SYNAPSE AUDIO PROXIMA: Der unterschätzte Prophet im Plugin-Format

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Dass sich Entwickler in der Welt der analoger Synthesizer-Emulationen vorrangig den unangefochtenen Monumenten der Musikgeschichte widmen, hat gute Gründe. Ein Prophet-5, ein Minimoog oder ein Jupiter-8 haben ganze Dekaden geprägt und ihren zeitlosen Status in der Studiowelt völlig zu Recht sicher. Doch abseits dieser Giganten schlummern in den Archiven der Synthesizer-Historie noch ganz andere, mitunter nicht minder spannende Instrumente. Mit dem Plugin Proxima richtet die deutsche Softwareschmiede Synapse Audio den Blick genau auf einen solchen klanglichen Schatz: den Sequential Circuits Prophet-600.

Im direkten Vergleich zum weitaus berühmteren großen Bruder, dem legendären Prophet-5, fristete der Prophet-600 in der öffentlichen Wahrnehmung ein Schattendasein. Dabei gebührt genau diesem Instrument ein historischer Ehrenplatz im Pantheon der Musiktechnologie: Als er Anfang der Achtzigerjahre auf den Markt kam, war er der allererste kommerzielle Synthesizer überhaupt, der eine serienmäßige MIDI-Schnittstelle aufzuweisen hatte. Zudem war er preislich deutlich erschwinglicher kalkuliert als der für viele unlesitbare Nobel-Kultsynth Prophet-5. Damit stieß er die Studiotüren weit auf und ebnete einer ganzen Generation von Musikern den Weg in die polyphone, vernetzte Studio-Zukunft.

Dunkle Schwere und Achtziger-Nostalgie

Dass Synapse Audio ein goldenes Händchen für die Rekonstruktion analoger Schaltkreise besitzt, haben sie in der Vergangenheit oft genug bewiesen – man denke an Hans Zimmers Cinematic Synth The Legend HZ oder ihre Oberheim-Emulation namens Obsession. Auch beim Proxima wird diese Expertise sofort spürbar. Jene charakteristische dunkle Bassigkeit und die physisch greifbare, analoge Schwere - die man getrost als klangliche Signature und Qualitätsmerkmal der Synthesizer-Designs von Synapse Audio bezeichnen darf - dominiert und zeichnet auch dieses Plugin in exemplarischer Weise aus. Der Proxima klingt nicht nach sterilem Code, er atmet den ungeschminkten, leicht unberechenbaren Geist echter Vintage Hardware.

Die popkulturellen Referenzen springen einen beim ersten Anspielen der Presets geradezu an. Die Synth-Pioniere der US-Band Mr. Mister sollen den Original-Synth angeblich intensiv bei ihrem Welthit „Kyrie“ eingesetzt haben - und exakt so klingt die Engine des Plugins auch: unverhohlen und kompromisslos nach den glorreichen Eighties. Das ist Nostalgie pur, allerdings ohne den typischen, dünnen Plastik-Beigeschmack.

Der „kleine“ Prophet

Hinter der nostalgischen Fassade verbirgt sich jedoch noch mehr: nämlich ein beachtliches Arbeitspferd für den modernen Studioalltag. Die dem Original inhärente Flexibilität wurde von Synapse Audio perfekt in die digitale Domäne übersetzt und erweitert, etwa um die bekannten Modulationseffekte des Herstellers.  Der Proxima erweist sich als erstaunlich vielseitiges Chamäleon: Charakteristische, wunderbar schräge „Faux Strings“, dichte, analog flirrende Pads und markerschütternde Bass-Strukturen, die im Low-End wunderbar aufräumen - hier ist schlicht alles da, was das Producer-Herz begehrt. Der Synth lädt mit seiner aufgeräumten Oberfläche dazu ein, zu experimentieren. Es ist faszinierend, wie mühelos der Spagat zwischen historisch akkurater Retro-Ästhetik und modernem, Mix-ready-Sounddesign gelingt. Jedes Filter-Routing und jede Modulationsstufe verhält sich so organisch, wie man es von erstklassigen analogen Emulationen erwartet.

UVI RUMBLE Test: It’s all about The Bass

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Es ist eine grundlegende Wahrheit im weiten Feld der  Musik: Der Bass bildet meist das unumstößliche Fundament, die architektonische Basis, auf der viele  gelungene Produktion ruhen -  und das gilt ganz besonders im modernen „Synth Land“. Die Bandbreite dessen, was der tieffrequente Bereich heute leisten muss, ist gewaltig. Sie reicht von den federnden Basslines bis hin zu den dräuenden, von tiefem Unheil kündenden Akzenten des modernen Satzbettes im zeitgenössischen Scoring. Denken wir nur an John Carpenters minimalistische, unter die Haut gehende Pedal Tones, die pure Paranoia evozieren, oder im krassen Gegensatz dazu an jene markerschütternden Subs und rhythmischen Breaks, welche die aufgepeitschte Menge auf einem hippen Dance Festival zur Ekstase treiben. Bass und Synthesizer — das ist seit jeher eine symbiotische Verbindung, eine Liebesbeziehung der organischen Urgewalt.

Genau hier setzt die französische Softwareschmiede UVI mit ihrem neuesten Wurf Rumble an. Ein Instrument, das dezidiert dafür entwickelt wurde, den vielschichtigen Ansprüchen moderner Low-End-Ästhetik gerecht zu werden. Es geht um jenes physische Gewicht, den Punch, die messerscharfe Artikulation und die subtile Bewegung, die  bassgetriebene Musik heute zwingend verlangt. Um dieses Versprechen einzulösen, geht UVI architektonisch einen extrem ambitionierten Weg: Jedes Frequenzband wird strukturell als eigenständige, vollkommen autarke Synthesizer-Engine behandelt. Drei parallele Kraftwerke speisen hier am Ende einen einzigen, absolut monumentalen Gesamtsound.

Let’s get ready to RRRumble

Ähnlich sonor und markerschütternd wie Michael Buffers legendäre Intros im Boxring tönt auch das, was diese spezialisierte Bass-Maschine aus den Studiomonitoren drückt. Rumble ist kein Allrounder, sondern ein hochgradig fokussiertes, mächtiges und massives Werkzeug. Unter der elegant gestalteten Haube verbirgt sich ein beachtliches Arsenal an klangformenden Elementen: Neun hochentwickelte Oszillatormodelle treffen auf sechs hochpräzise Filterschaltkreise, flankiert von zehn flexiblen Effektketten und sage und schreibe 33 Modulationsquellen.

Das klangliche Gehirn dieses Plugins basiert auf einer dreigeteilten Architektur, die Frequenzen konsequent trennt und formt. Die drei Sektionen „Body“, „Character“ und „Air“ verfügen jeweils über ihren ganz eigenen Oszillator, einen dedizierten Waveshaper sowie maßgeschneiderte Effekte. Erst nach dieser individuellen Bearbeitung konvergieren die Signale im finalen Signalfluss und durchlaufen eine gemeinsame Filterstufe, einen präzisen Multiband-Kompressor und einen Master-EQ. Das Ergebnis dieses aufwendigen Layerings von Sub-, Mitten- und Hochfrequenzanteilen ist eine ungemein druckvolle, perfekt zusammengeschweißte klangliche Stimme, die sich im Mix sofort behauptet.

Rumble in the Jungle

Ob man nun im staubigen Untergrund des Deep Drum & Bass und Jungle operiert oder hochglanzpolierte Tracks für den kommerziellen House-Mainstream schraubt — *Rumble* erweist sich in fast jeder elektronischen Spielart als absoluter Budget-Tipp mit Premium-Charakter. Der Synth besitzt eine bemerkenswerte klangliche Modernität. Sounddesigner, die epische Scores für das Breitwand-Kino realisieren müssen, werden hier mit Leichtigkeit Patches kreieren, die von der bedrohlichen Ankunft eines außerirdischen Monsters in einem Sci-Fi-Spektakel künden. Die Attack-Zeiten sind knackig, das Low-End bleibt auch bei extremen Frequenz-Exkursionen stabil und verwaschene Phasenprobleme sucht man hier vergebens. Gleichzeitig zeigt sich das Plugin flexibel genug, um auch die urbanen Genres der Clubmusik mit der nötigen Portion Schmutz und Durchsetzungskraft zu bedienen.

Lieben Sie Braaams?

