21 JAHRE - WIE ICH NIKKI SIXX WURDE

Credit Coverbild: © Hannibal Verlag

Can a song save your life? Nun, dies ist zwar kein Titel aus dem Repertoire der  L.A.-Sleaze Rocker Mötley Crüe - aber ein Song bzw. ganz generell der Rock N' Roll an sich kann das Leben definitiv verändern. Frank Feranna besser bekannt als Nikki Sixx, ist hierfür ein gutes Beispiel - nahm seine Biographie nach dem Epiphanie-Erlebnis rebellischer Musik doch eine drastische Wendung: Aus schwierigen Verhältnissen stammend schien sein Weg vorgezeichnet, eine blendende Zukunft hätten ihm wohl die wenigsten beschieden. Beflügelt von ganz ähnlichen Träumen wie man sie in so gut wie allen Musikerbiographien findet, schaffte er es der provinzielle Enge seiner Kindheit zu entkommen  und schließlich Mitbegründer, Hauptsongwriter und Bassist von Mötley Crüe zu werden.

Letztere Station ist jedoch explizit nicht Gegenstand von Sixx´ neuestem Buch "21 Jahre", das ein Quasi-Prequel zu "The Dirt" darstellt. Wäre dies keine Autobiographie  könnte man von einem Entwicklungsroman sprechen, immerhin ist  die Transformation Ferranas zum  - je nachdem wen man fragt - Liebling/Schrecken vom Sunset Strip durchaus beachtlich.

Wenn das Buch im titelgebenden Lebensjahr schließlich seinen Klimax erreicht ist es - und das ist nun nicht einmal ein Spoiler - zu Ende, vor der eigentlichen Ruhmesgeschichte kommt der beinahe an TV-Serien gemahnende Cliffhanger. Davor gibt es die mitunter harten Lehrjahre vor der Weltkarriere, "It´s A Long Way To The Top If You Wanna Rock N´ Roll" wussten schon AC/DC. Die Fortsetzung folgt dann eben in "The Dirt", das noch immer eines der besten Rockbücher ever ist.

So einiges was man in "21 Jahre"  liest hat man dort bereist gelesen. Ob es bei Sixx nun also tatsächlich eine Trilogie an Biographien braucht (neben "The Dirt" erschien noch die Suchtchronik "The Heroin Diaries") sei einmal dahingestellt. Der Erfolg gibt dem Bassman der Hair Metal-Ikonen durchaus Recht, immerhin ist Sixx gerade in den USA ein äußerst populärer Bestseller-Autor, dem nicht nur das Songwriting im Blut liegt, sondern auch das Storytelling in seinen Büchern. 

 "21 Jahre" richtet sich eher an die Hardcore-Crüe Fans, die wirklich jedes Detail aus dem frühen Leben des Nikki Sixx wissen wollen. Dennoch ist diese Coming Of Age-Geschichte packend und kurzweilig - und immer dann am besten, wenn Sixx äußerst plastisch und anekdotenreich die Musik-Szene in der Stadt der Engel beschreibt.

 21 JAHRE  - WIE ICH NIKKI SIXX WURDE, erschienen im Hannibal Verlag

ALFRED WERTHEIMER: ELVIS AND THE BIRTH OF ROCK AND ROLL

Credit Bild: © Alfred Wertheimer / Courtesy Taschen 

Als der junge Fotograf Alfred Wertheimer im Jahre 1956 den Auftrag annahm einen amerikanischen Sänger und Gitarristen aus Tupelo, Mississippi zu begleiten war das Phänomen Rock N´ Roll erst wenige Jahre alt. In zuvor ungehörter Weise hatte jener Mann, den Wertheimer fotografieren sollte, die weiße und schwarze Musiktradition zu Rockabilly und Rock N´ Roll verschmolzen und damit den in Echo getränkten Sound einer Revolution geschaffen. Der Name dieses Mannes war Elvis Aaron Presley, die Bilder die Wertheimer von dem neuen amerikanischen Star schießen sollte wurden nicht nur Dokumente einer Ära sondern auch karrierebestimmend für den Fotografen selbst.

Passend zum Kinostart von Baz Luhrmanns Elvis-Biopic legt der  Taschen Verlag  seinen bereits vor einigen Jahren erschienen Bildband mit Wertheimers Aufnahmen neu auf. Diese Edition ist etwas kompakter als die großformatige ältere Auflage, auch das Covermotive wurde geändert und den Buchrücken ziert nun ein  goldener Prägedruck. Gleich geblieben ist, dass dieses Buch in hervorragender Weise die  Zeit  nach Elvis´  Pionieraufnahmen bei Sam Philips legendären Sun Records in Memphis dokumentiert.

Auffallend ist dabei die geringe Distanz zwischen dem Star und dem Fotografen, der stets sehr nah dran am Geschehen war und durch seine Momentaufnahmen den Alltag des Kings in plastischer Weise nachvollziehbar macht. Wertheimer dokumentierte nicht nur Presleys Arbeit auf der Bühne oder wie er von Massen von Fans bestürmt wird, sondern begleitete den King auch in Momenten abseits des gleißenden Scheinwerferlichts und der öffentlichen Aufmerksamkeit - etwa  bei Recording Sessions im Studio oder auch in ganz privaten Momenten. Auch als unter jenes Kapitel ein Schlussstrich gezogen wurde und der Soldat Elvis jenes Schiff  bestieg, das ihn nach Deutschland bringen sollte, war Wertheimer mit seiner Kamera dabei.

Credit Bild: © Alfred Wertheimer / Courtesy of Taschen 

Credit Bild: © Alfred Wertheimer / Courtesy of Taschen 

Credit Bild: © Alfred Wertheimer / Courtesy of Taschen 

Die ebenso expressiven wie ikonischen Aufnahme einer Ikone machten den Mann, der den Auslöser betätigte, selbst berühmt. Sein beeindruckendes Gespür für perfekte, atmosphärische Bildkomposition merkt man auf jeder Seite. Zudem sind die hier gezeigten Bilder nicht nur großartige Werke der frühen Phase moderner Musik-Fotografie sondern auch Zeitdokumente einer Ära, als das Genre des Rock N´ Roll noch jung war.

Credit Coverbild: © Alfred Wertheimer Taschen 

Alfred Wertheimer:Elvis And The Birth Of Rock And Roll

Alfred Wertheimer. Chris Murray, Robert Santelli, Hardcover, 22,4 X 31,6cm, 336 Seiten, taschen.com

MUHAMMAD ALI 80: THE FIGHT

 

Credit Coverbild: © Taschen 

SCHWERGEWICHTIGE RETROSPEKTIVE AUF EINEN JAHRHUNDERT-SPORTLER RUNDE 2

10 Millionen steuerfreie Dollar Preisgeld, ein Boxkampf mit hochpolitischen Dimensionen, gut 60. 000 Fans die martialisch enthusiasmiert "Ali Bomaye" ("Ali, Kill Him") skandieren, extreme Hitze,  ein Diktator,...und ein Ringkampf mit einem Alligator?

