HEAVYOCITY SYMPHONIC DESTRUCTION Redux Test: Die Anatomie des orchestralen Verfalls

Credit Bild:© Heavyocity

Es gibt in der modernen Musikproduktion, insbesondere im Film und TV-Scoring, einen etablierten Ansatz, wenn es um orchestrale Libraries geht: die möglichst realistische Abbildung des klassischen Ideals. Große Sample-Libraries setzen entsprechend auf detaillierte Aufnahmen, zahlreiche Velocity-Layer, Round Robins und eine möglichst authentische Wiedergabe der einzelnen Instrumentengruppen. Das Ergebnis soll vor allem eines sein: natürlich, präzise, makellos, pur und möglichst nah am Klang eines realen Orchesters.

Dieser Ansatz hat zweifellos seine Berechtigung und ist für viele musikalische Anwendungen sogar unumgänglich. Doch was passiert, wenn man diesen Perfektions-und Reinheitsanspruch einmal komplett über Bord wirft? Wenn man ein Orchester nicht aufnimmt, um seinen Soundmöglichst originalgetreu zu konservieren, sondern es als Rohmaterial begreift – als Ausgangspunkt für etwas völlig Neues? Die Antwort liefert die New Yorker Sounddesign-Schmiede Heavyocity. Wer das Portfolio der Entwickler kennt weiß, dass Subtilität nicht zwingend immer an erster Stelle der Prioritätenliste des Teamssteht. Hier geht es um Blockbuster-Ästhetik und Sounds, die den Kinosessel durchaus einmal zum Beben bringen dürfen.

Mit Symphonic Destruction Redux wird nun also der orchestrale Klangkörper zerlegt, bearbeitet, verzerrt und neu zusammengesetzt. Das Ergebnis ist ein hybrides Orchester für modernes Scoring – irgendwo zwischen klassischer Instrumentierung, Synthese, Sound Design und brutaler DSP-Bearbeitung.

Destruktion und Dekonstruktion

Das grundlegende Prinzip hinter dieser Sample-Library ist jenes der Dekonstruktion – ein Begriff, der im kulturwissenschaftlichen Diskurs allzu oft bemüht und noch viel öfter missverstanden wird. Er meint keineswegs den blinden Vandalismus, das simple Zerschlagen eines Objekts. Im eigentlichen Sinne ist Dekonstruktion vielmehr eine präzise Obduktion: das Sezieren etablierter Strukturen, um verborgene Nähte, innere Widersprüche und das rohe Fundament eines Werkes freizulegen. Erst in der Demontage des Vertrauten offenbart sich das Material in einer neuen Form.

Übertragen wir diesen Ansatz auf die Musik, stoßen wir unweigerlich auf eines der unantastbarsten Monumente der abendländischen Musikkultur: das Symphonieorchester.Ein gigantischer, auf harmonische Perfektion gedrillter Apparat, dessen Klangästhetik von makellosen Legati, präziser Intonation und einem hohen Maß an orchestraler Disziplin geprägt ist. Genau diesen Status quo nimmt Heavyocity auseinander. Die Entwickler zerren den Klangkörper aus dem plüschigen Konzertsaal und liefern ihn der gnadenlosen Maschinerie des modernen Sound Designs aus. Tiefe Streicher, schmetternde Blechbläsermund Percussion werden nicht einfach konserviert, sondern als formbares Audiomaterial behandelt.

Genau an diesem faszinierenden Schnittpunkt zwischen Demontage und purer klanglicher Gewalt positioniert sich Symphonic Destruction Redux. Das Orchester landet im analogen Fleischwolf – und heraus kommt ein hybrider Titan für das moderne Scoring.

Die Philosophie des kontrollierten Chaos

Also nochmal: Wer also nach lieblichen Streicher-Legati für das nächste romantische Drama sucht, sollte hier vermutlich eher umkehren (allerdings: selbst wenn diese Sample Library zu keinem Zeitpunkt puristischere Orchester-VIs ersetzen will, auch softere Klänge sind mit diesem Plugin problemlos möglich, sie stellen nur eben nicht den Hauptanwendungsbereich von Redux dar).

Die Entwickler haben ein komplettes traditionelles Orchester aufgenommen nur um dieses Ausgangsmaterial anschließend einem rigorosen Sounddesign-Prozess zu unterziehen. Wir sprechen hier nicht von ein bisschen EQing oder etwas zusätzlichem Hall. Die Samples wurden durch modulare Synthesizer gejagt, durch rauschende Bandmaschinen und Tape-Saturators gepresst, mit granularen DSP-Algorithmen in kleinste Audio-Schnipsel zerlegt und bis über die Sättigungsgrenze verzerrt. Das Resultat ist eine Library, die zwar noch die organische, menschliche DNA eines echten Orchesters in sich trägt, klanglich aber längst in der Welt des modernen dystopischen Cyberpunks, des düsteren Sci-Fi-Thrillers und des extremen Trailer-Scorings angekommen ist.

Mit mehr als 130 individuellen Sound Sources, 212 kuratierten Presets, 12 Ensembles und einer reichhaltigen Auswahl von separaten Crescendos,Swells und Motiven  liefert Symphonic Destruction Redux den charakteristischen Hybrid-Orchestra-Sound von Heavyocity in einer auf Geschwindigkeit, Übersichtlichkeit und unmittelbare Ergebnisse ausgelegten Form. Denn im Kern ist diese Library eine streamlined Version einer weitaus umfangreicheren Libary von Heavyocity -  doch hierzu an einem späteren Zeitpunkt mehr.

Das Herzstück von Symphonic Destruction Redux ist die hauseigene Engine, die innerhalb des Native Instruments Kontakt Player läuft (dieser ist btw gratis). Wer bereits mit anderen Heavyocity-Produkten gearbeitet hat, wird sich hier sofort heimisch fühlen. Das GUI präsentiert sich gewohnt dunkel, futuristisch und vor allem auf Performance ausgelegt.Der Aufbau ist intelligent in zentrale Bereiche unterteilt, die sich auf der Master-Ebene zu gigantischen hybriden Texturen layern lassen. Der Clou der Engine ist die Möglichkeit, die völlig entfremdeten Orchester-Samples mit synthetischen Wellenformen und Sub-Bässen zu kombinieren und sich so custom Sounds zu basteln.

Das Orchester als Ausgangspunkt, nicht als Endpunkt

Die Macher gehen hier nicht von einem orthodoxen Orchester oder von der klassischen Tradition aus. Sie denken ihre Library  eher aus der Sicht eines Sounddesigners oder Synth-Players. Das macht Redux aber auch sehr vielseitig. Genau das zeigt sich auch in meinem Praxistest. Selbst in einer relativ dichten Session mit verschiedenen Synthesizern fügt sich Symphonic Destruction Redux erstaunlich gut ein.

EVENTIDE TEMPERANCE PRO Test: Der musikalischste Hall der Gegenwart?

Credit Bild:© Eventide

Der Nachhall einer Aufnahme ist nicht nur technisches Beiwerk, sondern kann ebenso charakterprägend sein wie ein Instrument. Die Welt der Hall-Effekte ist dementsprechend vielfältig und gespickt mit Klassikern: vom Spring Reverb über Plate, Room und Hall. Mittlerweile gehört auch Shimmer Reverb längst zum festen Vokabular moderner Effektgeräte und Plug-ins. Die Grundprinzipien künstlicher Räumlichkeit sind so seit langem etabliert – von Vintage bis modern, von archaischen Echokammern und mechanischen Systemen über die großen digitalen Reverb-Klassiker der Eighties bis hin zu hochkomplexen algorithmischen und Convolution-Systemen.

Doch was passiert, wenn man Reverb nicht länger nur als möglichst überzeugende Simulation eines akustischen Raumes betrachtet, sondern als musikalisches System? Genau hier setzt Eventide Temperance Pro an. Das neue Reverb-Plug-in des legendären Effekt-Pioniers versucht nicht einfach, den nächsten noch größeren, schöneren oder realistischeren Hall zu bauen. Stattdessen geht Eventide einen bemerkenswert anderen Weg: Der Hall selbst wird hier zum musikalischen Werkzeug.