Der berühmte Romantiker hätte angesichts dieser Bassgewalt wohl schockiert das Weite gesucht, doch für den modernen Connaisseur feingetunter Verzerrung ist die integrierte „Fuzz Control“ ein wahres Fest. Wenn der Grundsound nämlich einmal nicht bissig oder „gnarly“ genug sein sollte, lässt sich das Signal über diese Sektion wunderbar anknuspern oder komplett in ein harmonisches Sättigungs-Nirwana treiben. Überhaupt lädt die Benutzeroberfläche dazu ein, das Feld der Bass-Sounds bis ins kleinste Detail zu customizen und zu tweaken. Die Modulationen greifen präzise, und dank der klugen Aufteilung der Frequenzbänder verliert man selbst bei drastischen Klangexperimenten nie das tonale Fundament im Frequenzkeller.

BOGREN AMPKNOB DUET & FATMAN Test: Schwedischer Minimalismus trifft amerikanische Amp-Historie

Credit Bild: © Bogren Digital

Credit Bild: © Bogren Digital

Die schwedische Plugin-Schmiede Bogren Digital – das Brainchild des international renommierten Metal-Produzenten Jens Bogren – hat sich seit einigen Jahren einen exzellenten Namen im Bereich der Amp-Sims gemacht. Diese richteten sich bislang jedoch dezidiert an jene Fraktion, die in die Heavy- und kompromisslos verzerrte Schiene tendierte. Mit den neu erschienenen Plugins Fatman & Duet wagen sich die Skandinavier nun jedoch aus ihrer Komfortzone heraus und erstmals tief in klassisch kalifornische Gefilde – mitten hinein in den klanglich so sensiblen Bereich von Clean- und Edge-of-Breakup-Tones und Sounds fender´schen Zuschnitts.

Das ist zweifelsohne ein überaus interessanter, ja mutiger Schritt. Denn ebenso wie es bei einer akkuraten britischen Amp-Sim oder einem tight artikulierenden, rhythmischen Chug-Chug-High-Gain-Sound auf die allerletzten Nuancen und Details ankommt, so ist auch der klassisch amerikanische Bereich eine absolute Kunst für sich. Dieses ganz spezifische klangliche Biotop lebt von einem hochgradig subtilen Zusammenspiel: dem klassischen Klangideal nach Leo Fender, dem perfekten Reverb und jenen geradezu filigranen Schattierungen und dynamischen Übergängen, bei denen ein cleaner Ton bei härterem Anschlag ganz leicht in den Overdrive kippt.

Also holen wir die Stratocaster und Telecaster aus dem Koffer, stöpseln uns direkt ins Interface ein, wählen Pro Tools auf und werfen einen Blick auf zwei digitale Amps, die nach Verstärkern modelliert wurden, die Teil des Inventars von Bogrens eigenem Fascination Street Studio in Örebro sind.

Der Fatman: Prototypischer Tweed mit Reverb-Upgrade

Credit Bild: © Bogren Digital

Beginnen wir mit dem Fatman, der sich stilvoll in feinsten, wenngleich stark in Mitleidenschaft gezogenen Tweed-Bezug hüllt. Das skeuomorphisch enorm attraktiv und fotorealistisch gestaltete GUI orientiert sich unverkennbar am legendären Fender Bassman. Einem klassischen Röhrenverstärker, der – wie der Name schon unmissverständlich sagt – in den Fünfzigerjahren eigentlich für Bassisten entworfen wurde. Historisch gesehen wurde er jedoch eher selten von ebenjenen Tieftönern verwendet, sondern rasch von findigen Rock-’n’-Roller und Bluesern mit der Sechssaitigen adoptiert. Der Grund dafür lag schlicht in seiner ungemein gitarrenfreundlichen, warmen und durchsetzungsstarken Klangcharakteristik.

Während der Amp im historischen Original eigentlich keinen integrierten Federhall aufweist, wird er hier virtuell mit einem zusätzlichen Reverb ausgestattet(überdies kann man bei beiden dieser neuen Bogren-Plugins auch einen Room Reverb-Sound hinzumischen). Der „Haupt-Hall“ ist ein klassischer Federhall, „scheppert“ authentisch und erweitert den sehr direkten Bassman-Sound um eine wunderschöne, dreidimensionale Tiefe, die sofort für Atmosphäre sorgt. Wenn man den „Fatman“ spielt, merkt man sofort, dass Bogren den Fokus auf genau jenen prototypischen Bassman-Sound gelegt hat, der diesen Amp-Klassiker so berühmt gemacht hat: Es ist dieser aggressive, aber dennoch niemals schneidende Growl, der jeden Single-Note-Lick wie von selbst in den Vordergrund drückt. Beeindruckend ist, wie der Fatman auf die Dynamik des Anschlags reagiert. Es ist ein Sound, der von „tief und warm“ bis hin zu „dreckig und spitz“ alle Nuancen des klassischen Blues- und Rock-Spektrums abdeckt: das klingt nach Stones, Black Crowes, Buddy Guy.

Durch die der Ampknob-Reihe eigene  Reduktion auf ein Mindestmaß an Knöpfen sind nicht zwar alle Sounds, die man mit einem Fender-Tweed erreichen kann, möglich, woran auch der recht subtile, nicht tweakbare Boost nichts ändert. Den typisch kernigen Tweed-Sound fängt dieses Plugin dennoch gut ein.

Der Duet: Glockige Brillanz und die Philosophie der Reduktion

Credit Bild: © Bogren Digital

Das zweite Plugin im Bunde lehnt sich klanglich unmissverständlich an den legendären Blackface Twin Reverb an. Wo der Fatman eher in den rauen Mitten lebt, zeigt sich der Duet als absoluter Meister der glockigen, obertonreichen Brillanz. Bogren hat es geschafft, diese typische, fast schon hifi-artige Färbung des Originals einzufangen, die den Sound so groß, weit und dreidimensional wirken lässt.

Betätigt man den Boost-Schalter, bekommt das Signal eine seidige Kompression und einen dezenten Mitten-Push – ganz im Stile eines klassischen, sanft eingestellten Tubescreamers vor einem cleanen Amp. Der Duet liefert exakt jenen unfassbar weiten, perlenden Sound, der ihn zur ultimativen Pedal-Plattform im Studio macht. Selbstverständlich kann jedoch auch dieser cleane Riese wunderbar organisch in die Sättigung gefahren werden. Neben dem obligatorischen Spring- und Room-Reverb bringt der Amp zudem ein herrlich analoges Tremolo mit, das dem cleanen Fundament das finale Vintage-Finishing verleiht und sicher zu den Highlights dieses Plugins zählt. Cleane bis leicht angezerrte Akkorde und Single Note Lines - man denke etwa an das Americana-Genre -  klingen mit diesem Plugin großartig, wer jedoch den perfekten texanischen Blues Rock Sound inkl. prägnantem Mid Frequency-Push sucht, findet mit diesem Plugin eher nicht das perfekte Match.

XILS-LAB THE EIGHTY Test: Vangelis, Toto und der Klang des digitalen Olymps

Credit Bild: © XilsLab

Vangelis, Blade Runner, Chariots of Fire, Toto, Africa – das sind die Assoziationen, die einem sofort in den Sinn kommen, wenn man an Yamahas einstiges Synth-Flaggschiff, den legendären CS-80, denkt. Das Original beschritt seinerzeit völlig neue Wege. Für Vangelis war es schlicht der beste Synthesizer, der jemals gebaut wurde; er wurde Teil seines Signature-Sounds und lieferte dem Klangmagier sein eigenes, digitales Orchester. Steve Porcaro von Toto – die weltberühmten, so charakteristischen Brass-Sounds auf dem Welthit „Africa“ stammen beispielsweise von einem CS-80 – liebt diesen Synthesizer bis heute und verlieh ihm das Prädikat, besonders „musikalisch“ zu sein.

Und tatsächlich: Dem CS-80 wohnt ein Geist inne, den kaum ein anderes Instrument jemals wieder einfangen konnte. Der französische Plugin-Hersteller Xils-Lab hat nun seine eigene, digitale Emulation vorgelegt, die mit allen Eigenheiten, kleinen „Quirks“ und einem verblüffend analogen Klangbild aufwartet. Unter dem selbstbewussten Namen The Eighty offeriert dieser Synthesizer authentische CS-80-Sounds und zelebriert den Sound der späten Siebzigerjahre (1977 erblickte der Bolide das Licht der Welt) sowie der frühen Achtziger in einer Präzision, die den Puristen aufatmen lässt.