Die Ingredienzen für das im neuen Bildband "The Fight" dokumentierte Event sind gelinde gesagt spektakulär. Besagter "Fight" ist der legendäre "Rumble In The Jungle": Ali vs. Goerge Foreman am 30. Oktober 1974 in Kinshasa, Zaire (heute: Demokratische Republik Kongo). Für manche ist dies der wichtigste Kampf in Alis gesamter Karriere, für andere nichts weniger als das größte Sportereignis aller Zeiten. In jedem Fall handelt es sich um einen prägenden Moment für den afrikanischen Kontinent sowie eines der denkwürdigsten Comebacks im Boxsport (Ali holte sich dort jenen Weltmeistertitel zurück, dem man ihn in den USA - politisch motiviert aufgrund seiner Wehrdienstverweigerung- aberkannt hatte),

Der ebenso berühmte wie berüchtigte Boxpromotor Don King tat alles dafür, dass der Showdown zwischen dem damals bereits 32-jährigen und in zuvor absolvierten Kämpfen nicht mehr haushoch überlegenen Ali und George Foreman, den als Buchmacher-Favorit der Nimbus des Unbesiegbaren umgab, zu einem medialen Großereignis wurde.  Zaires Diktator Mobutu Sese Soko konnte von King überzeugt werden, den Fight in seinem Reich abzuhalten, gute Promo für das arme Land war damit gewiss. Ganz nebenbei würde das immense Preisgeld durch diesen Austragungsort nicht von der amerikanischen Steuerbehörde belangt werden können. Im Rahmenprogramm fand überdies ein überaus prominent besetztes Konzert mit Stars wie B.B. King, James Brown Miriam Makeba, The Spinners und  The Crusaders statt.

All dies hätte schon gereicht um den "Rumble" zu einem bemerkenswerten Event zu machen. In diesem Fall kam jedoch noch eine politisch brisante Komponente hinzu. Ali, der sich schon im Jahrzehnt zuvor kein Blatt vor den Mund genommen hatte, wenn es um die Rechte der Schwarzen ging, wurde von der Bevölkerung Zaires als einer der Ihren und sogar als Repräsentant Afrikas gesehen. 
Forman hingegen wurde als Vertreter der weißen Amerikaner geradezu geschmäht. Dass er sich noch dazu einen PR-Fauxpas leistete, in dem er in Zaire mit einem deutschen Schäferhund auftrat (einem Symbol für die traumatische Kolonialismus-Vergangenheit des ganzen Kontinents) tat sein Übriges. Von seinem Sieg zeigte sich der stets selbstbewusste Ali im Vorfeld überzeugt: Das "Wrestle With An Alligator"-Zitat vom Beginn dieses Reviews stammt aus einer seiner ebenso legendäre gewordenen Pre-Fight-Reden, mit denen er unterstrich wer  hier "the baddest boxer in town" ist.

Credit Bild: © Neil Leifer   Taschen 

Credit Bild: © Neil Leifer   Taschen 

Credit Bild: © Neil Leifer   Taschen 

Credit Bild: © Neil Leifer   Taschen 

Mit dabei in Zaire war auch Autor und Journalist Norman Mailer. Sein Augenzeugenbericht über den "Rumble In The Jungle"  bildet den Textteil dieses Bildbands und ist eine Sternstunde kreativen Schreibens und eine der  Benchmarks für mitreißende Berichterstattung. Warum dieser unterhaltsame Artikel in diesem doch recht umfangreichen Großformatband nur in gekürzter Version reproduziert wurde, bleibt allerdings ein Geheimnis. Die Stimmung die damals in Zaire herrschte und die Faszination dieses Kampfs, der seinerzeit ein Milliardenpublikum vor die TV-Schirme lockte, lässt sich durch die Verbindung von Mailers ungemein mitreißenden Beschreibungen und den dynamischen Fotografien Neil Leifers dennoch sehr gut nachvollziehen.

Norman Mailer. Neil Leifer. Howard L. Bingham. The Fight Hardcover, 28 x 33,8 cm, 2,72 kg, 260 Seiten ISBN 978-3-8365-9149-2 Ausgabe: Englisch taschen.com

MUHAMMAD ALI 80: GREATEST OF ALL TIME

Credit Bild: ©  GOAT/Taschen 

SCHWERGEWICHTIGE RETROSPEKTIVE AUF EINEN JAHRHUNDERT-SPORTLER RUNDE 1 

"Float like a butterfly, sting like a bee" - mit diesem für damalige Verhältnisse höchst ungewöhnlichen und eigenwilligen Kampfstil revolutionierte Muhammad Ali den Boxsport. Leichtfüßig tänzelnd  brachte er nicht nur seine Kontrahenten zu Fall sondern auch eine neue athletische Dynamik ins Schwergewichts-Boxen. Dass der medial ungemein präsente Ali damit gleich einen eigenen Slogan hatte, war letztlich nur folgerichtig. 

Denn anders als zahlreiche durchaus nicht unprominente Boxer vor ihm war er selbst recht schnell zu einer Marke geworden. Den amerikanischen Traum personifizierte der 1942 in Louisville, Kentucky als Cassius Clay in ärmlichen Verhältnissen aufgewachsene Sportler sowieso. Doch die "Brand" Ali begeisterte selbst jene an, die sich sonst eher wenig mit dieser Sportart befassten, wodurch sein Einfluss nicht an den Pfosten des Rings endete. Zu konstatieren, dass mit ihm der Prototypus des modernen Boxers geboren wurde, ist ein Superlativ das dem selbstbewussten Ali wohl durchaus gefallen hätte. Darüber hinaus ist dies nicht einmal eine Übertreibung. Vieles von dem was heute aus dem Boxsport nicht mehr wegzudenken ist - mediale Inszenierung und Provokationen des Gegners vor dem Kampf inklusive - geht großteils auf jenen Mann zurück, der sich selbst einmal als "The Greatest" bezeichnet hatte.

Heuer wäre er 80 Jahre geworden (Ali der lange unter Parkinson gelitten hatte, starb 2016 nach einem septischen Schock). Anlässlich dieses runden Jubiläums erscheinen im Taschen Verlag zwei großformatige Bildbände, in der man die ebenso außer- wie ungewöhnliche Karriere dieses Jahrhundert-Sportlers Revue passieren lassen kann.

Credit Bild: © GOAT/Taschen 

"Greatest Of All Time" - kurz GOAT -  dokumentiert den Aufstieg Clays/Alis, seine größten Fights, die Erfolge und auch die Rückschläge. Die ursprüngliche Erst-Auflage von GOAT war eine limitierte "Collector´s Edition", die günstigere  Neuauflage wurde von satten 23 Kilo auf unter 7 Kilo abgespeckt - in die echte Leichtgewichtsklasse fällt dieser Band damit letztlich jedoch noch immer nicht. 

Durch extra für dieses Buch geschriebene Essays sowie eine Auswahl der besten historischen Artikel und Interviews hat dieser Hochglanz-Bildband Züge einer Biographie. Die gezeigten Aufnahmen sind teils spektakulär, Bilder wie Neil Leifers Shot von Ali, der den am Boden liegenden Sony Liston zum Weiterkämpfen auffordert, gehören zu den ikonischen Momenten der Sportfotografie - und unterstreichen den "Larger Than Life" Charakter der Hauptfigur dieser Monographie, die sowohl den Appeal dieses Sportler nachvollziehbar macht - und  Ali auch als Teil der Popkultur zeigt. 

Ein Boxkommentator würde über dieses Buch wohl atemlos "It´s a Knockout" in sein Mikro rufen.

