz, Saite oder Atem, sondern nach Herkunft. Nach einem Ort, an dem Geschichten älter sein könnten als die Menschen, die sie erzählen. Gerade die Verbindung traditioneller nordischer Instrumente mit Texturen, Sounddesign und den ausgesprochen eigentümlichen Moorgeräuschen macht diese Library zu einer starken Wahl für Folk Horror und alles, was Schönheit mit einem leicht fauligen Unterton verbinden möchte.
Korven geht den entgegengesetzten Weg und zerstört
die akustische Gewissheit fast vollständig. Die Apprehension Engine,
experimentelle Ensembles und metamorphosierenden Klanggebilde lassen häufig
offen, was man überhaupt gerade hört. Das Instrument verliert seine eindeutige
Identität und wird zum Ereignis. Für zeitgenössischen Horror ist das Gold wert,
weil sich Angst bekanntlich besonders wohl dort fühlt, wo sich etwas nicht klar
benennen lässt.
Drones braucht dagegen gar kein konkretes Ereignis.
Diese Collection versteht, dass Bedrohung auch ein Zustand sein kann. Ein Ton
bleibt einfach bestehen, verändert kaum merklich seine Farbe und macht dadurch
eine ansonsten banale Szene immer unerträglicher. Gleichzeitig reicht das
Material weit über Horror hinaus und kann ebenso gut in experimentellen Rock-,
Pop-, Industrial- oder Ambient-Kontexten funktionieren. Vielleicht ist Drones
gerade deshalb eine der vielseitigsten Collections dieses Feldes.
Grimm wiederum erinnert daran, dass sich Horror und
Märchen ohnehin nie besonders weit voneinander entfernt haben. Alte
Instrumente, kleine Ensembles und moderne Bearbeitung erzeugen eine Welt, die
irgendwo zwischen historischem Echo und erfundener Vergangenheit liegt. Das ist
kein akademisches Mittelalter und soll es auch nicht sein. Es ist Musik für
Königreiche, in denen nachts besser niemand die Tür öffnet.
Und Splinter
beweist schließlich, dass man für Unbehagen nicht zwangsläufig vollkommen
fremde Klänge benötigt. Manchmal genügt es, einen vertrauten Sound minimal aus
seiner Achse zu drehen. Ein Streicher, der plötzlich synthetische Eigenschaften
entwickelt. Eine Gitarre, die sich nicht mehr wie eine Gitarre verhält. Ein
verstimmtes Klavier, das weniger nach Spukhaus als nach einer beschädigten
Erinnerung klingt. Genau in dieser Grauzone zwischen vertraut und falsch
besitzt Splinter seinen besonderen Reiz.
Das Handwerkszeug für
schlaflose Nächte wäre damit vorhanden. Fehlt nur noch der passende Film –
einer, bei dem das Publikum irgendwann feststellt, dass Augen zuhalten allein
erstaunlich wenig hilft.
In diesem Sinne: Happy Halloween!