Der CS-80: Ein Monolith zwischen Pop und Filmmusik

Auch wenn der CS-80 auf diversen großen Pop-Produktionen zu hören ist, ein klassischer, leicht zu bändigender Pop-Synth ist er eigentlich nicht. Ihm wohnt immer etwas Cinematic inne. Sein Klang ist breit, organisch und wirkt fast schon lebendig – er „atmet“ in einer Weise, die moderne, klinisch reine VST-Instrumente oft vermissen lassen. XILS-lab hat eine Emulation geschaffen, bei der man in jeder Sekunde merkt, dass hier regelrechte Synthesizer-Maniacs am Werk waren, die das Original nicht nur als Datenblatt, sondern als Instrument verstanden haben.

Die Software-Version liefert eine schwindelerregende Anzahl an Reglern und ist mit so viel Liebe zum Detail erstellt worden, dass man sich beim ersten Laden der GUI fast schon in den Gorbals Sound Studios oder bei Vangelis im Heimstudio wähnt. Alles wirkt haptisch, alles wirkt nach einer Epoche, in der Synthesizer noch physikalische Monster waren, die man zähmen musste. Während andere Emulationen oft nur an der Oberfläche kratzen, hat XILS-lab die komplexe Architektur der zwei parallelen Synthesizer-Stimmen akribisch abgebildet. Man hört förmlich das Rauschen der virtuellen Komponenten, die feinen Instabilitäten der Oszillatoren, die dem Sound diese organische „Brüchigkeit“ verleihen, die man heute so schmerzlich vermisst. Es ist eben nicht nur ein statischer Sound, sondern ein lebendiges System, das auf jeden Druck auf das Modulationsrad und – sofern ein entsprechender Controller vorhanden ist – auf den polyphonen Aftertouch reagiert.

Die Architektur des Eigenwilligen: Handling und Spielweise

Das Original war ein eigenwilliger, äußerst komplexer Synthesizer, dessen spezifische Schiebeschalter und die archaisch anmutende Bedienoberfläche einiges an Übung erforderten, um wirklich komplexe Sounds zu kreieren. Der Softsynth von XILS-lab ist nun eine 1:1-Kopie – sowohl vom Design als auch vom spezifischen Handling. Wer hier schnelle „Preset-Hopping“-Erfolge sucht, wird zunächst vielleicht an seine Grenzen stoßen, denn dieses Plugin möchte erlernt werden.

Doch genau das ist seine Stärke: Er erzwingt eine Beschäftigung mit der Materie. Wer die Funktionsweise der zwei parallelen Synthesizer-Stimmen, der Ringmodulation und der berühmten, polyphonen Aftertouch-Steuerung verstanden hat, wird mit Texturen belohnt, die an organischer Tiefe kaum zu überbieten sind. Die Schiebeschalter und Regler reagieren dabei so direkt, wie man es von einem modernen Plugin kaum erwartet – die Programmierung eines Sounds fühlt sich hier fast schon wie eine haptische Erfahrung an.

Was The Eighty von anderen Emulationen abhebt, ist die Art und Weise, wie die verschiedenen Ebenen des Sounds ineinandergreifen. Man kann hier nicht einfach „Presets durchklicken“ – man muss verstehen, wie der CS-80 funktioniert, um seine volle Magie freizusetzen. Es ist ein Instrument für Entdecker. Die subtile Modulation, die man über die unzähligen Schieberegler im „Performance“-Bereich erreicht, ermöglicht es, den Klangcharakter während des Spielens völlig zu transformieren – von einem sanften, fast flüsternden Pad bis hin zu einem brachialen, röhrenden Brass-Sound, der durch Mark und Bein geht. Die Lernkurve ist steil, das ist unbestritten, aber der Lohn für diese Mühe ist eine klangliche Souveränität, die man sonst nur bei analogen Veteranen findet. Man lernt hier nicht nur ein Plugin kennen, man lernt die Philosophie der klassischen Synthese.

Modernisierung in homöopathischen Dosen

Um den Ur-Synth für den modernen Workflow zu rüsten, wurde er mit einigen wenigen, aber sehr durchdachten Änderungen erweitert. Es gibt eine Handvoll Effekte wie Reverb oder Phaser; diese verfälschen den Grundsound jedoch zu keinem Zeitpunkt. Sie sind optional und zudem eher dezent abgestimmt. Für manche User mag das mitunter fast zu dezent sein – wer dramatischere oder extremere FX wünscht, muss sich zwangsläufig anderer Plugins als Ergänzung bedienen.

GFORCE SEQUENTIAL PROPHET-5 Test: Prophetische Klangoffenbarungen

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Im Land der Synthesizer gibt es Instrumente – und es gibt Legenden. Der Sequential Prophet-5 gehört zweifellos zur zweiten Kategorie. Dave Smiths Meisterwerk aus dem Jahr 1978, ein polyphoner Synthesizer mit extrem charakteristischem Sound, hat die Geschichte elektronischer Musik nachhaltig geprägt. Er war nicht nur einer der ersten programmierbaren Poly-Synthesizer überhaupt, sondern revolutionierte den gesamten Markt durch eine Idee, die heute selbstverständlich erscheint: Presets. Während Musiker zuvor Regler fotografierten oder sich Kabelwege notierten, um Sounds später reproduzieren zu können, genügte beim Prophet plötzlich ein Tastendruck. Was heute banal klingt, war damals nichts weniger als eine Zeitenwende. Der Rest ist Geschichte. Michael Jackson, Madonna, Peter Gabriel, Dr. Dre oder John Carpenter – sie alle setzten diesen Synth ein und machten den Prophet zu einem Teil ihrer musikalischen DNA. Der Prophet-Sound wurde zum Sound ganzer Jahrzehnte. Und nun ist dieser Synth als Plugin von der britischen Edel-Schmiede GForce Software erschienen.

Eine Premiere

Nun ist dies beileibe nicht die erste digitale Version eines Prophet-5, einige  andere  Hersteller haben sich bereits an diesem Monument versucht. Dennoch besitzt die Veröffentlichung von GForce Software einen besonderen Stellenwert. Denn erstmals überhaupt entstand eine offizielle Software-Emulation in direkter Zusammenarbeit mit Sequential. Und das macht einen Unterschied. GForce hat sich bereits mit seinen hervorragenden Oberheim-Emulationen für Furore gesorgt. Nun widmeten sie sich einem weiteren Platzhirsch mit absolutem Legendenstatus – und zwar nicht als bloße Interpretation, sondern eben mit dem offiziellen Segen der Marke selbst.

Ich persönlich hatte bislang stets ein ambivalentes Verhältnis zu Prophet-Emulationen. Obwohl der Prophet-5 zweifellos zu den ikonischsten Synthesizern überhaupt zählt und ich seinen Sound prinzipiell liebe, konnten mich viele digitale Interpretationen nie vollständig überzeugen. Sein Klang ist schlicht zu speziell, zu eigen, zu sehr mit einer bestimmten Vorstellung von „analoger Gravitation“ verbunden. Er besitzt eine Schwere, die man sofort erkennt. Er klingt mächtig, bassbetont, fast schon holzig. Der Prophet besitzt etwas Erdiges, Dunkleres, weniger Poliertes. „Wood Lo-Fi“ wäre die treffendste Beschreibung für diesen Signature-Sound. Er klingt nie geschniegelt oder klinisch perfekt. Vielmehr vermittelt er das Gefühl eines Instruments, dessen Schaltkreise tatsächlich arbeiten, atmen. Genau diese Qualität in die digitale Welt zu transportieren, gehört zu den schwierigsten Aufgaben überhaupt.

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Authentisch Vintage und mehr

Schon nach wenigen Minuten mit diesem Plugin – bzw. seinem init-Preset, fällt auf, wie sorgfältig GForce gearbeitet hat. Die Entwickler reproduzieren nicht einfach irgendeinen Prophet-5, sondern gleich mehrere historische Evolutionsstufen. Rev1 und Rev2 mit ihren legendären SSM-Filtern besitzen diese cremige, beinahe schmelzende Wärme, die Pads und Brass-Sounds eine unverwechselbare organische Tiefe verleiht. Die spätere Rev3-Version mit Curtis-Chips liefert dagegen mehr Punch, etwas mehr Definition und einen leicht strafferen Grundcharakter.