Credit Bild: ©  Neil Leifer, GOAT/Taschen 

Greatest of All Time. A Tribute to Muhammad Ali Hardcover mit Ausklappseiten, 33 x 33 cm, 6,86 kg, 652 SeitenISBN 978-3-8365-2067-6 Ausgabe: Englisch   taschen.com

SIMON MCBRIDE – THE FIGHTER

Credit Coverbild: © earMusic

Besucher der ersten Deep Purple-Gigs seit Beginn der Corona-Pandemie werden derzeit ein neues Gesicht an der Sechssaitigen erkennen. Denn Steve Morse, der langjährige Gitarrero der Rock-Legenden fällt erstmals seit 1996 für längere Zeit aus. Familiäre Verpflichtungen (Morse kümmert sich um seine krebskranke Ehefrau) haben zu diesem temporären Besetzungswechsel geführt.  

Erstklassigen Ersatz für Morse fanden 

Ian Gillan & Co. in Simon McBride - für viele noch kein "Household Name",  Szenekennern jedoch für seine beeindruckenden Fähigkeiten am Instrument, solide Soloplatten sowie seine Kollaborationen mit Ex-Whitesnake-Musikern  sowie mit Purple-Sänger Ian Gillan und Don Airey bekannt.

McBride stammt aus Belfast, eines jener Pflaster auf der grünen Insel,  welches für einige Virtuosen bekannt ist. Dass etwa Gary Moore ein prägender Einfluss für McBride war und ist,  hört man klar heraus. Überhaupt erinnern so einige Merkmale in seinem Stil  an die Großen der Gitarrenzunft: gerade was seine Präzision und seine Affinität zu melodischen Soli und lässigen Riffs anbelangt.Es sind dies auch jene Merkmale die sein neu erschienenes, biographisch gefärbtes Solo-Album,  „The Fighter“ prägen. 

Auch ohne ganz große Hitsongs im klassischen Sinne ist dieses im Spannungsfeld zwischen Tradition und Moderne stehende Werk ein Genuss für gitarren-affine Zuhörer -  nicht zuletzt aufgrund  der  großartigen Sounds, die McBride seinen Instrumenten entlockt und der  immens druckvollen und dynamischen Produktion.

Paul McCartney 80: Eine Biographie in Songtexten

 

Credit Bild: © C.H. Beck Verlag

Anders als ein Großteil seiner Kollegen, die so wie er in den Sechzigern Berühmtheit erlangten, hat Paul McCartney bislang tatsächlich nie Memoiren verfasst. Das Beleuchten dieses besonderen Lebens, welches ihn von Liverpool in die Ruhmeshalle der Pop- und Rockgeschichte führte, überließ er so stets anderen. Bis jetzt. Denn kurz vor seinem 80. Geburtstag legte Sir Paul mit „Lyrics“ doch noch so etwas wie eine Rückschau auf sein bisheriges Leben und seine Karriere vor. Anders als es der Titel zunächst vermuten lässt, ist dieser aufwendig gestaltete Doppelband im Schuber jedoch nicht nur eine Sammlung von Songtexten sondern eine detaillierte Autobiographie - wenngleich eine eher unkonventionelle, geht Sir Paul hier doch nicht chronologisch vor sondern entwirft eine Retrospektive anhand einer Auswahl seiner Werke. Und das ergibt Stück für Stück oder Lied für Lied ein sehr detailliertes Bild dieser Legende.

Den Schlüssel zum Verständnis dieses faszinierenden Buchs liefert der Musiker im Vorwort gleich selbst: „Unzählige Male wurde ich schon gebeten, eine Autobiografie zu schreiben, aber nie war die richtige Zeit dafür. Meist zog ich Kinder groß oder war auf Tournee – beides ist nicht ideal, wenn man sich über lange Strecken konzentrieren möchte. Das einzige, was immer ging, egal ob zu Hause oder unterwegs, war Songs zu schreiben. Wenn Leute erst mal ein gewisses Alter erreicht haben, greifen sie gerne auf Tagebücher oder Terminkalender zurück, erinnern sich Tag für Tag an vergangene Ereignisse, aber solche Aufzeichnungen habe ich nicht. Was ich habe, sind meine Songs – hunderte – und eigentlich erfüllen sie denselben Zweck. Sie umspannen mein gesamtes Leben.“  

Ein ganzes Leben in den Zeilen von Liedern, bei McCartney trifft dies in besonderem Maße zu. Über 400 Songs hat er geschrieben, 150 wurden für "Lyrics" ausgewählt und repräsentieren die unterschiedlichen Stationen und Entwicklungen eines Künstlers, der zwar schon früh seine ganz persönliche Handschrift gefunden hat und dennoch bis heute neugierig und experimentierfreudig geblieben ist. 24 Gesprächs-Sessions zwischen McCartney und dem Dichter und Pulitzer-Preisträger Paul Muldoon, die zwischen 2015 und 2020 stattfanden,  bilden die Basis dieser Bände. Der irische Poet fungierte dabei als Editor der  Erinnerungen des Songpoeten. Der informell-sympathische Stil der McCartney´schen O-Töne ist dem Fan aus unzähligen Interviews wohlbekannt. Hier geht er beinahe in „Amarcord“-Manier zurück zu seiner Kindheit im Nachkriegs-Liverpool und dem Ursprung seiner musikalischen Passion.  Schon früh zeigte sich bei dem Jungen aus der englischen Hafenstadt ein untrügliches Gespür für Ton- und Akkordfolgen. Als Vierzehnjähriger begann er Songs zu schreiben, er selbst spricht von einem instinktiven Akt. Zunächst studierte er seine Rock N´ Roll-Idole und lernte anhand deren Aufnahmen das Hit-Handwerk. Schnell erwies sich der junge Autodidakt als geborener Songwriter,  Anknüpfungspunkte bei den gleichaltrigen Kids der Nachbarschaft boten sich dem jungen Paul mit diesem Talent jedoch nicht, erst als er den von der gleichen Musik faszinierten John Lennon traf, fand er einen Gleichgesinnten. Immer wieder sind es auch die Konstanten und roten Fäden, die sich durch das Werk McCartneys ziehen, die hier noch deutlicher sichtbar werden. Etwa wenn es um den tragischen, frühen Tod der Mutter geht. Deren Verlust versuchte McCartney im frühesten hier vorgestellten Song  „I Lost My Little Girl“ zu verarbeiten, später nahm  "Mother Mary" dann eine zentrale Rolle in den Lyrics von  „Let It Be“ und auch in „Yesterday“ ein. 

In den Lyrics und  Erinnerungen erfährt man viel über den Menschen hinter der Legende und was ihn zu seinen Songs und empathischen Texten inspirierte. Dass Sir Paul einer der produktivsten Songwriter der neueren Musikgeschichte ist, war natürlich schon lange vor diesem Doppelband bekannt - die schiere Konzentration von 156 Stücken, von denen doch ein Gutteil entweder ein ikonischer Klassiker ist, Hit-Status genießt oder zumindest einen bemerkenswerter Album-Track darstellt, beeindruckt dennoch. Zudem zeigen diese Bücher erneut McCartneys immense Bandbreite, die von tiefgehender Introspektion ("Yesterday") über das allzu Weltliche („Why Don´t We Do It In The Road“ vom „weißen Album") bis hin zum Hymnisch-Spirituellen ("Hey Jude") reicht.