Eine völlig neue Idee von Räumlichkeit

Temperance Pro basiert auf einem sogenannten Modal Reverb, bei dem der Hall aus Tausenden unabhängig steuerbaren Resonatoren aufgebaut wird. Diese reagieren nicht nur auf Frequenzen, sondern lassen sich gezielt an den zwölf Tönen der chromatischen Tonleiter ausrichten. Das klingt zunächst ziemlich theoretisch, in der Praxis bedeutet es jedoch etwas erstaunlich Einfaches: Der Hall kann auf die Musik reagieren – bzw. er reagiert auf den harmonischen Gehalt des Eingangssignals und ermöglicht es, gezielt zu bestimmen, welche Frequenzen und Töne im Hall aufblühen. Für den User heißt das: Nun kann man den tonalen Charakter der Hallfahne wesentlich präziser formen als bisher. Und genau darin liegt der eigentliche Reiz von Temperance Pro, das von subtil bis experimentell viele Anwendungsbereiche abzudecken vermag.

Eventide bezeichnet Temperance Pro als „The World's Most Musical Reverb“. Das ist selbstverständlich eine große Ansage. Interessant wird sie allerdings dadurch, dass das Plug-in tatsächlich ein Konzept verfolgt, das sich deutlich von klassischen Reverb-Ansätzen unterscheidet. Eben weil es nicht auf einem typischen Raum wie einer Konzerthalle oder einer Technik wie dem Plate Reverb basiert.Schon zuvor hat Eventide die Boundaries von Hall gepusht, etwa mit dem Ansatz des Blackhole. Dieses legendäre Reverb steht gewissermaßen für die andere Seite des Eventide-Ansatzes: riesige, schwer greifbare, geradezu spacige Räume, die mit klassischer akustischer Realität nur noch bedingt etwas zu tun haben. Temperance Pro geht ebenfalls weit über die bloße Abbildung eines natürlichen Raumes hinaus – allerdings nicht primär über schiere Größe, sondern über musikalische Kontrolle.

Das Resultat fühlt sich tatsächlich weniger wie ein klassischer Effekt und mehr wie ein musikalischer Mitspieler an

Konsequent Innovativ

Mit dem integrierten Sequencer kann der Hall selbst rhythmische und harmonische Bewegungen ausführen. Noten lassen sich über Akkordfolgen, Skalen, Modi oder Intervalle organisieren und im zeitlichen Verlauf verändern. Aus einem Reverb wird damit plötzlich ein Element, das beinahe wie ein Synthesizer oder eine Sequencer-Spur behandelt werden kann.

Die Grenzen liegen entsprechend weniger in der technischen Funktion als in der eigenen Vorstellungskraft.

Um das Prinzip hinter Temperance Pro zu verstehen, hilft ein ungewöhnliches Bild: Man stelle sich einen Raum vor, der aus Tausenden von Stimmgabeln besteht. Jeder dieser Resonatoren ist auf eine andere Frequenz abgestimmt. Gemeinsam erzeugen sie den komplexen Nachhall eines Raumes. Genau auf diesem Prinzip basiert das Modal Reverb. Eventide modelliert einen Hallraum als Sammlung von Tausenden unabhängigen Resonatoren, deren Frequenz, Lautstärke und Abklingverhalten in Echtzeit beeinflusst werden können.

Wie zuvor angedeutet: Damit unterscheidet sich der Ansatz grundlegend von klassischen Algorithmus- und Convolution-Reverbs. Temperance Pro simuliert nicht einfach nur Reflexionen oder faltet ein Eingangssignal mit einer Impulsantwort, sondern behandelt Räumlichkeit als ein System einzelner Resonanzen. Das eröffnet Möglichkeiten, die bei einem herkömmlichen Reverb so nicht existieren.

Insgesamt stehen 29 Spaces zur Verfügung – von kleinen und fokussierten Räumen über große Halls und mechanische Reverbs bis hin zu experimentellen synthetischen Umgebungen. Der eigentliche Star ist allerdings nicht die Anzahl der Räume. Es lohnt sich, genauer hinzuschauen, denn Temperance Pro macht zwar vieles neu, bleibt aber trotzdem ein Reverb. Und dieser kann mitunter ausgesprochen räumlich, organisch und geradezu spektakulär klingen.

Temper, Range und Target – Dirigenten der musikalischen Bewegung

Die Regler „Temper“ und „Range“ bilden dabei einen wesentlichen Teil des Konzepts. Temper bestimmt, wie stark die ausgewählten Noten hervorgehoben oder zurückgenommen werden, während Range festlegt, auf welchen Frequenz- beziehungsweise Oktavbereich sich die Bearbeitung erstreckt. Man könnte sagen: Der Anwender wird hier zum Dirigenten des Musical Movement.

Mindestens ebenso interessant sind die Target-Parameter. Mit „Early“, „Late“ oder „All“ lässt sich bestimmen, wann innerhalb des Hallverlaufs die tonale Bearbeitung greift. Soll die Veränderung bereits beim Einsetzen des Halls stattfinden? Erst in der Ausklingphase? Oder über den gesamten Verlauf?

In Kombination mit dem Position-Regler ergeben sich entsprechend sehr weitreichende Möglichkeiten. Position verändert das Verhältnis zwischen frühen und späten Reflexionen und damit auch die wahrgenommene Entfernung zur Klangquelle.

NoteScape und Spectrum: Kontrolle über das Unsichtbare

Bei einem derart ungewöhnlichen Konzept ist es hilfreich, nicht völlig im Blindflug zu arbeiten. Zwei Visualisierungen unterstützen deshalb die Kontrolle über das Geschehen.

Der NoteScape Visualizer zeigt in Echtzeit, welche Noten innerhalb des Hallfeldes hervorgehoben beziehungsweise zurückgenommen werden und wie diese Resonanzen ausklingen. Das sieht zunächst spektakulär aus, ist aber auch praktisch, weil die ansonsten eher abstrakten musikalischen Prozesse visuell nachvollziehbar werden. Der Spectrum Analyzer zeigt wiederum die im Modal Response verwendeten Resonatoren und ermöglicht eine präzise Kontrolle über die tonale Balance des Halls.

Gerade bei komplexeren Einstellungen ist das hilfreich. Denn Temperance Pro kann sehr viel – und ohne entsprechende Visualisierung wäre nicht immer sofort ersichtlich, warum ein bestimmter Raum gerade so reagiert, wie er reagiert.

NEWFANGLED AUDIO GENERATE Test: Synth-Wahnsinn mit Methode

Credit Bild:© Newfangled Audio

Die Kamera bewegt sich langsam durch einen dunklen, verlassenen Korridor. Zunächst ist kaum etwas zu hören, nur die Schritte des Protagonisten im endlosen Schwarz. Dann setzt ein tieffrequenter Ton ein, zuerst dumpf, dann immer präsenter werdend. Kein Orchester, keine Gitarre – ein Klang zwischen dem Ächzen von Metall und einem überirdischen Dröhnen. Langsam verändert er seine Textur und gewinnt an Intensität. Musikalisch passiert eigentlich wenig – und dennoch entsteht aus ein paar Noten sofort das Gefühl, dass etwas Unheilvolles bevorsteht. Szenen wie diese sind in der Film- und TV-Geschichte meist untrennbar mit Synthesizern verbunden.

Die für derlei Stimmungen notwendigen klassischen Braams und bassigen Noises kann man mit den meisten Synths erzeugen. Dass ein Plugin sich jedoch bewusst  und überaus konsequent in Richtung musikalischer Destruction bewegt, ist dann aber doch etwas Neues. Enter „Generate“ aus dem Hause Newfangled Audio – ein Plugin, das sich selbst als „Cinematic Synth“ versteht und einen der eigenwilligsten und ungewöhnlichsten Instrumente der letzten Jahre darstellt, verschreibt es sich doch konsequent der chaotischen Synthese.

Unberechenbarkeit als Prinzip

Im Maschinenraum von Generate schlagen keine herkömmlichen, berechenbaren Herzen. Im Zentrum operiert die Engine mit acht sogenannten „Chaotic Oscillators“ – mit Titeln wie Double Pendulum, Vortex, Pulsar, Discharge, Turbine, Helix, Crescent und Magma. Schon die Werks-Presets machen klar, weshalb diese ihre Namen tragen.