THE CROW HILL COMPANY CRYSTAL & BRACKISH PADS Test: Zwischen gläserner Reinheit und schmutziger Patina

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Pads – also jene lang anhaltenden, zumeist sanft schwebenden Flächensounds – sind ein absoluter Standard, ein unverzichtbarer musikalischer „Staple“ im Synth-Bereich. In ihrer Reinform dienen sie primär dazu, einen dichten musikalischen Hintergrund zu weben, eine emotionale Atmosphäre zu etablieren oder harmonische Flächen zu erzeugen, die den restlichen Instrumenten ein solides Bett bieten. Sie zeichnen sich in der Regel durch extrem langsame Ein- und Ausblendzeiten (Attack und Release), enorm breite, raumfüllende Klangspektren und oftmals subtil modulierte Klangverläufe aus. Dementsprechend exzessiv werden Pads in der zeitgenössischen elektronischen Musik, im Ambient, im Pop und ganz besonders in der modernen Filmmusik eingesetzt, um klangliche Tiefe, psychologische Stimmungen und eine greifbare räumliche Wirkung zu erschaffen.

Die Kehrseite: Ein richtiges gutes Pad zu kreieren ist leichter gesagt als getan, denn im besten Fall soll es schließlich nicht völlig statisch oder digital leblos klingen. The Crow Hill Company legt mit den diametral unterschieldich gelagerten Plugins  „Crystal Pads“ und dem brandneuen „Brackish Pads“ gleich zwei atmosphärische Werkzeuge, die klangliche Kontraste bedienen, aber in ihrer grundsätzlichen DNA vereint sind: Sounddesign darf niemals starr sein, es muss organisch klingen.

Crystal Pads: Gläserne Klang-Architektur

Als kleiens Sequel zum von John Crapenetr inspirierten „Crystal Pianos“-Release – bei dem gewöhnliche Haushaltsgläser mittels einer bahnbrechenden Methode (dem sogenannten „Shepperd Mapping“) zu voll spielbaren, chromatischen Instrumenten transformiert wurden – folgt nun der nächste logische Schritt in dieser klanglichen Evolution. Crystal Pads ist ein virtuelles Instrument, das die kompromisslose organische Macht der Sample-Synthese nutzt, um aus profanen Glasobjekten lebendige, tief atmende Klangwelten zu formen.

Was dieses Instrument radikal von generischen, digitalen Synthesizer-Flächen unterscheidet, ist die schiere harmonische Komplexität seiner unkonventionellen Quelle. Aufgenommen in den renommierten Gorbals Sound Recording Studios im schottischen Glasgow (unter der Verwendung eines äußerst edlen Neumann-Mikrofon-Setups, bestehend aus U 87, KM 84 und KM 184), fängt das Plugin die spezifische, fast schon physische Resonanz von 18 verschiedenen Glasobjekten ein. Das Resultat ist eine erstaunliche akustische Lebendigkeit. Diese organischen Texturen verbinden sich im finalen Mix natürlich, nd unaufdringlicher mit echten Orchesterinstrumenten oder akustischen Gitarren.

Unter der spartanischen, aber optisch schön gestalteten Haube stellt das Plugin dem User insgesamt 48 sorgfältig kuratierte Pads zur Verfügung (aufgeteilt in 16 Basis-Sets). Die eigentliche Magie liegt jedoch in der dreigliedrigen Architektur. Jedes Preset besteht aus drei völlig unabhängig voneinander kontrollierbaren und stimmbaren Layern (von Crow Hill „Partials“ getauft):

Fundamental: Die klangliche Basis. Hier liegen die satten, unerschütterlich stabilen Grundtöne, die das musikalische Fundament gießen.

Harmonic: Diese Ebene addiert komplexe Obertöne und einen klanglichen Reichtum, der dem Sound seine eigentliche Tiefe und cineastische Textur verleiht.

Genies: Die personifizierte Unberechenbarkeit. Hier verbergen sich gläserne, unerwartete Überraschungen und Artefakte. Diese Layer tauchen eher episodisch auf, durchbrechen lange, monotone Loops mit unvorhersehbaren Momenten und hauchen dem Sound eine lebendige Unberechenbarkeit ein, ohne dass das Plugin den kompositorischen Fluss diktiert.

Natürlich: Trotz dieser Tweaking-Möglichkeiten ist dieses Pads-Plugin eines, das – wie schon das Crystal Piano – extrem subtil ist, manchen wohl sogar zu subtil. Extreme Variationen, wie man sie von den Pads moderner Synths oder komplexen Vintage-Synthesizern kennt, bekommt man hier nicht. Auch ist der Anwendungsbereich ex consequenti eher beschränkt. Wer jedoch auf „Glassiness“ steht und eine LoFi-artige Ambient-Ästhetik in die eigenen Recordings bringen möchte, wird mit diesem günstigen Plugin durchaus glücklich werden – und vielleicht springt dabei sogar der eine oder andere Funke kristallklarer Inspiration über.

Brackish Pads: Die charmante Unvollkommenheit als narratives Werkzeug

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Als massiven, düsteren Gegenentwurf zur kristallinen, fast schon engelsgleichen Reinheit schiebt Crow Hill nun Brackish Pads hinterher. Wenn der Vorgänger das Licht bricht, suhlt sich dieser Neuzugang förmlich in der akustischen Dunkelheit und klanglichen Patina. Ebenfalls entwickelt von Crow Hill-Mitbegründer Media-Composer Christian Henson, repräsentiert diese Library die rohen, ungeschönten Werkzeuge seines eigenen Studioalltags. Hensons Kerngedanke ist so simpel wie bestechend: Filmmusik soll in erster Linie Geschichten erzählen und narrative Bögen stützen – und menschliche Erzählstrukturen, Gedanken und Sprachmuster sind in der Realität niemals aalglatt oder makellos. Sie stottern, sie zögern, sie sind voller Brüche und Unschärfen.

UJAM VIRTUAL PIANIST SCORE Test: Spiel´s noch einmal, Sam

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In der genialen Title-Credit-Sequenz der HBO-Dystopie „Westworld“ gibt es diesen einen, zutiefst poetischen Moment: Eine skelettierte, roboterhafte Hand gleitet über die Tasten eines mechanischen Pianos. Völlig autark, ungerührt und mit einer beängstigenden, fehlerlosen Perfektion erzeugt diese Maschine eine zutiefst melancholische Melodie im leeren Raum. Es ist das faszinierende wie unheimliche Sinnbild eines künstlichen Wesens, das absolut makellos performt – quasi ein Androiden-Pianola in einer technisierten Zukunft.

Jenem Ideal eines perfektionistischen, in sich geschlossenen Automaten kommt die deutsche Softwareschmiede UJAM mit ihrem neuesten Wurf verblüffend nahe. Denn neben einem – so weit, so unspektakulär – herkömmlichen, samplebasierten Piano-Instrument liefert das Plugin vor allem die Möglichkeit, einen virtuellen Pianisten direkt über das eigene MIDI-Keyboard zu dirigieren. Ein einziger Tastendruck genügt, und der unsichtbare Co-Pilot wirft komplexe, hochgradig musikalische Begleitungen und Phrasen aus – natürlich vollautomatisch synchronisiert mit dem aktuellen DAW-Tempo und absolut tonsicher in der vorgegebenen Tonart.

Doch machen wir uns nichts vor: Beim Virtual Pianist SCORE haben wir es keineswegs mit einem starren, mechanisch ratternden Player Piano vergangener Tage zu tun. Vielmehr entpuppt sich dieses Plugin als ein hochintelligentes, hochgradig adaptives musikalisches Werkzeug, das dem zeitgenössischen Filmkomponisten und Sounddesigner in der DAW als kongenialer, virtueller Session-Musiker zur Seite steht. Über großzügige Tweaking-Optionen lässt sich dieses spielerische Fundament anschließend im Handumdrehen klanglich und dynamisch anpassen, sodass zu keinem Zeitpunkt der Eindruck eines starren, lieblosen Loops entsteht.

Die Tasten der Melancholie: Das Fundament moderner Filmmusik

Die konzeptionelle Ausrichtung dieses Instruments ist dabei absolut programmatisch, denn im klassischen wie im modernen Hollywood-Filmscoring spielt das Klavier seit jeher eine überaus bedeutende, ja oftmals die alles entscheidende narrative Rolle. Wenn man die großen, emotionalen Meilensteine der Filmmusik analysiert, ist es auffällig, wie oft der Flügel den verletzlichen Kern einer Szene trägt. Seien es die zarten, oscarprämierten Motive eines Thomas Newman in „American Beauty“ und „Road to Perdition“, das tieftraurige, von John Williams komponierte Thema in „Schindlers Liste“, Hans Zimmers minimalistische, aber unendlich weite Akkorde in „Inception“ (etwa im legendären Track „Time“) – ein Flügel ist oft das perfekte Werkzeug, um menschliche Abgründe, Verletzlichkeit oder stille Hoffnungen auf die Tonspur zu bannen, man denke nur an das in Casablanca unsterblich gewordene "As Time Goes By" .