Paul McCartney – Lyrics von Paul McCartney, Paul Muldoon (Editor), Zwei Bände im Schuber (Leinen). 912 S. mit ca. 647 Abbildungen, erschienen in deutscher Übersetzung im C.H. Beck Verlag

TASCHEN WAREHOUSE SALE SOMMER 2022

©Taschen Verlag

Steigende Temperaturen, sinkende Preise - Letzteres kommt angesichts der momentanen wirtschaftlichen Entwicklungen doch eher selten vor. Beim in Kürze stattfindenden Warehouse Sale des Taschen Verlags - mittlerweile ein fast schon als traditionell zu bezeichnender Event -  kann man jedoch selbst in Zeiten wie diesen ein bisschen sparen:  denn auch heuer gibt es in den beiden deutschen Flagshipstores in Berlin und Köln sowie im Web bis zu - 75 % Rabatt auf Display- und Mängel- Exemplare dieser aufwendigen Bildbände mit bleibendem Wert und hohem Sammel-Faktor.

Die Bandbreite der Bücher ist dabei extensiv und reicht von einer Basquiat-Werkschau im XL-Format über eine Retrospektive auf das Leben der Queen hin zu einer Exploration der wegweisenden Bildsprache Peter Lindberghs - and all points in between.

Coffee Table-Aficionados die sich dem bibliophilen Eskapismus hingeben wollen sollten sich daher folgende Daten im Kalender vormerken: 

 Mittwoch 22.06. bis Samstag 25. 06. 2022
in den Flagship-Stores 

Taschen Store Berlin (Schlüterstraße 39)

Taschen Store Köln (Neumarkt 3)

Online Donnerstag 23.06. bis Sonntag 26.06.2022
www.taschen.com

On Display: ein Blick in den Flagship Store in Köln

©Taschen Verlag

IL VOLO SINGS MORRICONE

 

  Credit Coverbild: © Masterworks (Sony Music)

Die drei jungen Stimmwunder Piero Barone, Ignazio Boschetto und Gianluca Ginoble alias Il Volo zählen seit einigen Jahren zu den erfolgreichsten Künstlern des Operatic Pop -  jenem Subgenre, das in gefälliger, massenkompatibler Manier klassischen Gesangs zur Samstagabend-Show und auf die Bühnen abseits der Opernhäuser und Festspielorte bringt. 

Ob beim San Remo-Festival, dem Eurovision Songcontest, im Schlagerumfeld  bei der "Gartenparty der Stars" im heimischen TV oder in ausverkauften Venues in "bella italia" - das Drama und die große Emotion ist  bei dem Trio mit Schmalz und Schmelz in der Stimme gewiss.

Auf ihrem neuen Album haben sie sich nun Ennio Morricone und dessen unvergesslichen Melodien gewidmet. Angesichts des doch eher am Mainstream angesiedelten Images Il Volos wird diese Kombination manchen Morricone-Fan wohl eher verwundern  - war der Maestro doch selbst Verfechter einer ernsten und komplexen "musica assoluta"  und komponierte zwar melodiöse, jedoch gleichzeitig avantgardistische Stücke. Gleichzeitig arbeitete Morricone allerdings auch immer wieder mit Popgrößen wie Milva, dem Spatz von Avignon Mireille Mathieu oder Dulce Pontes zusammen - und hier will sich nun auch das Il Volo-Projekt einreihen.

Entstanden ist es mit Beteiligung der Familie Morricones, Sohn Andrea schrieb selbst Liedtexte für dieses Album. Dirigent Marcello Rota führte das Roma Sinfonietta Orchestra, welches seit seiner Gründung intensiv mit Morricone zusammengearbeitet hatte, klanglich an Orte wie Almería und ins Monument Valley, die Teil des kollektiven Gedächtnis von Cineasten weltweit sind.  Jazz-Trompeter Chris Botti, Cellist Hauser und Geiger David Garrett absolvieren Gastauftritte. 

Ob dieses Album gelungen ist, hängt vor allem davon ab, ob der Zuhörer eher Morricone oder eher Il Volo Fan ist. Wer beim anschwellenden Intro von "Jill´s Theme" aus "Once Upon A Time In The West" nicht an Claudia Cardinale denkt, die an der Bahnstation vergebens darauf wartet, abgeholt zu werden,  wird vermutlich mehr Gefallen an der wenig subtilen, maximalistischen Herangehensweise des Belcanto-Trios finden. So schön ihre Stimmen auch sind, die Nuancen der Originale - die ohne Text oder nur mit dem legendären Koloratur-Gesang Edda Dell´Orsos  gewaltige Emotionen, die vom persönlichen Verlust bis zum Untergang des alten Westens vertonten -  vermögen die Neuaufnahmen nicht zu transportierten. Dass mit dem Stück "Il colori dell´amore" eine Rarität dabei ist (erstmals aufgeführt 2021, also nach Morricones Tod ) macht dieses Album für Sammler dennoch interessant. 

YELLO 40 – OH YEAH

 Copyright: Boris Blank, Dieter Meier, Edition Patrick Frey, 2021

Wenn es um die Musikmetropolen dieser Welt geht, mag man vielleicht nicht direkt an das schöne Zürich denken. Umso bemerkenswerter ist es daher, dass die größte Stadt der Schweiz immer wieder zum "Hotbed" für Pionierleistungen in unterschiedlichsten Musikgattungen wurde. Sei es im Extrem-Metal mit Celtic Frost oder in der elektronischen Musik wie bei Yello, die in geradezu visionärer Manier die Grenzen dieses Genres ausloteten.

Vor etwas mehr als 40 Jahren machten sich Yello erst mal daran mit Tonband, Schere und Witz den Dadaismus und die Aktionskunst in die Diskos zu bringen. Nach anfänglichen avantgardistischen  Geräusch-Experimenten fanden Boris Blank und Dieter Meier (sowie in der Frühphase Carlos Perón) ihren eigenwilligen Sound - vermeintliche Dogmen und Genre-Grenzen interessierten sie dabei ebensowenig wie der Kantönli-Geist. Die Elektro-Szene war damals noch nicht so poliert-kommerziell wie heute, der durchaus anspruchsvolle und experimentelle Sound Yellos traf daher genau den Zeigeist. Anders als unzählige andere Innovatoren, die ihrer Zeit voraus waren, konnten Yello die Früchte ihrer Arbeit auch gleich ernten: kurz nach Ihrer Gründung stand die Band  schon in der legendären  New Yorker Disco Roxy  - und wurde Zeugen welche enthemmende Wirkung ihre Single "Bostich" auf die Party Crowd hatte. Alben wie "Solid Pleasure", "You Gotta Say Yes To Another Excess" oder  "Flag" und  Singles wie "Oh Yeah" und "The Race" konsoliderten den Ruf Yellos, die heute einen festen Platz im Pantheon der Pioniere elektronischer Pop-Sounds innehaben.

Noch heute wirken ihre Stück innovativ und modern. Vieles was heute in der EDM Standard ist, wäre ohne die Ideen von Meier & Blank streng genommen nicht denkbar, Stichwort: Elektro Swing.

Copyright: Boris Blank, Dieter Meier, Edition Patrick Frey, 2021

Copyright: Boris Blank, Dieter Meier, Edition Patrick Frey, 2021

Copyright: Boris Blank, Dieter Meier, Edition Patrick Frey, 2021

"Yellow 40 - Oh Yeah" ist nun die zum Jubiläum erschienene Festschrift: eine Monographie die  - analog zur Ästhetik der Gruppe - eher an einen Kunstband als an ein Musik-Coffee Table Book erinnert.