Sie  basieren auf mathematischen Modellen nichtlinearer Systeme. Anstatt einer sterilen Tonhöhe zu folgen, driften sie, eiern und interagieren miteinander in einer Form, die sich nie restlos bändigen lässt. Man muss sich das so vorstellen, dass die Oszillatoren ein furchteinflößendes Eigenleben entwickeln.

Genau diese permanente, mikrotonale Schwankungen erzeugen eine unterschwellige, hochgradig organische Spannung. Das menschliche Ohr registriert unweigerlich: Hier stimmt etwas nicht. Es ist exakt jene Dissonanz, die die klaustrophobischen und unheimlichen Atmosphären erschafft, nach denen Sounddesigner suchen. Dank der komplexen Engine von Generate, die sich zwar recht intuitiv bedienen lässt (zumindest für Synth-Profis) dabei aber dennoch die tiefgehende Manipulation zahlreicher Parameter erlaubt, lässt sich fließend von einer simplen Sinuswelle in das absolute Unbekannte überblenden. Pads beginnen im Hintergrund schwer zu „atmen“, Bässe zittern nervös vor sich hin, und Leads kippen urplötzlich ins Unberechenbare – und dann gibt es da noch Sounds, die an den Balrog aus „Der Herr der Ringe“ gemahnen…

West-Coast-DNA für die Postmoderne

Im Kern ist Generate von der Philosophie der West-Coast-Synthese beeinflusst und orientiert sich an den legendären Designs von Don Buchla – gewissermaßen hat man es hier mit einem Buchla-Synth auf Steroiden zu tun. Dies ist jedoch nur der Ausgangspunkt. Von dieser Basis ausgehend, erkundet Generate ganz neue Welten. Es ist tatsächlich ein durchaus innovatives und ungewöhnliches Synth-Design, das einem hier in die DAW gegeben wird – eines, das letztlich keine direkte Entsprechung in einem Hardware-Vorbild findet.

Statt eine klassische Oszillatorarchitektur lediglich um weitere Wellenformen, Modulationsmöglichkeiten oder Effekte zu erweitern, wird bei Generate ein dynamisches System selbst zum Ausgangspunkt der Klangerzeugung. Die daraus entstehenden Bewegungen sind nicht vollständig vorhersehbar und lassen sich dennoch gezielt beeinflussen. Genau aus diesem Spannungsverhältnis zwischen Kontrolle und Kontrollverlust bezieht Generate einen wesentlichen Teil seines Charakters.

Credit Bild:© Newfangled Audio

Analoge Brutalität

Ein Low Pass Gate – eine tiefe Verneigung vor dem Buchla 292 – dämpft den Sound nicht bloß ab, sondern verleiht ihm Charakter. Durch spezifische Pole- und Resonance-Parameter erhält das Signal eine derart perkussive, organische Schlagkraft, dass Generate an keiner Stelle nach einem klinischen Digitalprodukt klingt. Der Synthesizer besitzt eine analoge Brutalität – dass ein Limiter mit an Bord ist, ist daher dringend nötig. Hier flattern die Monitor Boxen – man sollte also bezüglich der Volume-Einstellungen behutsam vorgehen. Dieser Synth zählt zu den brachialsten, die es am Markt gibt. Wer hier auf der Suche nach klassischen schöngeistigen Sounds von manch Eighties-Synths ist, ist hier an der falschen Adresse.

Wem aber der Sinn nach musikalischer Gefahr steht, nach jener rohen, unheimlichen Spannung, die einen modernen Cinematic-Score auszeichnet, wird Generate lieben. Dieser Synthesizer weigert sich schlichtweg, formelhaft und brav zu klingen. Er begreift Synthese nicht als lineares Abarbeiten statischer Wellenformen, sondern als ein bedrohlich wucherndes Netzwerk aus Instabilitäten.

ORCHESTRAL TOOLS METROPOLIS ARK Series Test: Vom Fritz Lang-Orchester zum modernen Hybrid Score

Credit Bild:© Orchestral Tools

Ein entscheidendes Wesensmerkmal des Kinos im Allgemeinen und visionärer Filmkunst im Speziellen war immer, dass die Grenzen des Mediums permanent verschoben wurden. Einer der größten Pioniere dieser Entwicklung war zweifellos Fritz Lang, dessen Todestag sich 2026 zum 50. Mal jährt. Mit Meisterwerken wie „Dr. Mabuse, der Spieler“, „M – Eine Stadt sucht einen Mörder“ und „Metropolis“ prägte der österreichisch-deutsche Regisseur nicht nur die visuelle Grammatik des Films, sondern erschuf ganze visuelle Welten, deren ästhetischer Einfluss bis heute nachwirkt.

Der Film Metropolis war dabei weit mehr als ein spektakuläres Science-Fiction-Monument der Stummfilm-Ära. Langs Dystopie einer gigantischen Zukunftsstadt, in der monumentale Maschinenarchitektur, soziale Klüfte und menschliche Abgründe aufeinanderprallen, verlangte nach einer ebenso exzessiven wie neuartigen musikalischen Sprache. Der Komponist Gottfried Huppertz schuf damals ein gewaltiges, spürbar von Richard Strauss und Richard Wagner inspiriertes spätromantisches Orchesterwerk voll von Leitmotiven und überwältigender Orchestrierung – im Zusammenspiel mit den Science-Fiction-Bildern war das ein retro-futuristisches Spektakel: Das Orchester transportierte den Maschinen-Klang der Großstadtmechanik, Bedrohung und menschliche Zerbrechlichkeit gleichermaßen. Es war ein Sound, der das Publikum schlichtweg übermannen sollte – klassisch verwurzelt, in seiner Wirkung absolut "larger than life".

Genau dieses Klangideal – die Synthese aus klassischem Erbe, monumentaler Architektur, emotionaler Tiefe und futuristischer Vision bei maximalem „sonic impact“ – steht auch im Zentrum der Metropolis Ark Collection von Orchestral Tools. Die Berliner Sample-Edelschmiede, selbst tief in der Tradition europäischer Klangkultur verankert, hat mit der Ark-Serie  moderne Libraries konzipiert, die klanglich äußerst unique sind. Es geht hier nicht um das x-te brave und letztlich uninteressante Konservatoriums-Ensemble, sondern um ein radikales, dramaturgisch durchdachtes Werkzeugkasten-System für klassisches wie zeitgenössisches Scoring.

Monumentale Klangwelten

Im Intro war von der klanglichen Überwältigung in der Weimarer Zeit die Rede, doch natürlich ist auch die Evolution der modernen Filmmusik untrennbar mit dem stetig wachsenden Bedürfnis nach maximaler akustischer Intensität verbunden. Das zeitgenössische Cinema – und nicht zuletzt das Segment der Trailer-Musik – verlangt nach dem Hans Zimmer-Faktor, nach akustischer Wucht. Es ist eine Welt, in der die Dynamik nicht selten erst im dreifachen Forte beginnt.

Genau an diesem Extrempunkt setzt Orchestral Tools an. Das Konzept hinter der Ark-Serie ist faszinierend analog zu Fritz Langs Filmepos: Es ist einerseits retro, klassisch und tief vintage-geprägt, andererseits kompromisslos futuristisch für hochmodernes Scoring designed. Das Sampling wurde mit sprichwörtlicher deutscher Gründlichkeit in den legendären Berliner Teldex Studios durchgeführt – jenem akustischen Raum, der für seine transparente Tiefe und seinen legendären Raumklang weltweit geschätzt wird. Das Ergebnis: Die Libraries klingen unglaublich dreidimensional, organisch und lebendig – das ist Sampling auf höchstem Niveau. Einen dementsprechend leistungsstarken Rechner sollte man also sein Eigen nennen wenn man mit diesem "Fritz Lang-Orchester" experimentieren möchte.