Genau für diese dramaturgische Spielwiese wurde dieses Plugin entwickelt. Es löst exakt das ein, was die Ad-Copy prägnant verspricht: Virtual Pianist SCORE ist ohne Zweifel ein „Grand Piano for Cinematic Sounds“.

Heartbroken in Hollywood

Klanglich präsentiert sich dieses virtuelle Instrument mit einer schier unglaublichen emotionalen Tiefe. Es ist ein Instrument, das so ungemein intim, organisch und verletzlich klingt, als würde Ryan Goslings heartbroken Charakter Sebastian aus Damien Chazelles Meisterwerk „La La Land“ nachts allein im schummrigen Licht eines geschlossenen Jazz-Clubs sitzen und seine ganze Schwermut in die Tasten gießen. Man hört beim Spielen förmlich das Holz, die Resonanz des massiven Korpus und die feinen mechanischen Nuancen der Hämmerchen, die dem Sound eine fast schon greifbare, haptische Qualität verleihen. Der Algorithmus, der das dynamische Spielverlangen interpretiert, liefert hier keinen sterilen MIDI-Output, sondern eine Performance, die atmet.

BABYAUDIO GRAINFERNO Test: Die Kunst der granularen Zerstörung

Credit Bild: © Baby Audio

Die Geschichte der elektronischen Klangerzeugung ist geprägt von stetigen Paradigmenwechseln. Während die klassisch-analogen Emulationen den Markt lange Zeit geradezu dominierten, rücken zunehmend eine andere, weitaus experimentellere Form der Soundarchitektur ins Zentrum moderner Produktionen. Der neue Grainferno Synth aus dem Hause Baby Audio widmet sich genau diesem gegenwärtig extrem trendenden Thema der granularen Synthese – und liefert dabei schlichtweg eines der interessantesten und potentesten virtuellen Instrumente der letzten Zeit. Als dezidiertes Granular Synth Plugin konzipiert, schlägt Baby Audio hier eine Brücke zwischen akademischer Klangforschung und hochgradig musikalischem Sounddesign.

Against The Grain

Um die Faszination dieses Instruments zu verstehen, muss man sich kurz vor Augen führen, was unter der Haube eigentlich passiert: Das Prinzip der granularen Synthese beschreibt eine Form der Klangerzeugung, bei der Sounds nicht als durchgehende, lineare Tonspur verstanden, sondern in winzige Fragmente zerlegt werden. Diese sogenannten „Grains“ oder Klangkörner sind oftmals nur wenige Millisekunden lang. Aus abertausenden solcher isolierter Mikro-Partikel wird anschließend ein völlig neuer Klang zusammengesetzt. Im krassen Gegensatz zur klassischen subtraktiven Synthese, bei der man meist mit statischen Wellenformen, Filtern oder herkömmlichen Oszillatoren arbeitet, funktioniert granulare Synthese beinahe wie akustische Molekularphysik. Einzelne Klangsplitter werden bis zur Unkenntlichkeit gedehnt, massiv geschichtet, rückwärts abgespielt, im Stereobild neu angeordnet oder in ihrer Abspielgeschwindigkeit radikal verändert. Dadurch entstehen schwebende Flächen, zerfallende Texturen oder völlig fremdartige Soundgebilde, die paradoxerweise oft gleichzeitig tief organisch und extrem künstlich wirken.

Stark vereinfacht ausgedrückt: Mit Granularsynthese vermag man vollkommen einzigartige Synth-Sounds zu erstellen. Selbst die banalsten Alltagsgeräusche – sei es das Fallen eines Löffels auf einen harten Boden oder ein simples Räuspern – können, wenn man sie sauber aufnimmt und in einen leistungsfähigen Granular-Synthesizer einspeist, zu einem via Keyboard spielbaren, epischen Instrument verwandelt werden. Allein dieser Gedanke macht schon greifbar, welch immenses Potenzial und welche mannigfaltigen Möglichkeiten für bis dato ungehörte Klänge und effektive Klangmanipulation in diesen Designs stecken.

Infernalisch

Apropos Manipulation: Der GrainFerno wirft nicht nur selbst unscheinbare Soundschnipsel in ein regelrechtes klangliches Inferno, um sie als progressive Soundstrukturen wieder auszuspucken, er glänzt auch durch die kreative Anreicherung mit exzellenten Effekten. Es ist faszinierend zu beobachten, wie durch diese Bearbeitungsketten selbst banale Geräusche plötzlich episch oder surreal anmuten. Ein kurzer Klavieranschlag mutiert zu einer endlos wabernden Ambient-Wolke, eine menschliche Stimme zerfällt in digitale Geisterpartikel, und aus einem simplen Drum-Sample bricht ein rhythmisches Klanggewitter heran. Gerade elektronische Musiker und Sounddesigner nutzen granulare Synthese deshalb so exzessiv, um komplexe Atmosphären zu erschaffen, die mit traditionellen Instrumenten schlicht nicht realisierbar wären. Es ist gewissermaßen musikalischer Kubismus – eine Audio-Collage auf atomarer Ebene.

Besonders in Genres wie Ambient, EDM, experimenteller Elektronik oder auch in modernen Filmscores hat sich diese Technik längst als unverzichtbares Stilmittel etabliert. Künstler wie Aphex Twin, Tim Hecker oder zahlreiche zeitgenössische Filmkomponisten arbeiten bevorzugt mit solchen Verfahren, weil sie Klänge nicht bloß auf Tasten abspielen, sondern sie wie akustischen Ton regelrecht formen und verformen wollen. Statt Klang linear zu reproduzieren, wird er zersplittert und in eine neue DNA überführt.

Genau an diesem Punkt entfaltet GrainFerno seine eigentliche Magie. Das Resultat sind Texturen, die sich permanent verändern und atmen. Nichts bleibt statisch, nichts wirkt jemals vollständig greifbar. Akkord-Pads zerfallen hörbar in ihre Partikel, dichte Atmosphären beginnen bedrohlich zu flirren, und Obertöne verschieben sich subtil gegeneinander. Musikalische Spannung entsteht hier nicht platt durch ansteigende Lautstärke oder instrumentale Dichte, sondern durch Instabilität – durch das ständige, unterschwellige Gefühl, dass sich der Klang in der nächsten Millisekunde komplett transformieren könnte.

MARILYN MONROE 100 – Ein prachtvoller Bildband zum 100. Geburtstag einer unsterblichen Legende

Credit Coverbild: © Prestel Verlag

Norma Jeane Baker, die die Welt später als Marilyn Monroe kennenlernen sollte, steht bis heute wie kaum eine andere Persönlichkeit für Glanz und Elend der Traumfabrik Hollywood. Sie war Sexsymbol und Schauspielerin, Projektionsfläche und Intellektuelle, verletzlicher Mensch und sorgfältig erschaffene Kunstfigur zugleich. Nur wenige Stars haben die Popkultur des 20. Jahrhunderts so nachhaltig geprägt wie sie - trotz oder auch wegen ihres frühen Todes mit nur 36 Jahren, der ihren Mythos bis heute am Leben hält: Monroe wurde nicht alt, sie wurde unsterblich.

2026 wäre sie 100 geworden. Anlässlich dieses Jubiläums erscheint mit "Marilyn Monroe 100" ein hochwertiger Bildband, der sich nicht nur als Hommage an eine Hollywood-Legende versteht, sondern zugleich als sorgfältig kuratierte Zeitreise durch Leben, Karriere und öffentliche Wahrnehmung einer Frau, die weit mehr war als die berühmteste Blondine der Filmgeschichte.