Blank und Meier wühlten in ihren Privat-Archiven  und förderten dabei Polaroids, Poster, Briefe, Fanzine-Reviews, Skizzen und private Erinnerungsbilder von einem Ausflug nach Kuba zu Tage - ebenso  wie die handgeschriebenen Noten zum Nachspielen von "Bostich" .  Gerade die Entwicklung Yellos zum international anerkannten Phänomen und die Sturm und Drang-Phase in der Geburtsstadt des Dadaismus lassen sich so sehr gut nachvollziehen.

Yello das war letztlich nie nur ein Musikprojekt sondern immer auch ein Gesamtkunstwerk.  Die  Lust an der (Selbst-)Inszenierung und an der Pastiche merkt man hier jedenfalls auf jeder Seite. So ist dieses Buch wie ein Yello-Videoclip - nur eben zum Durchblättern.

Copyright: Boris Blank, Dieter Meier, Edition Patrick Frey, 2021

Boris Blank / Dieter Meier Oh Yeah – Yello 40 Nº 335 Design: Aaron Fabian Mit Texten von Hanspeter „Düsi“ Kuenzler in Deutsch und Englisch Hardcover 450 Seiten 723 Farbabbildung 21 x 29.7 cm ISBN 978-3-90736-35-2 

SCORPIONS - Das Sonderheft (ROCK CLASSICS #35)

Coverbild: © Slamzine

Vor genau 50 Jahren erschien mit  "Lonesome Crow" das Debütalbum der Scorpions. Das neue, mittlerweile 19. Studiowerk  "Rock Believer" feiert nicht nur unbeirrt den Glauben an die heilende Kraft des ganzen Heavy-Genres sondern auch an den bewährten Signature-Sound der Band - und wurde mit dieser Formel zum internationalen Chart-Erfolg. Getrübt wird die Feierlaune durch den Umstand, dass die Glasnost-und Perestroika-Hymne "Wind Of Change" angesichts der derzeitigen weltpolitischen Lage an Bedeutung eingebüßt hat. Und  auch die große Europa-Tournee wurde aufgrund der unübersichtlichen Corona-Lage abgesagt.

Anlässlich der neuen Platte und der aktuellen und kommenden historischen Scorpions-Jubiläen (in drei Jahren begeht die Band das 60th Anniversary ihres Bestehens) widmet sich die neueste Ausgabe der Rock Classics diesen Legenden und zeichnet den Weg der Band von Hannover an die Spitze der internationalen Rockszene nach: Auch dieses Hochglanz-Sonderheft vereint die Stärken dieser bewährten Retrospektivreihe und liefert exklusive Interviews, gut kuratiertes Fotomaterial,  Infos zur kompletten Diskographie sowie einen Überblick über Bücher, Filme und allerlei Memorabilia - und portraitiert neben der jahrzehntelangen Kernmannschaft Klaus Meine, Rudolf Schenker und Matthias Jabs auch bedeutende ehemalige Mitglieder wie Uli Jon Roth.

JOE SATRIANI – THE ELEPHANTS OF MARS

 Credit Coverbild: © earMusic EDEL

Während der Mars-Rover „Perserverance“ nach verwertbaren Daten und Gesteinsproben auf der unwirtlichen Oberfläche des roten Planeten sucht, ist Gitarrenvirtuose Joe „Satch“ Satriani schon wesentlich weiter: Noch vor der NASA scheint er (wenngleich nur in songwriterischer Hinsicht) Leben auf dem Mars entdeckt zu haben: ominöse Marselefanten nämlich, die titelgebende Spezies seines neuen Longplayers, dem ersten auf seinem neuen Label earMusic.

„The Elephants Of Mars“ ist selbst für den sci fi-affinen Satriani (schon 1987 glitt er auf „Surfing with The Alien“, eine der besten und erfolgreichsten Instrumental-Platten aller Zeiten, durch die Galaxie) ein durchaus futuristisches Album. Die Space-Thematik zieht sich wie ein roter Faden durch dieses Werk, das über weite Strecken wie ein Soundtrack für eine neue SF-Serie klingt. Der Zuhörer kann sich jedenfalls nicht des Eindrucks erwehren, dass dies doch ein eher untypisches Album für den Virtuosen ist.

Dies mag auch am für Satriani ungewöhnlichen  Entstehungsprozess liegen, denn „Elephants…“ ist Satchs Pandemie-Album. Lockdown-bedingt zwangsbefreit von den Verpflichtungen des ewigen Album-Tour-Album-Tour-Zyklus ist dies ein vollständig im Homestudio kreiertes Werk auf dem Satriani zudem erstmals gänzlich auf physische Amps verzichtete und seine Gitarren direkt in Software-Plug-Ins spielte. 

Die das Album begleitende Werbung  verspricht vollmundig „It Moves, It Swings, It Rocks“ - und tatsächlich, hier gibt es eine überaus eklektische Mischung unterschiedlicher Stile die neben melodischem Rock auch Fusion-Anleihen  und sogar Dance-artige Exkursionen inkludiert. Die häufig auf reduzierten Melodie-Motiven basierenden Songs (siehe etwa die medidativ groovende Leadsingle "Sahara") scheinen beinahe so etwas wie der Kommentar des Veteranen Satriani zu den "20 Second Guitar Wonders" der Tik Tok- und YouTube-Generation zu sein, die den Social Media-User mit perfekt ausgearbeiteten Content-Snippets versorgen - die ähnlich wie manch rein akrobatisch ausgerichtete Saitenakrobaten der Eighties vor allem eines wollen: beeindrucken – und dabei relativ wenig aussagen. Im Kontrast dazu war Satriani immer einer jener Gitarristen, die selbst bei komplexen Nummern fehlerfrei und sauber spielen, bei denen jedoch die eigene Virtuosität - selbst am Höhepunkt der Shred-Welle der Achtziger - nie zum Selbstzweck wurde. 

Auch auf "Elephants" zeigt Satch vor allem seine bekannte Mühelosigkeit mit der er seiner Ibanez vokalartige Lines entlockt und fluid zwischen den Genres wechselt. Bei aller Experimentierfreude muss man jedoch auch konstatieren, dass die einzelnen Stücke nie den einprägsamen Hitcharakter erreichen, der die Songs von Alben wie dem Classic Rock-orientierten "The Extremist" oder "Flying In A Blue Dream" so zeitlos gemacht hat. 

Credit Bild:© Eduardo Peña Dolhun

DIKTATOREN IM KINO

 

Credit Coverbild: ©Zsolnay Verlag

Ebenso interessant wie eigentümlich war die Beziehung der gefürchteten Diktatoren und Propagandisten der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts zum damals noch jungen Medium Film. Einige von ihnen waren selbst Fans der bewegten Bilder auf der Leinwand: Ähnlich wie bei der Opernfigur des letzten Tribunen Rienzi fand sich Adolf Hitler etwa im Pancho Villa im u.a . unter der Regie von Howard Hawks entstandenen „Viva Villa“ wieder. Josef Stalin entwickelte sich zwar erst mit fortgeschrittenem Alter zum Cineasten (und Zensor der Kunstform) hatte jedoch skurrilerweise eine Vorliebe für westliche Filme, darunter auch für das ur-amerikanische Genre des Western. In Italien wiederum schuf sich Benito Mussolini für die Produktion italienischer Filmwerke gleich eine eigene Stadt: Cinecittà.