Anzumerken ist auch, dass hier bei weitem nicht nur brachial gewerkt werden kann: Alle 6 Collections der Metropolis Ark-Serie verfügen über einen enormen Dynamikumfang. Der Composer kann beim Spielen dieser Libraries somit mühelos zwischen subtilsten Texturen und extremen Klangexplosionen changieren. Der Kerngedanke ist es 

ARK 1 – Wucht und Wahnsinn

Unter dem Diktum „The new fortissimo“ schlägt ARK 1 das erste Kapitel dieser Monumentalserie auf. Wer nach dem ultimativen Trailer-Sound und maximaler Durchsetzungskraft sucht, wird mit dieser Allround-Library unweigerlich fündig. Metropolis Ark 1 widmet sich konsequent der lauten, imposanten Seite des Spektrums – von mezzo-forte bis hin zu einem erderschütternden . Das Instrumentarium ist umfangreich, inklusive einer Überraschung, die man so sonst garantiert nirgends im Orchestergraben findet. Orchestral Tools nennt die einzelnen Kategorien hier Districts:

District I umfasst Gewaltige Sections aus Streichern, Holzbläsern und Brass-Instrumenten

District II ist die Choir-Abteilung mit wuchtigen Männer- und ätherischen Frauenchören für epische Sakral- und Dramatik-Momente.

District III liefert brachiale Drums und massive Percussion-Ensembles.

District IV ist schließlich eine Metal-Band – ganz richtig gelesen: E-Gitarren, E-Bass und ein schweres Drumset für den direkten Crossover-Sound.

Die Streicher von ARK 1 bilden das emotionale, extrem durchsetzungsfähige Fundament. Sie liefern genau jene filmische Breitwand-Dramaturgie, die sowohl in der stummen Frühzeit des Mediums Film usus war als auch in modernen Produktionen verlangt wird. Das brillante Konzept liegt jedoch nicht in reiner Lautstärke, sondern in der organischen Durchsetzungskraft und dem Vibe, der bei den Aufnahmen eingefangen wurde. Gerade im Hybrid-Scoring, wo das Orchester gegen tiefgestimmte Heavy-Gitarren oder massive analoge Synth-Wände ankämpfen muss, setzt sich ARK 1 mühelos durch. Ark 1 (wie auch die anderen Arks) kann so klassisch oder so progressiv klingen, wie das der User möchte - Letztlich kann man in einem Hybrid-Ansatz sogar etwas vollkommen Originäres erreichen – hier gibt es wieder einen Parallel zu Metropolis, und zwar zu Giorgio Moroders Mittachtziger Neudeutung des Scores für den Lang´schen Filmklassiker.

ARK 2 – Rolling in the Deep

Credit Bild:© Orchestral Tools

Während der erste Teil den orchestralen Vorschlaghammer schwingt, taucht Metropolis Ark 2 in die tiefsten und dunkelsten Register ab. Es ist das Yin zum Yang des Vorgängers: Hier regiert das Subtile, das Düstere, das bedrohliche Flüstern in den unteren Frequenzbereichen.. Alle Instrumente und Stimmen konzentrieren sich auf die leisen, intensiven und unheimlichen Schattierungen der unteren Dynamikbereiche (bis ). immens. Auch dieses Kapitel unterteilt sich in vier charakterstarke Distrikte:

District I (Orchestra): Tiefe Holz- und Blechbläser (inklusive Kontrabass-Klarinetten) sowie ein sehrtiefes Streicher-Ensemble.

District II (Choir): Kinderchor, Frauenchor, engelsgleiche Soprane und abgründige Basso Profondo-Chöre.

District III (Epic Low Percussion): Erdbebenartige, tieffrequente Schlagwerke und subsonic Booms.

District IV (Keys): Intimes Klavier, Harmonium und eine historische Positif-Orgel.

Neben ungewöhnlichen Besetzungen und Kombinationen (Percussion Synths!) erweist sich ARK 2 als praktischer Texturgeber für düstere Thriller, Dystopien und archaische Spannungsmomente inkl. Wagner Tuba für die Vertonung des besonders Epischen.

ARK 3 – Die Architektur der Bewegung

Credit Bild:© Orchestral Tools

Von Taiko bis Timpani: Ist es eine Percussion-Library? Oder ist es ein Orchester? In Wahrheit ist es beides: Metropolis Ark 3 fusioniert mächtiges Schlagwerk mit Streichern, Holz- und Blechbläsern zu einem ziemlich einzigartigen, perkussiven Orchesterapparat.

Der Klang entspricht dem Dröhnen der Maschinenstadt: Langs Vision lebte von industrieller Präzision, Zahnrädern und unerbittlicher Bewegung. ARK 3 greift diese Idee auf und behandelt das gesamte Orchester als gigantische Rhythmusgruppe. Gigantische Taiko-Ensembles – laut Orchestral Tools die lauteste Recording-Session, die je im Teldex Studio durchgeführt wurde – treffen auf perkussive String-Hits, Staccati und Brachial-Cluster.

In ihrer kompromisslosen Dynamik und physischen Präsenz erinnert die Energie mitunter an die rohe Performance-Wucht der Blue Man Group. Ob für treibende Chase-Sequenzen oder komplexe Action-Cues: ARK 3 liefert eine Rhythmus-Maschine mit enormem Attack, die organische Schlagkraft perfekt mit elektronischem Sounddesign verbindet.

ARK 4 – Radikale Kontraste

Credit Bild:© Orchestral Tools

Hier geht es vor allem um die Nuancen von sog „blended ensembles“ die in ihren klanglichen Kontrasten interessante Synergie-Effekte schaffen.

10 Ensembles aus Holz- und Blechbläsern, Männer- und Frauenchöre und ein Streichorchester sind keine reinen Repetitionen der früheren Arks sondern liefern wiederum neue Nuancen. Bei den Blasinstrumenten reicht die Dynamikspannweite reicht von zart zu fast schon brutal mit extremen Artikulationen wie Overblown- und Overpressure-Effekten. Das passt nicht nur perfekt zu „Babylon Berlin“-artigen Produktionen sondern ergänzt die bisherigen Ark-Volumes um subtile und gleichzeitig extrem interessante Klangfarben. Die Sounds die mit dieser Library möglich sind fügen sich nahtlos in die breiten Klangflächen der anderen Arks ein und schenken dem Arrangement jenes präzise „Top-End“, das im Mix für sofortige Wiedererkennung sorgt – oder eine Lead-Melodie zum Schweben bringt.

MIXED IN KEY WINGMAN Test: Copilot fürs Songwriting

Credit Bild:© Mixed In Key

Jeder Musiker, Produzent und Komponist kann davon ein melancholisches Lied singen: Während man tief in der Nacht im Studio an neuen Ideen feilt oder in mühsamen, kräftezehrenden Songwriting-Sessions nach der rettenden Hook-Idee fischt, trifft man plötzlich auf sie – die viel zitierte, unüberwindbare Wand. Man kommt einfach nicht weiter. Das Arrangement stagniert, die anfängliche Euphorie verfliegt. Wie unbezahlbar gut ist es in exakt solchen Momenten, einen echten Songwriting-Partner an seiner Seite zu wissen. Einen Mick Jagger zum Keith Richards, einen John Lennon zum Paul McCartney – oder, wenn es für den Anfang ein paar Nummern kleiner und weniger historisch sein darf, einfach einen verlässlichen Ideen-Geber, der den kreativen Funken mit einer unerwarteten Wendung neu entfacht.

Genau hier setzt das Plugin „Wingman“ von Mixed In Key an. Es verspricht die ultimative digitale, kreative Abhilfe gegen den gefürchteten Writer’s Block. Das Tool hört auf das Audiomaterial, das innerhalb der DAW gerade läuft, und schlägt darauf basierend musikalische Ideen vor – insbesondere passende Akkorde und Basslines. Dabei kann Wingman Vocals, Loops, einzelne Stems oder auch komplette Tracks analysieren und daraus Vorschläge entwickeln, die sich an Tonart, Rhythmik und musikalischem Feeling des vorhandenen Materials orientieren.

In Version 2.0 geht das Konzept noch deutlich weiter: Die generierten Ideen lassen sich mit eigenen Sounds, VST-Instrumenten, Rhythmus-Presets und Effekten weiterformen. Auch der Export als MIDI oder WAV ist möglich. Das Plugin soll also nicht einfach fertige Musik ausspucken, sondern aus dem bestehenden Material heraus neue musikalische Wege aufzeigen.