Bereits die äußere Gestaltung macht deutlich, dass man es hier nicht mit einer gewöhnlichen Bild-Biografie zu tun hat. Diese "Centennial Edition" präsentiert sich in einer ausgesprochen edlen Aufmachung, deren hochwertige Verarbeitung dem Status ihres Sujets gerecht wird. Der schwere Band ist ein bibliophiles Sammlerstück für Liebhaber klassischer Hollywood-Fotografie.  Besonders beeindruckend ist die Qualität der Reproduktionen. Die Bilder erscheinen in beeindruckender Brillanz und Detailtiefe. Die wahre Stärke des Bandes liegt jedoch in seiner fotografischen Auswahl. Marilyn vor den Kameras der größten Fotografen ihrer Zeit. Vertreten sind zahlreiche der bedeutendsten Bildkünstler des 20. Jahrhunderts, darunter Eve Arnold, Richard Avedon, Henri Cartier-Bresson oder Sam Shaw – jenes legendäre Foto eingeschlossen, das Marilyn Monroe im weißen Kleid über dem U-Bahn-Schacht während der Dreharbeiten zu „The Seven Year Itch“ zeigt und längst zur Ikone der Popgeschichte geworden ist.

Dabei beschränkt sich der Band erfreulicherweise nicht ausschließlich auf die bekannten Motive. Auffallend viele Aufnahmen dürften selbst langjährigen Monroe-Fans bislang kaum begegnet sein oder wurden nur äußerst selten publiziert. Gerade diese Mischung aus ikonischen Bildern und weniger bekannten Fotografien verleiht dem Buch seinen besonderen Reiz.

Vielleicht liegt die größte Qualität dieses Buchs darin, dass es Marilyn Monroe nicht ausschließlich als Verkörperung des amerikanischen Nachkriegs-Glamours präsentiert. Autorin und Kulturkritikerin Rachel Syme widmet sich in ihrem einfühlsamen Vorwort genau diesen Widersprüchen: Marilyn war eine Frau, die zwar als „Blonde Bombshell“ weltberühmt wurde, gleichzeitig jedoch leidenschaftlich Dostojewski las, Bücher sammelte, sich intensiv für Literatur interessierte und weit gebildeter war, als ihr öffentliches Image vermuten ließ. Monroe erscheint als jemand, der sich selbst immer wieder neu erfand – aus Norma Jeane Baker wurde Marilyn Monroe, aus dem schüchternen Waisenmädchen die wohl berühmteste Filmikone ihrer Generation. Gerade diese Ambivalenz zwischen Kunstfigur und Privatperson zieht sich wie ein roter Faden durch den gesamten Band.

Credit Bild:  © Melanie Martinez Florea Trustee for John Florea Estate

Credit Bild: © Elliott Erwitt LLC

Credit Bild: © Photo by Sam Shaw, © Shaw Family Archives Ltd

Natürlich spart das Buch die dunkleren Kapitel ihres Lebens nicht völlig aus, die späten Jahre, persönliche Krisen und ihre bis heute diskutierten gesundheitlichen wie emotionalen Probleme werden durchaus thematisiert. Dennoch fällt auf, dass diese Aspekte
vergleichsweise zurückhaltend behandelt werden. Dies hängt wohl auch damit zusammen, dass dieses Buch in enger Zusammenarbeit mit dem Marilyn Monroe Estate entstanden ist. Der Fokus liegt also weniger auf Sensationslust oder spekulativen Deutungen als vielmehr auf dem Lebenswerk und dem kulturellen Vermächtnis der Schauspielerin. Für Leser, die eine investigative Biografie erwarten, mag dies eine kleine Einschränkung darstellen.

MERCURIALL SUN-100 Test: Die digitale Wiedergeburt der Soldano-Legende

Credit Bild: © Mercuriall

1987 war zweifelsohne ein gutes Jahr. Die weltweite Hard-Rock- und Heavy-Metal-Welle steuerte unaufhaltsam auf ihren absoluten, stadionfüllenden Höhepunkt zu – es war eine Ära, in der Gitarrensoli noch Popkultur-Relevanz besaßen. Weltpolitisch kam es zu tektonischen Verschiebungen des Wandels. Im Februar signalisierte der sowjetische Führer Michail Gorbatschow seine Bereitschaft, ein weitreichendes Abkommen zur Verringerung nuklearer Mittelstreckenraketen mit den USA zu schließen – ein entscheidender Schritt im Kalten Krieg in Richtung einer spürbaren Entspannung. Ökologisch wurden eines der erfolgreichsten internationalen Umweltabkommen überhaupt und initiierte die langsame, aber stetige Erholung der Ozonschicht. Ein Jahr des Aufbruchs also. Und ganz nebenbei bemerkt: Auch der Autor dieser Zeilen erblickte in ebenjenem Jahr das Licht der Welt. Auch in Scahen Amps att sich einiges:Der Amp-Designer Mike Soldano brachte einen High-Gain-Verstärker auf den Markt, wie man ihn in dieser kompromisslosen Form bis dato schlichtweg nicht kannte: den Soldano Super Lead Overdrive 100, kurz SLO-100, ein Paradigmenwechsel in Röhrenform

High Gain-Pionier

Zwar gab es damals schon von findigen Tüftlern und Technikern heißgemachte, "hot-rodded" Marshalls, und auch der Mesa Boogie Mark II ermöglichte bereits extrem verzerrte Sounds,. Doch Soldanos progressives Design war dennoch ein immenser, klanglich tiefgreifender Schritt nach vorne. Was diesen Amp von der Masse der aufgemotzten Röhrenboliden absetzte, war sein. Die Verzerrung war extrem dicht, organisch und gesättigt, aber niemals matschig; sie besaß eine Durchsetzungskraft im Mix, die bei den stark produzierten Alben der späten Achtziger unerlässlich war. Hinzu kam das ungemein süß singende Sustain.

Zudem sorgte die ausgeklügelte Architektur mit einem äußerst flexiblen Clean-, Crunch- und Lead-Kanal dafür, dass sich dieser Verstärker keineswegs nur auf ein einziges Genre festlegen ließ. Es ist ein faszinierendes Phänomen der Musikgeschichte, dass völlig konträre Player – von Eric Clapton über Mark Knopfler, Gary Moore und Warren DeMartini bis hin zu Eddie Van Halen –einen Soldano auf der Bühne oder im Studio spielten. Bis heute gilt der SLO-100 als unumstößliche Referen-Amp in Scahen High Class-Sound. Ein Archetyp, der gefühlt in den letzten Jahren wieder  zunehmend an Popularität gewonnen hat, da sein charakteristischer "Growl" in modernen Produktionen wieder verstärkt als wärmerer Gegenpol zu sterilenSounds gefragt ist.

Der Mercuriall Sun 100

Mit dem Sun 100 legt nun auch die russische Plugin-Schmiede Mercuriall eine digitale Version dieses ikonischen Amps vor. Man muss dazu festhalten: Eine Emulation des SLO-100 findet sich mittlerweile im Programm von fast allen namhaften Plugin-Herstellern. Die Konkurrenz ist dementsprechend enorm und der Markt an Amp-Sims eigentlich übersättigt. Lässt der Sun 100 also tatsächlich aus die Sonne aufgehen – oder handelt es sich nur um ein weiteres Derivat? Finden wir es heraus.

Der Mercuriall Sun 100 basiert in seinem komplexen Modeling-Code auf einer ganz spezifischen Hardware-Revision ein: einer 2015er Version des Soldano SLO-100. Diese bewusste Wahl ist klanglich von entscheidender Bedeutung. Im direkten Vergleich zu anderen Soldano-Amp-Sims auf dem Markt klingt diese Iteration hörbar roher, wilder und ungezähmter.

Hier ein Einblick in den komplexen Modeling-Prozess:

Credit Bild: © Mercuriall

Credit Bild: © Mercuriall

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Authentizität in Bits und Bytes: Sound und Workflow

Wie man das von den Software-Architekten bei Mercuriall bereits gewohnt ist, ist auch diese Digitalisierung absolut minutiös und detailversessen ausgeführt. Der Sun 100 vereint unter seiner Benutzeroberfläche alles, was man vom echten Hardware-Vorbild liebt und erwartet. Die unbestechliche Präzision und Artikulation, mit der das Plugin auf die Spieldynamik reagiert, ist regelrecht greifbar. Die perkussiven 80s-Cleans perlen förmlich aus den virtuellen Speakern, doch die eigentliche Magie passiert in den Overdrive-Stufen.

EPIC: Elvis Presley in Concert – Baz Luhrmanns fiebriger Blick auf den King

Credit Bild: © Plaion Pictures /Sony 

Das Publikum im Halbdunkel des International Hotel in Las Vegas wartet angespannt. Neben dem geschäftigen Treiben des Dining-Betriebs harren sie der Ankunft eines Halbgotts aus Memphis, Tennessee, der die frohe Kunde vom Rock ‚n‘ Roll verkünden soll. Neben dem Publikum ist auch Lucien Ballard, der Kameramann an der Seite Sam Peckinpahs, vor Ort und wird mit seinem Kamera-Team ein Konzert-Spektakel sondergleichen einfangen. Richard Strauss‘ „Also sprach Zarathustra“ erklingt – Trommeln, die einst als die Menschheitsdämmerung in Stanley Kubricks „2001“ untermalen – kündigen an, dass hier ein Entertainer die Bühne betreten wird, wie es ihn zuvor nicht gegeben hat.