Die Symbiose zwischen den Diktatoren und der Kunstform ging jedoch weit über die persönliche Begeisterung hinaus. Kino war immer auch eine wirksame Propaganda-Waffe, nicht nur zur überlebensgroßen Selbstinszenierung sondern auch zur perfiden Beeinflussung der Massen.

Lenin etwa hatte zwar nicht unbedingt viel für das Künstlerische im Film über, erkannte jedoch das edukative Potential für die Arbeiter in Russland. Der Chefpropagandist des „Dritten Reichs“ Joseph Goebbels schwärmte nicht nur aus weniger cineastischen Gründen für zahlreiche Starlets von Babelsberg sondern instrumentalisierte rücksichtslos Schauspieler wie Regisseure und lenkte die gesamte Filmproduktion in Deutschland. Vor diesem Hintergrund ist es eine interessante Fußnote der Geschichte, dass gerade in solch dunklen Zeiten technische wie inszenatorische Pionierleistungen fielen (Stichworte: Riefenstahl und Eisenstein).

All diese unterschiedlichen Aspekte - von den Genre-Vorlieben der Despoten über die Rolle bekannter Filmschaffender in totalitären Systemen zur Instrumentalisierung eines ganzen Massenmediums zur Beeinflussung des Volks  - stehen im Zentrum der Neuerscheinung „Diktatoren im Kino“ des renommierten Literaturwissenschaftlers Peter Demetz. Dieser beleuchtet ein ungemein faszinierendes Gebiet, das noch nicht so erschöpfend erforscht wurde, wie man vielleicht annehmen könnte. Der hier gegebene Überblick ist kompakt, ohne dabei oberflächlich zu wirken. Demetz findet interessante, wenig bekannte Details in den Biographien der Diktatoren - das macht dieses Buch einerseits für jene spannend, die sich erstmalig mit dieser  besonderen Thematik auseinandersetzen, es langweilt jedoch andererseits nicht die historisch versierten Leser. 

Zwar könnte man das Thema sicherlich noch ausführlicher behandeln als es hier auf gut 256 Seiten geschieht, doch es ist dem Autor sehr zugute zu halten, dass er nicht den Fehler so mancher seiner Kollegen begeht und sich in Nebensächlichkeiten verzettelt, die dann in einer wenig mitreißenden Aufzählung mehr oder minder bedeutsamer Zahlen mündet. Dieses  Buch liest sich stets flüssig, was auch an der immer wieder durchscheinenden Begeisterung des Cineasten Demetz liegt. Nur die  Aufmachung ist etwas nüchtern ausgefallen: Ein paar vereinzelte, kleine Schwarzweiß-Fotos illustrieren das Büchlein; die Thematik und die visuelle Natur des Mediums Film hätten durchaus eine größere Aufmachung mit ganzseitigen Fotos und Bilderstrecken für eine  tiefergehende Analyse von Propaganda-Machwerken nahegelegt.

Ungeachtet dessen ist „Diktatoren im Kino“ ein - im besten Sinne - „old school“-Geschichtsbuch, das mit einer Fülle an Infos nicht nur als Quelle für eigene wissenschaftliche Arbeiten fungieren kann sondern zu den interessantesten kommunikationshistorischen wie kinogeschichtlichen Releases der jüngeren Vergangenheit zählt.

CHUCK BERRY - HAIL! HAIL! ROCK N´ ROLL

Credit Coverbild: © Studio Hamburg  / Universal Music   

In den 80ern des vergangenen Jahrhunderts steuerte die Rock N´ Roll und Rockabilly-Revival-Welle kontinuierlich auf ihren Höhepunkt zu. Musiker wie Brian Setzer,  Shakin´ Stevens, Dave Edmunds oder die Blasters feierten mit purem Rock N' Roll große Erfolge. Ikonen der ersten Stunde wie Carl Perkins, Roy Orbison oder die Everly Brothers standen wieder verstärkt im Fokus der Mainstream-Öffentlichkeit. Und auch in Hollywood war die klassische Rock N' Roll-Ära geradezu omnipräsnet: von den Buddy Holly- und  Jerry Lee Lewis-Biopics bis hin zu Francis Ford Coppolas nostalgischem "Peggy Sue Got Married". Die 50s, sie schienen damals  sehr nah, sehr präsent - was sich auch im Fashion-Stil der damaligen  Zeit widerspiegelte.  

Teil dieses Revival-Phänomens war auch der Doku- und Konzertfilm „Hail!Hail! Rock N´Roll", entstanden unter der Regie von  Taylor Hackford. Dieser hatte u.a. mit dem Richard Gere Romance-Klassiker „Ein Offizier und Gentleman“ einen der ganz großen 80er-Hits gelandet. Nach einem Neo Noir-Thriller ("Against All Odds") und einem Tanzfilm ("White Nights" mit Mikhail Baryshnikov) widmete er sich ganz dem Rock N' Roll und drehte sowohl das solide Richie Valens-Biopic "La Bamba"  als auch das großartige Portrait einer der wichtigsten Ikonen des Rock, Charles „Chuck“ Edward Anderson Berry. Anlässlich von Berrys 60. Geburtstag wurden für "Hail! Hail! Rock N' Roll" sowohl eine ausführliche Doku als auch ein Anniversary Gig inklusive der Rehearsals gefilmt. Nun ist dieser Film erstmals auf Blu ray erschienen.

Der Titel stammt aus dem frenetisch-euphorischen Refrain des Songs "School Days" in dem Berry, einer der begnadetsten Librettisten des damals noch jungen Genres, nicht nur kongenial den monotonen Alltag eines Schuljungen beschreibt, sondern auch die Kraft der Musik besingt - das Heilmittel gegen Alltagssorgen, man findet es in der Jukebox.  Die Besetzung des Gigs zu Ehren Chucks war mehr als    "star studded" : Keith Richards, der auch der Musical Director fungierte, Mr. Slowhand Eric Clapton, Linda Ronstadt, Robert Cray, Etta James, Johnnie Johnson, Steve Jordan, Bobby Keys, Julian Lennon und Joey Spampinato von NRBQ.  Wenn Berry etwa John Lennons Sohn Julian auf der Bühne begrüßt oder Eric Clapton unnachahmlich den Blues bei "Wee Wee Hours" spielt, schließt sich ein Kreis.  Bemerkenswert ist dieser Dokumentarfilm jedoch noch aus einem anderen musikhistorischen Grund: hier kommt es zu einer der ersten Kollaborationen zwischen dem  Drummer Stanley Jordan und Rolling Stone Keith Richards. Zuvor hatte Jordan schon bei den Studioaufnahmen zum Album "Dirty Work" mit den Stones gearbeitet ,  in den darauffolgenden Jahren  spielte er immer wieder mit Richards bei dessen Soloprojekten . 2021 sprang Jordan bei der damals aktuellen Tour für den erkrankten Charlie Watts ein. Nach dem völlig überraschenden Tod Watts scheint Jordan, nun permanent Teil der dienstältesten Rockband der Welt geworden zu sein.  