Damit präsentiert sich Wingman als hochinnovatives Kreativ-Tool, das möglichst natürlich Ideen weiterentwickeln, musikalische Vorschläge machen und – das ist hier das alles entscheidende Detail – aus bestehendem Material organische, sinnvolle Ergänzungen weben soll. Letztlich verspricht die Software also, exakt so zu agieren, wie es ein versierter Co-Produzent auf der Couch im Studio tun würde: kreativ, natürlich und intelligent.

Mixed In Key begibt sich so natürlich in einen Bereich, der auch vor dem Hintergrund jüngster Debatten über künstlich (und nicht künstlerisch)kreierte Musik bei vielen Plugin-Usern extreme Gefühle und mitunter Instant-Ablehnung hervorrufen wird. Aber: Man sollte diesem innovativen Konzept den Benefit of the Doubt geben und sich zunächst mit den interessanten Möglichkeiten vertraut machen, die dieses Tool bietet. Denn: Die musikalischen Vorschläge von Wingman sind nicht einfach KI-generiert, sondern basieren auf dem hauseigenen Music Theory Algorithm von Mixed In Key, der die Vorschläge musikalisch analysiert und kontextbezogen aus dem vorhandenen Material ableitet.

Top-Gun-Ästhetik

Schon beim ersten Öffnen in meiner DAW of Choice, Pro Tools, fällt das durchdachte Design auf. Mit einer dezenten, aber stilvollen „Top Gun“-artigen Optik ausgestattet, macht das Plugin seinem Namen alle Ehre. Wie der sprichwörtliche Wingman von Tom Cruise hält dieses digitale Helferlein dem Komponisten den Rücken frei, übernimmt die Flankendeckung und bewahrt einen potenziell vor kreativen Sackgassen.

Dabei ist Wingman keineswegs nur auf das reine Generieren von Akkorden und Basslines beschränkt. Das Konzept funktioniert vielmehr als eine kleine musikalische Produktionsumgebung innerhalb der DAW. Wer eine Idee erzeugt hat, kann sie direkt mit eigenen Sounds previewen, rhythmisch verändern und mit Effekten bearbeiten. Dafür stehen unter anderem ein Rhythm Editor, verschiedene Rhythmus-Presets für Akkorde und Basslines sowie eine integrierte Effektsektion zur Verfügung.

Dass dieses kühne Konzept nicht nur auf dem glänzenden Marketing-Papier funktioniert, untermauern die zahlreichen Accolades auf der Website des Herstellers. Wenn namhafte Hit-Songwriter wie Diplo und Top-Tier-Produzenten sich öffentlich zu einem Tool bekennen, stellt das eine handfeste Legitimation dar.

Der Elefant im Raum

Man kommt in einem Review im Jahr 2026 nicht umhin, den sprichwörtlichen Elefanten im Raum zu adressieren: Künstlich generierter Content und alles was in die Nähe von AI und Retorte geht, ist fraglos das alles überschattende Trendthema – oder besser gesagt: das absolute Reizthema unserer Zeit, je nach persönlicher und beruflicher Sichtweise. In nur wenigen anderen Bereichen hat die einst als Heilsbringer gehypte Technologie einen derart schlechten Ruf wie in der traditionellen Kreativbranche.

Und das geschieht oftmals völlig zu Recht! Immerhin schwemmen Retortenbands, algorithmisch generierte Playlists und unerträglicher „AI Slop“ die Streaming-Plattformen und letztlich sämtliche Kanäle. Was beispielsweise schon in der klassischen Werbung nervt, wird in der Musik direkt als Affront gesehen. Es gibt Heerscharen von „Producern“, die es sich allzu einfach machen wollen und der Kunst ihre menschliche Unvollkommenheit rauben. Angesichts der aktuellen, hochkochenden Diskussionen über die drastische Entwertung und Automatisierung künstlerischer Arbeit mag der bloße Ansatz von Wingman also bei vielen Puristen und Vollblut-Musikern sofort alle Alarmglocken schrillen lassen.

Allerdings gilt hier: Gemach, gemach! Man hat es bei Wingman eben nicht mit einer dieser berüchtigten generativen Text-to-Audio-Plattformen zu tun, die einem auf Knopfdruck („Mache mir einen Hit im Stil von The Weeknd“) die eigentliche kompositorische Arbeit abnimmt. Garbage In bedeutet auch hier Garbage Out.

Genauso wie es bei allen großen LLMs (Large Language Models, also ChatGPT und Konsorten) der Fall ist, greift auch hier das eherne Grundgesetz der digitalen Welt: Wingman ist nur exakt so gut wie der Input, den man ihm zur Verfügung stellt. Das Plugin agiert nicht im luftleeren Raum. Es „hört“ innerhalb der DAW quasi mit und macht auf Basis der von uns selbst eingespielten Audio- oder MIDI-Files konkrete Vorschläge, wie es mit dem Song weitergehen könnte. Es analysiert also das vorhandene Material und versucht, daraus musikalisch passende Ergänzungen abzuleiten.

Das ist ein entscheidender Unterschied. Wer Wingman mit einer eigenen Vocalspur, einem Loop, einem Stem oder einem kompletten Track füttert, erhält Vorschläge, die sich auf genau dieses Material beziehen. Zusätzlich verfügt das Tool über eine integrierte Stem-Separation, mit der sich Audio beispielsweise in Vocals, Bass, Drums und weitere Bestandteile aufteilen lässt. Auch Audio-to-MIDI gehört zum Funktionsumfang: Audiomaterial kann in editierbares MIDI umgewandelt werden, um daraus beispielsweise Melodien neu aufzubauen, Harmonien darüberzulegen oder Samples gezielter weiterzuverarbeiten.

Es zeigt Pfade auf, wie man das Arrangement ausbauen und klanglich auffetten kann. Das heißt im Umkehrschluss: Wer das Plugin mit langweiligen, völlig uninspirierten Zwei-Akkord-Ideen füttert, bekommt am Ende auch kein epochales Magnum Opus heraus. Wingman liefert definitiv keine Instant-Genialität aus der Dose. Als „Composition Companion“ kann er aber Anreize schaffen, wie es mit der eigenen Komposition weitergehen kann.

Kreativ & Komplex

Um die wahre Magie des Plugins zu entfesseln, muss man sich mit „Wingman“ intensiv auseinandersetzen und spielen. Angesichts der mannigfaltigen und teils hochkomplexen Funktionen unter der Haube ist ein echter Einarbeitungswille gefragt. Das Tool erfordert detaillierte Arbeit mit Stems, die man erfreulicherweise ebenso wie isolierte WAV- und MIDI-Files nahtlos exportieren und wieder in die DAW importieren kann.

Gerade der Workflow rund um MIDI und Audio macht Wingman dabei interessant: Eine generierte Idee muss nicht zwangsläufig im Plugin verbleiben. Man kann sie als MIDI oder WAV exportieren und anschließend ganz klassisch in der eigenen DAW weiterbearbeiten.

PSP WOBBLER Test: The Dark Side of Modulation

Credit Bild:© PSP Audioware

Wer tief in die Studio-Historie von Pink Floyds Jahrhundertwerk The Dark Side of the Moon eintaucht, landet unweigerlich beim Intro von „Time“. Was sich dort klanglich abspielt, ist weit mehr als nur ein simpler Studio-Effekt – es ist eine absolute Meisterklasse der räumlichen Modulation. Wir hören schwebende, merkwürdig entrückte Texturen im Stereobild, die sich permanent in einem undefinierbaren Vakuum zwischen Phase, mechanischer Rotation und psychedelischem Flirren bewegen. Es ist genau dieses organische Atmen, diese greifbare Tiefe im Klang, die Produzenten und Sounddesigner bis heute fasziniert.

Was man in diesen Sekunden wahrnimmt, ist kein klassischer Phaser, kein Flanger und auch kein herkömmliches Leslie-Kabinett. Es ist das Resultat eines höchst obskuren, beinahe alchemistischen Studio-Experiments: eines handgebauten „Frequency Translators“. Alan Parsons, der als Toningenieur maßgeblich für die klangliche Vision des Albums mitverantwortlich war, setzte diesen Exoten damals gemeinsam mit dem findigen Techniker Keith Adkins ein, um jene unverkennbare Textur zu erschaffen.