Mich persönlich – als jemanden, der Elvis naturgemäß nie live in Concert erleben konnte – faszinierte immer, wie sehr die Begeisterung und der schiere Drive, den Presley auf den Bühnen zu entfachen vermochte, sich auch im heimischen Wohnzimmer bemerkbar machte. „Mitreißend“ war hier nur ein Hilfsdruck. Ein episches Erlebnis, das nun im wortspielerischen betitelten Film „EPIC – Elvis Presley In Concert“ von Baz Luhrmann neu beleuchtet wird.

Dem australischen Regisseur geht es so wie unzähligen Elvis-Aficionados weltweit: Dieser Mann aus Tupelo lässt ihn einfach nicht los. Diese Faszination merkt eman schon in seinem die Konventionen eines Biopics sprengenden Elvis-Film mit Austin Butler aus dem Jahr 2022 – und sie ist auch in EPIC spürbar.  Im Zuge der Recherchen stieß er in den Archiven von Warner Bros. auf einen regelrechten Schatz: 68 Kisten voller 35-mm- und 8-mm-Filmmaterial, darunter umfangreiche Outtakes aus den Konzertklassikern „Elvis: That's The Way It Is“ (1970) und „Elvis on Tour“ (1972), ergänzt um bis dahin unveröffentlichte Tonaufnahmen und Interviews. Das Rohmaterial musste in akribischer Kleinarbeit restauriert und mit den entsprechenden Tonspuren synchronisiert werden – ein Prozess, der sich über Jahre hinzog. Gemeinsam mit Editor Jonathan Redmond formte Luhrmann daraus keinen klassischen Dokumentarfilm, sondern einen eleganten, rhythmisch nahezu perfekt montierten Konzertfilm. Dieser wird von Elvis selbst erzählt– aus den Interview-Mitschnitten wurde ein posthumes Voice-Over geschnitten, das den Zuschauer unmittelbar in dessen Gedankenwelt eintauchen lässt.

Credit Bild: © Plaion Pictures /Sony 

Luhrmann als Regisseur wird hier zum Arrangeur von Archivmaterial, das in einen Fiebertraum in Cinemascope-Dimensionen gegossen wird. EPIC ist kein Werk für Einsteiger – Luhrmann, dieser cineastische Maximalist lässt das Material sprechen.Wer kein popkulturelles Vorwissen mitbringt und mit der Biographie des King nicht vertraut ist, wird mit diesem Werk ebenso wenig anzufangen wissen wie mit dem 2022er Biopic. Diese Doku widersetzt sich gängigen Konventionen, spielt mit collage-artigen Strukturen – und Luhrmanns Stil findet auch im Konzertfilm-Genre ein ideales Ausdrucksmedium. So wie Luhrmann  das Filmmaterial directed, hängt die Kamera förmlich an jeder Schweißperle – fast so, wie einst die Fans, die sich nach einem Schweißtuch des Kings verzehrten.

Die Doku liefert keine bahnbrechend neuen Informationen – wer mit der Biographie des King vertraut ist, wird wenig Unbekanntes finden – doch zeigt sie erneut warum Elvis eine singuläre Erscheinung war und als Performer bis heute unerreicht bleibt: der schiere Magnetismus, die opernhafte Stimme, die sich wie ein amerikanischer Adler über die dichtesten Band- und Orchesterarrangements erhebt.

SABOL HILL LACUNA Test: Analog Vibe in der Box

Credit Bild: © Sabol Hill

 Gitarren, die im Mix so unfassbar fett und breit drücken, wie man es von den millionenfach verkauften Alben von Nickelback kennt. Die subtile, organische Wärme einer Vintage-Bandmaschine. Das völlig unvorhersehbare, jedoch umso charakterstärkere Verhalten alter analoger Studiokonsolen, die jedem Audiosignal diesen ganz speziellen, schwer greifbaren Voodoo einhauchen.

All diese klanglichen Ideale sind der absolute Heilige Gral moderner Musikproduktion. Und genau diese Magie verspricht die Entwicklerschmiede Sabol Hill nun in ihrem ersten Plugin zu bündeln: nämlich in Lacuna das klangliche Komplexität  mit  einfacher  Bedienung verbinden soll. – ein Widerspruch? Zweifellos. Aber eben nur vordergründig. Denn genau diese scheinbare Paradoxie ist die DNA von Sabol Hills kreativem Studio-Plugin.

Zwei Jahre Entwicklung: Zwischen Politur und Schmutz

Das Plugin befand sich geschlagene zwei Jahre in der intensiven Entwicklung  Die Erwartungshaltung an ein Plugin mit einer derart langen Inkubationszeit ist in einem völlig übersättigten Markt naturgemäß hoch. Doch schon nach meinen ersten Testläufen in diversen Pro Tools-Projekten wird klar, dass hier keine generischen Algorithmen aufgewärmt wurden.

Lacuna ist faszinierend schwer in eine einzige, simple Kategorie zu pressen: Es fungiert gleichzeitig als ein extrem edles Polishing-Utility-Tool, das einem sterilen digitalen Mix den letzten, glänzenden klanglichen Schliff verleiht. Auf der anderen Seite ist es aber auch ein wunderbar räudiges, ungezähmtes Piece of Outboard-Gear. Es besitzt eine unberechenbare, Attitüde, die sich absichtlich gegen perfekt berechnete digitale Standards sträubt – nur eben im bequemen, abrufbaren Plugin-Format.

It´s  Electric: Analoge Unberechenbarkeit

Das technische Zauberwort, mit dem Sabol Hill diese akustische Lebendigkeit erreicht, lautet „Stochastic“. Dieser Begriff mag im ersten Moment hochkompliziert und etwas umständlich anmuten, letztlich beschreibt er jedoch exakt jenen Vorgang, der das Plugin von der breiten Masse an Saturation-Tools abhebt: Lacuna emuliert durch stochastische Prozesse (ein sog. mathematisches Objekt zur Modellierung von zufälligen, oft zeitlich geordneten, Vorgängen)  das völlig unvorhersehbare (unpredictable), non-lineare Verhalten historischer analoger Hardware.

In der analogen Vintage-Welt klingt kein Schaltkreis in jeder Millisekunde exakt gleich. Spannungsfluktuationen, Bauteiltoleranzen und die schiere Physik sorgen für ständige, mikroskopisch kleine Variationen. Genau dieses vibey Chaos bringt Lacuna zurück in die perfekte, oft zu statische digitale Umgebung. Es haucht flachen Drum-Samples, starren Synthesizer-Pads oder Gitarren jenes Leben ein, das man sonst oft nur durch das aufwendige Routing durch Racks erreicht. Das Resultat: elektrische Schwankungen und Vintage Mojo ist nun mit nur ein paar Klicks entfernt.

Dieses enorme Maß an mathematischer Detailversessenheit unter der Haube hat allerdings logischerweise auch seinen Preis: Das Plugin ist ziemlich CPU-intensiv, selbst bei einem starken Rechner. Der Lüfter meines Rechners fuhr jedenfalls ziemlich schnell in den höheren Leistungsbereich. Auf der anderen Seite: die Klangergebnisse sprechen für sich, Beim Gitarren-Quad Tracking ließ Lacuna die einzelnen Spuren noch fetter klingen.

ORCHESTRAL TOOLS BENJAMIN WALLFISCH STRINGS & STRINGSCAPES – Gänsehaut-Garantie aus dem Teldex Studio

Credit Bild: © Sven Doornkaat 

Es war ein geradezu erhebendes Gefühl, als ich zum ersten Mal bei den Aufnahmen einer String Section in einem professionellen Studio dabei war: die Bögen setzten an, die ersten Töne erfüllten den Raum, einzelne Instrumente verschmolzen zu einem einzigen gewaltigen Klangkörper. Wer selbst an Filmmusik oder orchestralen Produktionen arbeitet, kommt dabei unweigerlich ins Träumen: Wie wäre es wohl, nicht bloß Beobachter zu sein, sondern selbst ganz vorne zu stehen und die eigene musikalische Vision an ein Ensemble von Weltklasse-Musikern weiterzugeben und sie zu dirigieren?