Die Blu ray-Neuauflage von Hackfords Berry-Portrait liefert sehr gute Bildqualität sowie druckvollen, plastischen und klaren Sound. Das durchaus üppige Bonusmaterial zeigt ausführlich die gerade für Musiker hochinteressanten Proben. Nur leider kann man aus unerklärlichen Gründen  nicht alle im Spielfilm verteilten Musiksegmente separat ansteuern, da hilft dann nur spulen wie seinerzeit bei  VHS-Kassetten. Das hätte man wirklich besser lösen  können. So ist die Blu ray-Konvertierung aufgrund dieses kleinen, aber dennoch störenden Mankos  nicht hundertprozentig perfekt - doch Hackfords Film bleibt ein gelungenes und einfühlsames Portrait eines außergewöhnlichen Musikers, das auch schwierige Aspekte in der Persönlichkeit Berrys nicht verschweigt. 

CHUCK BERRY - LIVE FROM BLUEBERRY HILL

Credit Coverbild: ©  Dualtone Music /MNRK-Bertus

Das Cover gemahnt auf den ersten Blick an die Seventies und Blueberry Hill assoziiert der geneigte Rock N´ Roll-Fan zunächst eher mit einem anderen großen Pionier dieser Musikrichtung - doch tatsächlich handelt es sich beim Album  "Live From Blueberry Hill" um eine Chuck Berry-Live-Platte, die nicht die britischen Seventies-Shows dieser Legende sondern sein Spätwerk  würdigt.

Aufgenommen wurde es zwischen Juli 2005 und Januar 2006 in einer ganz besonderen Venue, im  Restaurant Blueberry Hill in St. Louis. Dieses Lokal gehört zu den ganz großen Touristenattraktionen der Stadt und ist auch für die Einheimischen ein überaus beliebter und  generationenübergreifender Hangout-Ort, an dem einer der größten Söhne dieser Stadt über viele Jahre an jedem dritten Mittwoch im Monat auftrat. In siebzehn Jahren gab Berry dort sage und schreibe 209 Konzerte. 

Die Genesis dieser Shows  geht auf ein Gespräch Berrys mit seinem langjährigen Vertrauten und Besitzer des Blueberry Hill Restaurants Joe Edwards zurück. Berry meinte: „Weißt du, Joe, ich würde gerne in einem Lokal spielen, das so groß ist wie das, in dem ich gespielt habe, als ich angefangen habe.“  Für Berry schloss sich damit ein Kreis, back to the roots - nicht nur weil es für ihn ein Heimspiel in jener Stadt war, in der er geboren wurde sondern auch weil diese Venue an jene Orte erinnerte, in denen er in den Fünfzigern seine Verbindung von weißem Country und schwarzem Rhythm N´ Blues erstmals einem breiten Publikum vorstellte. Und der Rest ist History, wie es so schön heißt... 

Jene Bühne im Blueberry Hill,  auf der Berry in den letzten Jahrzehnten seines Lebens mehr als auf jeder anderen gespielt hat, wurde nach  Chucks charakteristische Bühnenbewegungen, dem "Duck Walk", passenderweise „The Duck Room“ getauft. Die "Live Residence" Berrys wurde zum Fixpunkt und auch andere große Musiker machten sich auf den Weg um diese Legende zu sehen, unter ihnen etwa  Robbie Robertson von The Band oder Lemmy Kilmister. 

Berrys  Band für diese Duck Room-Shows entwickelte sich im Laufe der Zeit, wurde aber schließlich als „Blueberry Hill Band“ bekannt und bestand sowohl  aus Familienmitgliedern, langjährigen Berry-Mitarbeitern als auch Stars der St. Louis-Szene, darunter Tochter Ingrid Berry an der Harp, Sohn Charles Berry, Jr. an der Gitarre, Bassist und Bandleader Jimmy Marsala, Pianist Robert Lohr und Schlagzeuger Keith Robinson. Anders als bspw. in den 70ern hatte Berry so nicht nur einen konstanten, wöchentlichen Fixplatz für seine Gigs sondern auch eine richtige Stammband - zuvor spielte Berry  bei seinen Auftritten oft mit immer wechselnden lokalen Gruppen,  die für die Legende als Backing Band fungierten - das funktionerte auch deshalb weil Berrys ikonische Songs zum absoluten Standardrepertoire gehörten und somit von den jeweiligen Bands auch ohne lange Proben beherrscht wurden. 

 "Live From Blueberry Hill" bietet einen veritablen Querschnitt durch Chucks frühe Diskographie, mit Klassikern wie "Roll Over Beethoven", "Nadine" und natürlich "Johnny B. Goode". Obwohl diese rauen  Aufnahmen von nicht das ultimative Live-Dokument Berrys sind,  bekommt der Zuhörer hier ein sehr gutes Gefühl dafür,  wie die Atmosphäre im Duck Room gewesen sein muss.    

STAR WARS DAY MAY THE 4TH 2022: DAS STAR WARS ARCHIV: EPISODE I-III 1999-2005

Taschen Verlag    courtesy TASCHEN / © & TM 2020Lucasfilm. All Rights Reserved.  

Great Expectations – mit genau diesen zwei Worten könnte man das kollektive Gefühl von Millionen Kino-und Star Wars-Fans subsumieren, die in den späten Neunzigern der Veröffentlichung der Prequels zu George Lucas Sternen-Saga entgegenfieberten. Wie konnte es zum Aufstieg des Imperators und des galaktischen Imperiums kommen, wie wurde aus Anakin Skywalker der röchelnde Sith Lord Darth Vader und was genau passierte mit dem einst prosperierenden Orden der Jedi? Die neuen Filme versprachen Antworten auf all diese Fragen.

Lange vor Youtube und der großen Gleichzeitigkeit von Social Media schaffte es Lucas mit einem beispiellos gelungenen Marketing-Schachzug einen neuen Demand für filmische Einträge im Star Wars-Universum zu generieren: eine digital aufgemotzte Neuaufführung der Classic Trilogy, Action Figuren als Sneak Peeks der neuen Filme und ein geheimnisvoller Trailer, der als meist Gedownloadeter in die Geschichte eingehen sollte. Mit diesem vielleicht langanhaltendsten Tease der Kino-History  schürte der Regisseur und Franchise-Erfinder über Jahre hinweg eine ungeheure Erwartungshaltung für den Auftakt der Prequel-Trilogie. Eine Erwartungshaltung,  die letztlich ins Unermessliche anstieg und so selbst von Lucas, diesem kongenialen Erfinder eines modernen Mythos, nicht zur Gänze erfüllt werden konnte. Denn das Endergebnis -  drei mitunter kontrovers diskutierte Filme - spalten bis heute die Fan-Gruppen. 

Nun ist pünktlich zum heutigen Star Wars-Tag (May the 4th – May the Force…) im Taschen Verlag ein neuer XXL-Bildband erschienen, der die faszinierende Genesis dieses ehrgeizigen Großprojekts nacherzählt.

Episode III: Der Dreh des Triells von Anakin, Obi-Wan und Count Dooku
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Episode III: Stunts vor dem Blue Screen
courtesy TASCHEN / © & TM 2020Lucasfilm. All Rights Reserved.