Und genau dieses schwer greifbare Stück Studio-Mythologie – halb Effektgerät, halb unberechenbares physikalisches Phänomen – ist nun als Software-Plugin zurückgekehrt. Mit dem  Wobbler liefern PSP Audioware nicht nur eine detailverliebte Emulation ab, sondern können auch mit einem offiziellen Endorsement und der direkten, aktiven Beteiligung von Alan Parsons höchstpersönlich aufwarten. Ich das Tool getestet und uns auf die dunkle Seite der Modulation begeben.

Frequenzverschiebung: Der eigentliche Trick

Um zu verstehen, warum dieses Plugin klanglich so heraussticht, muss man einen Blick unter die Haube werfen. Der zentrale Unterschied zu herkömmlichen Werkzeugen – und zugleich das, was den Wobbler*für Produzenten so faszinierend macht – liegt im zugrunde liegenden DSP-Prinzip.

Während klassische Modulationseffekte wie Chorus, Phaser oder Flanger im Kern stets mit zeitverzögerten oder phasenverschobenen Kopien des Originalsignals arbeiten, setzt der Wobbler konsequent auf Frequency Shifting*(Frequenzverschiebung). Das bedeutet in der Praxis: Das Signal wird eben nicht einfach nur verdoppelt oder auf einer Zeitachse moduliert, sondern tatsächlich spektral, also in seiner absoluten Tonhöhe, verschoben. Das Resultat dieser Operation sind nicht-harmonische Phasenbeziehungen. Mischt man dieses bearbeitete Signal nun über den Dry/Wet-Regler dem Originalton bei, entsteht das charakteristische „Wobble“ – ein lebendiges, sich permanent bewegendes Interferenzmuster tief im Frequenzraum. Oder, um es abseits der trockenen Mathematik etwas weniger technisch und dafür musikalischer auszudrücken: Der Sound scheint sich auf organische Weise zu verbiegen und zu krümmen, ohne dass man als Zuhörer genau benennen könnte, *warum* das eigentlich passiert.

Klanglich operiert der *PSP Wobbler* in einem hochspannenden Niemandsland. Wer das Plugin auf eine Spur legt, hört: einen feinen Hauch von Phaser, einen Schuss metallischen Flanger, einen subtilen, organischen Rotary-Vibe und darüber hinaus einen Schuss schwer quantifizierbaren Mojo. Es klingt kein anderes Plugin wie der Wobbler.

PSP DATAMIX A567 Review: Electric Ladyland im Plugin-Format

Credit Bild:© PSP Audioware

Es gibt Studios, die sind mehr als nur vier Wände voller Mikrofone, Outboard-Gear und einem Mischpult. Sie werden irgendwann selbst Teil der Musikgeschichte. Das Record Plant und das Electric Lady Studio von Jimi Hendrix gehören zweifellos zu dieser Kategorie. Hier wurden einige der prägendsten Aufnahmen der Rockgeschichte produziert – und ein Teil dieses unverwechselbaren Sounds entstand dabei nicht zuletzt durch eine ganz spezielle, heute fast schon obskure Studiokonsole: die Datamix. Genau dort setzt das Plugin Datamix A567 von PSP an.

Das Plugin basiert auf einer frühen Datamix-Konsole, jenem eigenwilligen Stück Studiotechnik, das unter anderem von Eddie Kramer während der goldenen Ära von The Record Plant und Electric Lady eingesetzt wurde. Kramer, der als Engineer und Producer an legendären Aufnahmen von Jimi Hendrix, Led Zeppelin, KISS und zahlreichen weiteren Künstlern beteiligt war, ist ein eIkone unter den Producern und ein Mann mit Golden Ears. Die Alben an denen er arbeitete zählen noch Jahrzehnte später zu den audiophilsten Releases der an großartig klingenden Aufnahmen nicht gerade armen Classic Rock-Ära.

Historisch und Legendär

Und genau dieser historische Kontext ist beim A567 nicht bloß Marketing-Folklore. Das Plugin ist offiziell von Eddie Kramer abgesegnet und endorsed. PSP AudioWare hat sich also nicht lediglich irgendeinen Vintage-EQ zum Vorbild genommen, sondern versucht, einen ganz konkreten Teil dieser historischen Studiotechnik und deren klangliche Eigenheiten in die DAW zu übertragen. Das Ergebnis ist ein Equalizer, der sich von Anfang an gegen eine Erwartung stellt, die wir von modernen digitalen EQs längst verinnerlicht haben: Neutralität. Denn der Datamix A567 will vieles sein: aber nicht neutral. Es ist dies auch eines der Haupt-Wesensmerkmale so vieler analoger Vintage-Gear die der Sound-Aficionado liebt und in Ehren hält

So ist der Datamix A567 absolut  kein chirurgischer Equalizer. Er ist nicht primär dafür gedacht, Probleme millimetergenau aus einem Signal herauszuoperieren. Er ist dafür da, Sounds eine Identität zu geben. Mojo und Vibe lautet hier die Devise. Gute Refernzkopfhörer bzw Monitorboxen offenbaren dann auch schnell: das Signal bekommt einen schwer definierbaren Sound.Bonus hinzugefügt: Das beginnt bereits dort, wo man eigentlich noch gar nichts macht. Denn der A567 ist so konzipiert, dass er selbst mit sämtlichen EQ-Bändern in der Nullstellung alles andere als neutral klingt. Schon das bloße Durchschleifen eines Signals verändert dessen Charakter hörbar. Preamp- und Output-Stages sorgen für zusätzliche Färbung und Nichtlinearitäten. Oder anders gesagt: Dieses Ding arbeitet, selbst wenn man „nichts“ machst.

Genau das macht den A567 für bestimmte Quellen zu einem potenziellen Always-On- beziehungsweise Go-To-Effekt. Besonders auf Gitarrenspuren ist das extrem spannend. Man muss nicht erst aggressiv an den Frequenzreglern drehen, um einen Unterschied zu hören. Der Charakter ist bereits Bestandteil des Systems.

Analog Vibe

Dreht man an den Reglern, passiert nicht einfach nur „mehr Höhen“ oder „weniger Mitten“. Es passiert quasi Attitude. Im Kern folgt das digitale Datamix-Plugin der Logik analoger Geräte, bei denen man mehr mit den Ohren als mit den Augen arbeitet. Gerade ungewöhnliche oder auf den ersten Blick radikale Einstellungen können deshalb genau das Richtige sein. Es geht weniger darum, eine vermeintlich perfekte Kurve zu erzeugen, sondern darum, den Punkt zu finden, an dem ein Signal sich plötzlich richtig anfühlt.

TASCHEN Summer Sale 2026: Coffee Table Books zur Hebung des "Shelf Esteem"

Credit Bild: © Taschen Verlag

Wenn der Taschen Verlag seine Bücher aufschlägt und den Sommer stilvoll schließt…

Es gibt Rituale, die den Spätsommer erst vollkommen machen. Noch bevor sich – frei nach Rilke – die langen Schatten über die Sonnenuhren legen und der Sommer "sehr groß" gewesen ist, richtet sich der Blick der Buchwelt auf einen Termin, der längst selbst beinahe Klassikerstatus genießt: der Sale des Kölner Luxusverlags Taschen.

Anfang September ist es also wieder offen, jenes seltene Zeitfenster, in dem große Kultur, ikonisches Design und außergewöhnliche Fotografie plötzlich erstaunlich erschwinglich werden (bis zu -75% Rabatt).

Wer also schon immer mit großen Fotografen wie David Bailey oder Mario Testino durch die Modegeschichte flanieren, den Meisterwerken der Renaissance begegnen, in den Villen der internationalen Jetsets verweilen oder hinter die Kulissen legendärer Filme von Martin Scorsese bis FRancis Ford Coppola blicken wollte, findet zwischen den monumentalen Seiten der Taschen-Bände ganze Universen.