Genau dieser Idee hat sich die ultra-umfangreiche und enorm ambitionierte String-Library Benjamin Wallfisch Strings aus dem Hause Orchestral Tools verschrieben. Sie möchte nicht weniger, als das Gefühl vermitteln, mitten vor einer lebendigen, atmenden Streichersektion zu stehen und deren Ausdruckskraft unmittelbar unter den eigenen Fingerspitzen zu haben. Ob dieses Versprechen tatsächlich eingelöst wird und ob man sich hier kompromisslos dem Klang eines echten Filmmusik-Ensembles annähert, finden wir im folgenden Review heraus.

Ein Star zeitgenössischer Filmmusik

Um zu verstehen, warum diese Library so klingt wie sie klingt, lohnt ein Blick auf den Mann dahinter. Benjamin Wallfisch zählt fraglos zu den Superstars der modernen Filmmusikszene. Seine Soundtracks, etwa für „Blade Runner 2049" in Zusammenarbeit mit Hans Zimmer oder auch „Alien:Romulus“, gehören zum Besten, was das moderne Scoring zu bieten hat. Dabei ist Benjamin Wallfisch ein Meister vieler Sparten: einerseits klassisch ausgebildet am Orchester, andererseits aber auch im Umgang mit elektronischen Klängen versiert. Diesen dezidiert nicht nur klassischen Approach merkt man auch bei dieser String-Library.

Wallfisch – geboren 1979, aufgewachsen in einer durch und durch musikalischen Familie, mit Musikereltern und einem Pianisten-Großvater– ist kein gewöhnlicher Filmkomponist. Mit fünf Jahren begann er Klavier zu spielen, mit sechs zu komponieren. Später absolvierte er die Guildhall School of Music und die Royal Academy of Music in London, bevor ihn Mentoren wie Dario Marianelli und schließlich Hans Zimmer in ihre Umlaufbahn zogen. Wallfischs klassische Frühjahre – mit Dirigaten vor der BBC Symphony Orchestra, dem London Symphony Orchestra und der Philharmonia – schärften ein orchestrales Gespür, das sich in jedem seiner Filmscores manifestiert.

Was folgte, ist moderne Kinogeschichte. Die Kollaboration mit Hans Zimmer für „Hidden Figures" brachte eine Golden Globe-Nominierung, „Blade Runner 2049" Grammy- und BAFTA-Nominierungen, „IT" machte ihn zu einer der ersten Adresse für Horror-Scoring schlechthin. Seither hat Wallfisch an über achtzig Spielfilmen mitgewirkt. Eines seiner jüngsten Werk, der Score zur HBO-Prequel-Serie „IT: Welcome to Derry", unterstrich einmal mehr seine unheimliche Fähigkeit, mittels Streicher akustische Jump Scares zu fabrizieren – Haare im Nacken inklusive.

Doch Wallfisch ist, und das ist entscheidend für das Verständnis dieser Library, kein reiner Orchestral-Traditionalist. Sein Ansatz verbindet klassische Akkuratesse mit dem Ohr eines Sounddesigners, der keine Berührungsängste mit elektronischen Texturen kennt. In seinem Homestudio steht der Vintage Synthesizer nicht weit vom Piano entfernt. Exakt diese Hybrididentität hat er nun in einem Sample-Library-Duo kodiert.

Das Yin & Yang: Strings und Stringscapes als komplementäres Duo

Credit Bild: © Orchestral Tools

Orchestral Tools und Wallfisch liefern hier ein Duo, das gerade in seiner Komplementarität seine wahre Stärke entfaltet. Benjamin Wallfisch Strings (BWS) ist die klassische Seite: cineastische Ensemble- und Divisi-Aufnahmen, konzipiert als direkter Zugang zur Welt der Cinematic-Streicher. Stringscapes by Benjamin Wallfisch ist das dunkle Gegenstück – ein Arsenal aus orchestralen Streichertexturen und -effekten, das sich irgendwo zwischen zeitgenössischem Sounddesign und dem klanglichen Alptraumkabinett eines Bernard Herrmann sowie klassischer Horror-Soundtracks bewegt.

Benjamin Wallfisch Strings

Credit Bild: © Orchestral Tools

Das Ziel war es für Wallfisch, eine möglichst realistische, natürliche und organisch klingende String-Library zu erschaffen, bei der man sich so fühlt, als würde man direkt vor einer professionellen String-Section stehen. Nachdem ich diese Library nun einige Wochen getestet habe, kann ich konstatieren: Dies ist vollends geglückt.

Aufgenommen wurde das gesamte Projekt auf der Hauptbühne der Teldex Studios in Berlin – jener legendären Scoring Stage, auf der Orchestral Tools auch ihre Berlin Series, die Metropolis Ark Series und zahlreiche weitere Flaggschiffe eingespielt hat. Die Besetzung: 14 erste Violinen, 12 zweite Violinen (mit eigens anders besetzten Spielern), 10 Violen, 10 Celli und sechs Kontrabässe. Eine vollwertige, professionelle Streicherbesetzung – keine Kompromisslösung.

Für diese Library braucht man allerdings einen leistungsstarken Computer. In meinem Praxistest funktionierte das Laden von der internen Festplatte meines Laptops wesentlich flüssiger als von einer externen SSD. Allerdings lassen sich Mikrofonpositionen zusammenführen, um CPU-Leistung zu sparen, und außerdem können einzelne Elemente sowie Mic-Positionen gezielt installiert werden. Das schont das System.Mit meinen 32 GB RAM, einer 1-TB-Festplatte und einem Intel-i9-Prozessor hatte ich jedenfalls keinerlei Probleme.

Ein zentrales konzeptionelles Statement dieser Library ist die konsequente Abkehr von Sample-Loops für lange Töne. Wallfisch, der immer wieder die Lücke zwischen realen Orchesteraufnahmen und Sample-Libraries beklagte, ließ die Spieler ihre Sustains 23 bis 25 Sekunden lang halten – ein Ansatz, der den natürlichen Atem der Instrumente bewahrt und dem Ergebnis eine organische Lebendigkeit verleiht, die loop-basierte Bibliotheken schlicht nicht replizieren können. Ein radikaler, konsequenter Entscheid, der hörbar Früchte trägt.

Das resultierende Timbre erinnert gleichzeitig an Angelo Badalamentis melancholische Klangwelten und die eiskalte Eleganz von „Basic Instinct“, wirkt dabei messerscharf und verweist zugleich auf ein zeitgenössisches, hybrides Klangvokabular, das Bernard Herrmann wohl mit Begeisterung adaptiert hätte, wäre er in der Ära moderner Elektronik aufgewachsen. Genau dort siedelt sich diese Library an.

Die fünf Dynamikebenen für alle Kernartikulationen sind dabei nicht nur ein Feature auf einer Spezifikationsliste, sondern klingen auch entsprechend überzeugend. Das automatische Ansteigen des Vibratos in höheren Dynamiken unterstreicht emotionale Höhepunkte auf eine Art, die sich intuitiv und musikalisch richtig anfühlt – als hätte man echten Spielern gegenüber schlicht die Hand gehoben. Diese Unmittelbarkeit in der Ausdruckskontrolle ist selten in dieser Kategorie.

Stringscapes

Credit Bild: © Orchestral Tools

Stringscapes wiederum ist die dunkle Kammer dieses Duos. Die Bandbreite reicht von subtilen Ambisonics über bedrohliche Cluster-Texturen bis zu dem, was die Entwickler ohne Umschweife als „terrifying sonic vistas from the gates of hell itself“ beschreiben – und das ist keine Übertreibung, sondern eine treffende Beschreibung des tatsächlichen Klangpotenzials.

Streicher, die wie Norman Bates' Messer herabsausen. Artikulationen, die sich wie ein Schatten über ein Kleinstadtidyll legen. Hier findet sich das Sounddesign-Vokabular der modernen Horrorfilmmusik in seiner destilliertesten Form: György Ligetis Mikropolyphonie trifft auf Wallfischs eigene Horror-Erfahrung aus der „IT“-Franchise, und das Resultat klingt, als hätte man Pennywises gesamtes klangliches Repertoire in einem einzigen Plugin gebündelt.

Eine String-Library mit dem gewissen „It“-Faktor. Um Wallfischs persönlichem Stil gerecht zu werden, braucht man sowohl Strings als auch Stringscapes.