George Lucas und der junge Anakin (Jake Llyod) am Tatooine-Set in Tunesien
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Wie man das vom Kölner Luxus-Verlag gewohnt ist, fällt auch dieser zweite Eintrag in der Star Wars-Retrospektiv-Reihe sehr aufwendig aus. Mit seinen wuchtigen Ausmaßen ist er definitiv wesentlich schwerer als ein Millenium Falcon-Modell mit voller Action Figuren-Besatzung und hebt sich auch vom Design her (roter Sternen Sparkle-Einband!) von den unzähligen Büchern zum Thema ab. Wie schon der erste Band zur Classic Trilogy ist auch der Neue  wiederum in enger Kooperation mit George Lucas und Lucasfilm entstanden. Dies garantierte einen äußerst umfangreichen Einblick ins Making von  „Episode I-III“ sowie zur Classic Trilogy-Neuauflage. Filmhistoriker Paul Duncan tauchte tief in das Archiv von Lucas´ Traumschmiede ein und förderte Unmengen an Fotos und Behind The Scenes-Material zu Tage: rare Dokumente, Drehbuchseiten, Produktionsunterlagen, Konzeptentwürfe, Storyboards , eine Fülle an Fotos aus den Filmen sowie ein extrem ausführliches Exklusivinterview mit dem Regisseur machen für den Leser den jahrelangen Entstehungsprozess nachvollziehbar.

Retrospektiv betrachtet und auch im Vergleich zur teils missglückten neuen „Sequel“-Trilogie fällt das Urteil über die Prequels wesentlich milder aus. Lucas zeigte sich hier erneut als Virtuose an der Klaviatur des Marketings sowie in der Erschaffung immersiver fiktiver Welten. Insbesondere „Episode I“ ist fraglos ein Schlüsselwerk des modernen Event-Kinos, wie man es heute etwa vom Marvel Cinematic Universe kennt. Der neue Bildband rehabilitiert die oft gescholtenen Filme nicht zur Gänze, verdeutlicht jedoch den enormen Aufwand der hinter diesen Werken steckte. Das macht dieses spannende Archiv-Buch nicht nur für die härtesten Star Wars-Fans interessant sondern auch für jene, die sich mit der Magie hinter den Kulissen der bewegten Bilder interessieren.

TASCHEN
The Star Wars Archives. 1999–2005  Paul Duncan
Hardcover, Halbleinen, 41,1 x 30 cm, 6,88 kg, 600 Seiten, 150 Euro
taschen.com

DIE LICHT- UND SCHATTENSEITEN DER STADT DER ENGEL: LOS(T) ANGELES

 Coverbild: ©    Michael Dressel  Hartmann Books, 2021

Stars, schönes Wetter, in Filmen verewigte Sehenswürdigkeiten, eine noch immer blühende Kulturszene, dekadenter Luxus, Glitzer & Glamour: Wohl kaum eine andere Stadt der Welt ist so sehr Manifestationspunkt für die Träume, Hoffnungen, Illusionen und Ambitionen von Millionen von Menschen wie Los Angeles - jene Stadt, in der sich einst die Schönen mit den Hübschen paarten und zukünftige Generationen zeugten, die wiederum besser aussahen als die davor, wie es die große Eve Babitz, eine der berühmtesten L.A.- Chronistinnen, einst so treffend formulierte. 

Doch hinter der schönen Fassade verbergen sich auch bodenlose Abgründe. Hollywood mag zwar die gesamte Stadt in ein gleißendes Scheinwerferlicht tauchen, doch dadurch werden die Schatten nur umso länger. Denn die „City Of Angels“ ist nicht nur Film-Hauptstadt und Symbol für den „Californian Way Of Life“ sondern offenbart ihren Bewohnern ebenso wie (touristischen) Besucher auch extreme Gegensätze.  Unsagbarer Reichtum und Luxus-Villen auf der einen und verwahrloste Straßenzüge sowie  immer stärker werdende soziale Probleme auf der anderen Seite. Von der horrenden, für Europäer fast nicht vorstellbaren (und gerade ganz aktuell wieder besonders heftigen) Kriminalitätswelle ganz zu schweigen. Darüber hinaus wird der Sunset Boulevard auch oft zum Boulevard Of Broken Dreams - Los Angeles kann das Sprungbrett zur Weltkarriere sein und ist gleichzeitig das Auffangbecken für gescheiterte Schauspieler, die sich in den Restaurants der Stadt über Wasser halten müssen. Sie alle eint, dass sie stets immer nur scheinbar einen  Schritt von der entscheidenden Begegnung oder der Rolle, die ihnen den Durchbruch verspricht, entfernt sind.  

Genau diese Kontraste und diese Spannungsfelder sind auch die Hauptthemen in den Bildern von Michael  Dressel, der in den Straßen von  L.A. mit seiner Kamera auf Streifzug ging um die "harten Realitäten" dieser Stadt einzufangen.  Der neue, wortspielerisch betitelte  Bildband "Los(t) Angeles" zeigt nun erstmals eine Auswahl seiner Arbeiten aus den Jahren 2014–2020. Die expressive Schwarzweiß-Ästhetik dieser Aufnahmen unterstreicht den schonungslosen Blick, den Dressel auf seine Wahlheimat wirft. Gerade der "Real Life"- und  Straßenfotografie wohnt stets in besonderem Maße ein gewisser anthropologischer Voyeurismus inne,  Dressel bleibt jedoch stets empathisch, Das Ergebnis seiner Foto-Safari im Großstadtdschungel ist mal grotesk, manchmal traurig, dann wieder komisch und auch durchaus stylish - wenn etwa ein makelloses Models, die  Straße einnimmt,  als wäre diese ihr persönlicher Catwalk.

In bester Street Photography-Tradition bleibt es dem Betrachter letztlich selbst überlassen, wie er die hier gezeigten Momentaufnahmen interpretiert. Dressels unverblümtes Portrait vom Alltag im La La Land offenbart dem Betrachter jedoch stets die Dualität des American Dreams - der für die einen in Erfüllung geht und für die anderen unerreichbar bleibt - und zeigt die glamourösen, banalen und dunklen Seite der "Californication".

Credit Bild: ©    Michael Dressel  Hartmann Books, 2021

Credit Bild: ©    Michael Dressel  Hartmann Books, 2021

Credit Bild: ©    Michael Dressel  Hartmann Books, 2021

Zur Person des Fotografen: Geboren 1958 in Ost Berlin, studierte Michael Dressel kurz Bühnenbild an der Kunsthochschule Weissensee und verbrachte, nach einem missglückten Fluchtversuch, zwei prägende Jahre in DDR-Gefängnissen. Nach seiner Ausbürgerung in den Westen lebte er 1985 für kurze Zeit in West-Berlin bevor es ihn nach Los Angeles verschlug wo er seitdem lebt und als Soundeditor an großen Hollywood-Produktionen arbeitet, was ihm unter anderem die Mitgliedschaft in der Oscar Academy einbrachte. Das Hinhören ist seine Profession, das Hinsehen seine Leidenschaft. Seit vielen Jahren ist er in den Straßen von Los Angeles mit seinen Kameras unterwegs, immer auf der Suche nach »bedeutungsvollen Momenten«. 

Michael Dressel-Los(t) Angeles  ca. ca. 176 Seiten, ca. 110 Abbildungen, 23 × 28 cm Text von Matthias Harder und ein Interview zwischen F. Scott Hess und Michael Dressel, Deutsch/Englisch, Hardcover mit Schriftprägung  ISBN 978-3-96070-071-5, Hartmann Books, co-published mit Gingko Press