Den Auftakt bildet die Preview Party am Mittwoch, 2. September, von 17 bis 20 Uhr bei dem die Taschen Flagship Stores ihre Türen für einen genussvollen Abend öffnen: Drinks, entspannte Musik und die exklusive Möglichkeit, noch vor dem offiziellen Verkaufsstart durch die begehrtesten Titel zu stöbern.

Wer also den Sommer mit etwas mehr Stil als einem letzten Strandtag verabschieden möchte, findet zwischen meterlangen Bücherregalen vielleicht genau jenes Objekt, das noch viele Jahre den Wohnzimmertisch schmückt.

Die Termine im Überblick

Sale in den Flagship Stores Berlin (Schlüterstraße 39) & Köln (Neumarkt 3)

Mittwoch, 2. September, bis Samstag, 5. September

Preview Party
Mittwoch, 2. September, 17 bis 20 Uhr
Mit Drinks und exklusiver Vorschau auf die Sale-Highlights.

Online-Sale
Donnerstag, 3. September, bis Sonntag, 6. September
unter www.taschen.com

Credit Bild: © Taschen Verlag

Credit Bild: © Taschen Verlag

SYNAPSE AUDIO PROXIMA: Der unterschätzte Prophet im Plugin-Format

Credit Bild: © Synapse Audio

Dass sich Entwickler in der Welt der analoger Synthesizer-Emulationen vorrangig den unangefochtenen Monumenten der Musikgeschichte widmen, hat gute Gründe. Ein Prophet-5, ein Minimoog oder ein Jupiter-8 haben ganze Dekaden geprägt und ihren zeitlosen Status in der Studiowelt völlig zu Recht sicher. Doch abseits dieser Giganten schlummern in den Archiven der Synthesizer-Historie noch ganz andere, mitunter nicht minder spannende Instrumente. Mit dem Plugin Proxima richtet die deutsche Softwareschmiede Synapse Audio den Blick genau auf einen solchen klanglichen Schatz: den Sequential Circuits Prophet-600.

Im direkten Vergleich zum weitaus berühmteren großen Bruder, dem legendären Prophet-5, fristete der Prophet-600 in der öffentlichen Wahrnehmung ein Schattendasein. Dabei gebührt genau diesem Instrument ein historischer Ehrenplatz im Pantheon der Musiktechnologie: Als er Anfang der Achtzigerjahre auf den Markt kam, war er der allererste kommerzielle Synthesizer überhaupt, der eine serienmäßige MIDI-Schnittstelle aufzuweisen hatte. Zudem war er preislich deutlich erschwinglicher kalkuliert als der für viele unlesitbare Nobel-Kultsynth Prophet-5. Damit stieß er die Studiotüren weit auf und ebnete einer ganzen Generation von Musikern den Weg in die polyphone, vernetzte Studio-Zukunft.

Dunkle Schwere und Achtziger-Nostalgie

Dass Synapse Audio ein goldenes Händchen für die Rekonstruktion analoger Schaltkreise besitzt, haben sie in der Vergangenheit oft genug bewiesen – man denke an Hans Zimmers Cinematic Synth The Legend HZ oder ihre Oberheim-Emulation namens Obsession. Auch beim Proxima wird diese Expertise sofort spürbar. Jene charakteristische dunkle Bassigkeit und die physisch greifbare, analoge Schwere - die man getrost als klangliche Signature und Qualitätsmerkmal der Synthesizer-Designs von Synapse Audio bezeichnen darf - dominiert und zeichnet auch dieses Plugin in exemplarischer Weise aus. Der Proxima klingt nicht nach sterilem Code, er atmet den ungeschminkten, leicht unberechenbaren Geist echter Vintage Hardware.

Die popkulturellen Referenzen springen einen beim ersten Anspielen der Presets geradezu an. Die Synth-Pioniere der US-Band Mr. Mister sollen den Original-Synth angeblich intensiv bei ihrem Welthit „Kyrie“ eingesetzt haben - und exakt so klingt die Engine des Plugins auch: unverhohlen und kompromisslos nach den glorreichen Eighties. Das ist Nostalgie pur, allerdings ohne den typischen, dünnen Plastik-Beigeschmack.

Der „kleine“ Prophet

Hinter der nostalgischen Fassade verbirgt sich jedoch noch mehr: nämlich ein beachtliches Arbeitspferd für den modernen Studioalltag. Die dem Original inhärente Flexibilität wurde von Synapse Audio perfekt in die digitale Domäne übersetzt und erweitert, etwa um die bekannten Modulationseffekte des Herstellers.  Der Proxima erweist sich als erstaunlich vielseitiges Chamäleon: Charakteristische, wunderbar schräge „Faux Strings“, dichte, analog flirrende Pads und markerschütternde Bass-Strukturen, die im Low-End wunderbar aufräumen - hier ist schlicht alles da, was das Producer-Herz begehrt. Der Synth lädt mit seiner aufgeräumten Oberfläche dazu ein, zu experimentieren. Es ist faszinierend, wie mühelos der Spagat zwischen historisch akkurater Retro-Ästhetik und modernem, Mix-ready-Sounddesign gelingt. Jedes Filter-Routing und jede Modulationsstufe verhält sich so organisch, wie man es von erstklassigen analogen Emulationen erwartet.

UVI RUMBLE Test: It’s all about The Bass

Credit Bild: © UVI

Es ist eine grundlegende Wahrheit im weiten Feld der  Musik: Der Bass bildet meist das unumstößliche Fundament, die architektonische Basis, auf der viele  gelungene Produktion ruhen -  und das gilt ganz besonders im modernen „Synth Land“. Die Bandbreite dessen, was der tieffrequente Bereich heute leisten muss, ist gewaltig. Sie reicht von den federnden Basslines bis hin zu den dräuenden, von tiefem Unheil kündenden Akzenten des modernen Satzbettes im zeitgenössischen Scoring. Denken wir nur an John Carpenters minimalistische, unter die Haut gehende Pedal Tones, die pure Paranoia evozieren, oder im krassen Gegensatz dazu an jene markerschütternden Subs und rhythmischen Breaks, welche die aufgepeitschte Menge auf einem hippen Dance Festival zur Ekstase treiben. Bass und Synthesizer — das ist seit jeher eine symbiotische Verbindung, eine Liebesbeziehung der organischen Urgewalt.

Genau hier setzt die französische Softwareschmiede UVI mit ihrem neuesten Wurf Rumble an. Ein Instrument, das dezidiert dafür entwickelt wurde, den vielschichtigen Ansprüchen moderner Low-End-Ästhetik gerecht zu werden. Es geht um jenes physische Gewicht, den Punch, die messerscharfe Artikulation und die subtile Bewegung, die  bassgetriebene Musik heute zwingend verlangt. Um dieses Versprechen einzulösen, geht UVI architektonisch einen extrem ambitionierten Weg: Jedes Frequenzband wird strukturell als eigenständige, vollkommen autarke Synthesizer-Engine behandelt. Drei parallele Kraftwerke speisen hier am Ende einen einzigen, absolut monumentalen Gesamtsound.

Let’s get ready to RRRumble

Ähnlich sonor und markerschütternd wie Michael Buffers legendäre Intros im Boxring tönt auch das, was diese spezialisierte Bass-Maschine aus den Studiomonitoren drückt. Rumble ist kein Allrounder, sondern ein hochgradig fokussiertes, mächtiges und massives Werkzeug. Unter der elegant gestalteten Haube verbirgt sich ein beachtliches Arsenal an klangformenden Elementen: Neun hochentwickelte Oszillatormodelle treffen auf sechs hochpräzise Filterschaltkreise, flankiert von zehn flexiblen Effektketten und sage und schreibe 33 Modulationsquellen.

Das klangliche Gehirn dieses Plugins basiert auf einer dreigeteilten Architektur, die Frequenzen konsequent trennt und formt. Die drei Sektionen „Body“, „Character“ und „Air“ verfügen jeweils über ihren ganz eigenen Oszillator, einen dedizierten Waveshaper sowie maßgeschneiderte Effekte. Erst nach dieser individuellen Bearbeitung konvergieren die Signale im finalen Signalfluss und durchlaufen eine gemeinsame Filterstufe, einen präzisen Multiband-Kompressor und einen Master-EQ. Das Ergebnis dieses aufwendigen Layerings von Sub-, Mitten- und Hochfrequenzanteilen ist eine ungemein druckvolle, perfekt zusammengeschweißte klangliche Stimme, die sich im Mix sofort behauptet.

Rumble in the Jungle

Ob man nun im staubigen Untergrund des Deep Drum & Bass und Jungle operiert oder hochglanzpolierte Tracks für den kommerziellen House-Mainstream schraubt — *Rumble* erweist sich in fast jeder elektronischen Spielart als absoluter Budget-Tipp mit Premium-Charakter. Der Synth besitzt eine bemerkenswerte klangliche Modernität. Sounddesigner, die epische Scores für das Breitwand-Kino realisieren müssen, werden hier mit Leichtigkeit Patches kreieren, die von der bedrohlichen Ankunft eines außerirdischen Monsters in einem Sci-Fi-Spektakel künden. Die Attack-Zeiten sind knackig, das Low-End bleibt auch bei extremen Frequenz-Exkursionen stabil und verwaschene Phasenprobleme sucht man hier vergebens. Gleichzeitig zeigt sich das Plugin flexibel genug, um auch die urbanen Genres der Clubmusik mit der nötigen Portion Schmutz und Durchsetzungskraft zu bedienen.

Lieben Sie Braaams?

Der berühmte Romantiker hätte angesichts dieser Bassgewalt wohl schockiert das Weite gesucht, doch für den modernen Connaisseur feingetunter Verzerrung ist die integrierte „Fuzz Control“ ein wahres Fest. Wenn der Grundsound nämlich einmal nicht bissig oder „gnarly“ genug sein sollte, lässt sich das Signal über diese Sektion wunderbar anknuspern oder komplett in ein harmonisches Sättigungs-Nirwana treiben. Überhaupt lädt die Benutzeroberfläche dazu ein, das Feld der Bass-Sounds bis ins kleinste Detail zu customizen und zu tweaken. Die Modulationen greifen präzise, und dank der klugen Aufteilung der Frequenzbänder verliert man selbst bei drastischen Klangexperimenten nie das tonale Fundament im Frequenzkeller.

BOGREN AMPKNOB DUET & FATMAN Test: Schwedischer Minimalismus trifft amerikanische Amp-Historie

Credit Bild: © Bogren Digital

Credit Bild: © Bogren Digital

Die schwedische Plugin-Schmiede Bogren Digital – das Brainchild des international renommierten Metal-Produzenten Jens Bogren – hat sich seit einigen Jahren einen exzellenten Namen im Bereich der Amp-Sims gemacht. Diese richteten sich bislang jedoch dezidiert an jene Fraktion, die in die Heavy- und kompromisslos verzerrte Schiene tendierte. Mit den neu erschienenen Plugins Fatman & Duet wagen sich die Skandinavier nun jedoch aus ihrer Komfortzone heraus und erstmals tief in klassisch kalifornische Gefilde – mitten hinein in den klanglich so sensiblen Bereich von Clean- und Edge-of-Breakup-Tones und Sounds fender´schen Zuschnitts.

Das ist zweifelsohne ein überaus interessanter, ja mutiger Schritt. Denn ebenso wie es bei einer akkuraten britischen Amp-Sim oder einem tight artikulierenden, rhythmischen Chug-Chug-High-Gain-Sound auf die allerletzten Nuancen und Details ankommt, so ist auch der klassisch amerikanische Bereich eine absolute Kunst für sich. Dieses ganz spezifische klangliche Biotop lebt von einem hochgradig subtilen Zusammenspiel: dem klassischen Klangideal nach Leo Fender, dem perfekten Reverb und jenen geradezu filigranen Schattierungen und dynamischen Übergängen, bei denen ein cleaner Ton bei härterem Anschlag ganz leicht in den Overdrive kippt.

Also holen wir die Stratocaster und Telecaster aus dem Koffer, stöpseln uns direkt ins Interface ein, wählen Pro Tools auf und werfen einen Blick auf zwei digitale Amps, die nach Verstärkern modelliert wurden, die Teil des Inventars von Bogrens eigenem Fascination Street Studio in Örebro sind.

Der Fatman: Prototypischer Tweed mit Reverb-Upgrade

Credit Bild: © Bogren Digital

Beginnen wir mit dem Fatman, der sich stilvoll in feinsten, wenngleich stark in Mitleidenschaft gezogenen Tweed-Bezug hüllt. Das skeuomorphisch enorm attraktiv und fotorealistisch gestaltete GUI orientiert sich unverkennbar am legendären Fender Bassman. Einem klassischen Röhrenverstärker, der – wie der Name schon unmissverständlich sagt – in den Fünfzigerjahren eigentlich für Bassisten entworfen wurde. Historisch gesehen wurde er jedoch eher selten von ebenjenen Tieftönern verwendet, sondern rasch von findigen Rock-’n’-Roller und Bluesern mit der Sechssaitigen adoptiert. Der Grund dafür lag schlicht in seiner ungemein gitarrenfreundlichen, warmen und durchsetzungsstarken Klangcharakteristik.

Während der Amp im historischen Original eigentlich keinen integrierten Federhall aufweist, wird er hier virtuell mit einem zusätzlichen Reverb ausgestattet(überdies kann man bei beiden dieser neuen Bogren-Plugins auch einen Room Reverb-Sound hinzumischen). Der „Haupt-Hall“ ist ein klassischer Federhall, „scheppert“ authentisch und erweitert den sehr direkten Bassman-Sound um eine wunderschöne, dreidimensionale Tiefe, die sofort für Atmosphäre sorgt. Wenn man den „Fatman“ spielt, merkt man sofort, dass Bogren den Fokus auf genau jenen prototypischen Bassman-Sound gelegt hat, der diesen Amp-Klassiker so berühmt gemacht hat: Es ist dieser aggressive, aber dennoch niemals schneidende Growl, der jeden Single-Note-Lick wie von selbst in den Vordergrund drückt. Beeindruckend ist, wie der Fatman auf die Dynamik des Anschlags reagiert. Es ist ein Sound, der von „tief und warm“ bis hin zu „dreckig und spitz“ alle Nuancen des klassischen Blues- und Rock-Spektrums abdeckt: das klingt nach Stones, Black Crowes, Buddy Guy.

Durch die der Ampknob-Reihe eigene  Reduktion auf ein Mindestmaß an Knöpfen sind nicht zwar alle Sounds, die man mit einem Fender-Tweed erreichen kann, möglich, woran auch der recht subtile, nicht tweakbare Boost nichts ändert. Den typisch kernigen Tweed-Sound fängt dieses Plugin dennoch gut ein.

Der Duet: Glockige Brillanz und die Philosophie der Reduktion

Credit Bild: © Bogren Digital

Das zweite Plugin im Bunde lehnt sich klanglich unmissverständlich an den legendären Blackface Twin Reverb an. Wo der Fatman eher in den rauen Mitten lebt, zeigt sich der Duet als absoluter Meister der glockigen, obertonreichen Brillanz. Bogren hat es geschafft, diese typische, fast schon hifi-artige Färbung des Originals einzufangen, die den Sound so groß, weit und dreidimensional wirken lässt.

Betätigt man den Boost-Schalter, bekommt das Signal eine seidige Kompression und einen dezenten Mitten-Push – ganz im Stile eines klassischen, sanft eingestellten Tubescreamers vor einem cleanen Amp. Der Duet liefert exakt jenen unfassbar weiten, perlenden Sound, der ihn zur ultimativen Pedal-Plattform im Studio macht. Selbstverständlich kann jedoch auch dieser cleane Riese wunderbar organisch in die Sättigung gefahren werden. Neben dem obligatorischen Spring- und Room-Reverb bringt der Amp zudem ein herrlich analoges Tremolo mit, das dem cleanen Fundament das finale Vintage-Finishing verleiht und sicher zu den Highlights dieses Plugins zählt. Cleane bis leicht angezerrte Akkorde und Single Note Lines - man denke etwa an das Americana-Genre -  klingen mit diesem Plugin großartig, wer jedoch den perfekten texanischen Blues Rock Sound inkl. prägnantem Mid Frequency-Push sucht, findet mit diesem Plugin eher nicht das perfekte Match.